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出版者:Penguin USA

作者:Logan, Bey

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:1996-5

价格:$ 23.95

装帧:Pap

isbn号码:9780879516635

丛书系列:

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银幕上的风暴与美学：香港武术电影的百年流变 一卷关于光影、汗水与江湖恩仇的史诗 这部厚重的文集，并非聚焦于我们耳熟能详的“香港动作片”这一标签化的商业现象，而是将目光投向一个更为深邃、更具历史纵深感的领域——香港武术电影（The Martial Arts Cinema of Hong Kong）的百年流变、艺术探索与文化承载。 本书以编年史与主题研究相结合的方式，系统梳理了自默片时代萌芽，历经邵氏与嘉禾的黄金对决，直至新浪潮冲击下的风格转型，直至千禧年后对传统武侠的解构与重塑，香港武术电影是如何从一种地方性的娱乐形式，演变为影响全球影像工业与美学范式的独特文化符号。 第一部分：武侠的古典源起与奠基（1920s – 1960s） 我们首先深入探讨武侠电影的“前世”——早期民间传说与侠义小说的改编。这一部分重点剖析了“武侠片”与“功夫片”的早期分野。早期的武侠片（Wuxia）更多承载着“替天行道”的道德观和天马行空的“神功”叙事，深受《蜀山剑侠传》等文学作品的影响。分析了如《关东大侠》、《火烧红莲寺》等早期作品在技术受限下如何构建出初步的江湖图景，以及其背后的社会心理投射——在动荡年代对秩序与正义的渴望。 随后，我们将目光聚焦于邵逸夫先生的远见与“彩色武侠”的诞生。1960年代初期，随着国语片市场的崛起，邵氏影业开始投入巨资拍摄“邵氏出品，必属佳片”的彩色武侠巨制。本书详尽分析了张彻导演的“暴力美学”的萌芽，特别是他如何将儒家的忠义观与西方悲剧元素相结合，催生出如《大醉侠》、《金燕子》等奠定基调的作品。重点研究了刘家良在早期武术指导中的贡献，以及“武指”这一工种如何在幕后逐步确立其核心地位。 第二部分：功夫的实战哲学与工业化浪潮（1960s末 – 1970s） 本部分是全书的核心高潮，聚焦于功夫片的崛起与李小龙的革命性影响。我们不再将李小龙视为一个孤立的巨星，而是将其置于一个特定的历史脉络中——战后香港身份认同的焦虑、本土文化的勃兴以及全球化视角的引入。 深入解析了李小龙的“截拳道”哲学在银幕上的视觉化呈现：从对传统套路的颠覆，到对身体潜能的极限挖掘，以及他如何通过《唐山大兄》、《精武门》等影片，首次将中国武术的“实战性”和“民族精神”以一种极具冲击力的方式推向西方主流观众。 紧接着，分析了嘉禾影业如何抓住这一机遇，以及袁和平、洪金宝等后继力量如何接过“真功夫”的旗帜。我们细致对比了袁和平对“软桥硬马”与“杂耍特技”的融合，以及洪金宝在《少林三 ভ্রমণের》、《老虎沟》中对群体武打、诙谐幽默与杂技式场面调度的开创性贡献。这一时期的电影不再仅仅是神话，而是对体能、技巧和流派的致敬与再创造。 第三部分：流派的细分与技术的精进（1980s） 1980年代是香港电影工业的成熟期，武术片开始出现更明显的细分市场。本书探讨了“新浪潮”对传统叙事的冲击。导演们开始尝试解构英雄主义，注入更复杂的社会批判和黑色电影元素。 重点研究了许氏兄弟（许冠文）对武侠片的喜剧化解构，如何通过《鬼打鬼》等作品，将灵幻、民俗与功夫相结合，开创了“灵幻功夫喜剧”这一独树一帜的类型。同时，我们详述了成龙的个人风格的定型——对危险特技的迷恋、对现代都市背景的利用，以及他如何通过“玩命”的拍摄方式，重塑了银幕上的“英雄”形象，使其更贴近普通劳动者的韧性与智慧。 此外，对“螳螂拳”、“八卦掌”等具体武术流派在银幕上的演绎和“失真”进行了专门的考察，揭示了电影对武术文化符号的吸收与再创造过程。 第四部分：后现代的重构与文化的转向（1990s至今） 进入90年代，随着香港电影市场的饱和与人才向海外的流动，武术片面临新的挑战。本章分析了徐克导演对“武侠”概念的颠覆性重构。通过《笑傲江湖》系列和《黄飞鸿》系列，徐克打破了传统武侠对“正邪”的简单划分，引入了对“中国性”、“现代化冲击”的深刻反思。这些电影中的“武打”不再是单纯的格斗，而是哲学思辨、文化冲突的隐喻。 本书也审视了王家卫对武术场景的“情绪化”处理，例如在《东邪西毒》中，武术动作被降维为人物内心压抑、孤独和宿命感的表达载体，动作不再服务于情节，而是服务于氛围。 最后，本卷将目光投向新世纪，探讨了数字技术对武术美学的冲击。从袁和平在《卧虎藏龙》中对“轻功”的重新想象，到后来的武术电影如何在与好莱坞工业的融合中寻找自己的声音。本书认为，香港武术电影的遗产，不在于某一种固定的招式，而在于其对“身体表现力”的永不满足的探索精神，以及它如何将东方哲学、民间信仰与工业化制作完美熔铸于一炉的独特能力。 本书旨在提供一个全面、深入且拒绝表面化的分析框架，邀请读者重新审视这一电影类型如何从一个地方性的武术展示场，蜕变为一部关于身份、技艺与生存哲学的全球史诗。

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坦白讲，我拿起这本书的时候，其实有点担心它会陷入那种干巴巴的学术分析陷阱，毕竟香港动作片这个题材，很容易被过度解读或流于肤浅的赞美。但出乎意料的是，这本书的写作风格非常接地气，像是一个经验丰富的影评人，带着你穿梭于九龙城寨的霓虹灯下，品味着李小龙的革命性，也感叹着成龙的拼命三郎精神。它并没有故作高深地搬弄晦涩的理论，而是用一种近乎口语化的叙事方式，将复杂的电影制作内幕和幕后故事娓娓道来。我尤其欣赏作者对“特技”的重视，他没有把特技视为廉价的噱头，而是将其视为香港电影工业精神的体现——那种“不计成本，只求完美”的匠人态度。书中对一些经典场面的分解，比如《警察故事》里商场坠落的镜头，不仅仅描述了危险程度，更分析了如何通过剪辑和角度的配合，将这种危险转化为一种令人心跳加速的艺术效果。对于新一代的观众来说，这本书提供了一个理解香港动作片黄金时代的绝佳窗口，它让你明白，那些看似简单的拳脚背后，蕴含着多少汗水、多少对电影艺术的纯粹执着。

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这本关于香港动作片的书，简直是一场视觉盛宴的文字回顾，让我这个老影迷激动不已。作者显然对这个类型有着深入骨髓的热爱和研究，不仅仅停留在罗列经典的拳脚场面，而是挖掘了那些动作背后涌动的社会情绪和文化脉络。比如，他对“暴力美学”的剖析，不仅仅提到了吴宇森的慢镜头和白鸽意象，还联系到了当时香港社会对身份认同和未来走向的焦虑感，使得那些枪战戏码不再是单纯的感官刺激，而成为了某种时代悲歌的载体。书中对武指大师们的致敬也做得极为到位，从洪家班的硬桥硬马到成家班的玩命特技，作者细腻地捕捉了不同流派在镜头前呈现出的独特韵律和哲学。特别是书中对早期邵氏功夫片那种纯粹的武侠精神与后来越来越城市化、枪械化的转变进行了对比，让我对香港电影工业自身的美学迭代有了更清晰的认识。阅读过程中，我仿佛重新置身于那些老戏院里，空气中弥漫着爆米花的味道，耳边是袁和平设计的高难度打斗声，那种怀旧的满足感是无可替代的。这本书更像是一本动作片爱好者的“圣经”，能让你重新审视那些陪我们成长的光影记忆，理解它们为何能跨越文化和时间的界限，成为全球影迷心中的一座丰碑。

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这本书的排版和视觉呈现也值得称赞，虽然我手头拿到的是电子版，但文字的组织逻辑清晰，层次分明，完全没有一般电影研究书籍那种冗长和晦涩感。作者很擅长使用对比和类比的手法来阐述观点，比如将两位不同时代武打巨星的动作哲学进行并置分析，让读者能清晰地分辨出美学上的细微差异。最让我感到惊喜的是，书中还穿插了一些对经典动作片幕后鲜为人知的轶事和资料，这些“花边新闻”绝非空穴来风，而是经过了细致考证，为影片增添了人性化的色彩。例如，某些特技演员的真实伤病记录，揭示了他们为了一个镜头所付出的巨大代价，这使得我对影片中那些看似夸张的动作有了更深的敬畏之心。它不仅仅是一本理论书，更像是一部生动的电影编年史，通过对具体场景和人物的聚焦，将整个香港动作电影三十余年的发展脉络梳理得井井有条，让人在阅读中充满了探索的乐趣。

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我必须承认，这本书对“时间感”的把握非常到位。作者深知，香港动作片的美学是与特定历史时期紧密捆绑的。它没有试图将早期的武侠片与后期的写实警匪片强行套用同一个标准去衡量，而是尊重了每个阶段的社会背景和技术条件。书中对八九十年代，即“后吴宇森时代”的描写尤为精彩，那里充斥着对效率的追求和对浪漫主义的告别，动作场面开始变得更加冷静、更具都市丛林感。作者对“情绪”的捕捉令人印象深刻，他能够精准地描述出林正英僵尸片中那种独特的黑色幽默与东方宿命感的交织，那种既害怕又忍不住想笑的复杂情绪，正是香港电影的魅力所在。这本书的价值在于，它提供了一种“共情式”的评论角度，让你在理解技术和美学流变的同时，也能感受到那个特定群体在快速变迁的城市中，用拳头和子弹书写自己的不屈篇章。对于真正热爱香港电影的人来说，这本书读起来绝非负担，而是一种久违的、充满力量的仪式感。

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这本书的视角非常独特，它没有将香港动作片仅仅视为一个“类型片”来研究，而是把它放置在了全球文化交流的宏大背景下进行审视。作者敏锐地指出了香港动作电影如何巧妙地吸纳了东方哲学中的“气”与“意”，并将之与好莱坞式的叙事节奏进行融合，从而创造出一种独树一帜的全球流行符号。书中有一段论述，关于香港导演在好莱坞发展时所遭遇的文化冲突与妥协，分析得入木三分，让人不禁思考，这种跨文化输出的背后，究竟是胜利还是某种程度上的自我稀释。它探讨了“东方神秘主义”如何被西方市场消费，同时也肯定了香港电影人以其强大的适应能力和创造力，成功地将自身的视觉语言刻入了世界电影史。这种对国际影响力的探讨，使得本书的格局一下子打开了，不再局限于本土的怀旧情结，而是具有了更广阔的学术和商业价值。读完之后，我感觉自己看港片的方式都升级了，不再只是看热闹，而是开始思考其背后的全球化意义。

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