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出版者:Music Sales Corp

作者:Shipton, Russ

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2002-1

价格:$ 39.54

装帧:Pap

isbn号码:9780825619366

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
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吉他学习的进阶之路：探索《指弹大师的秘密》、《和弦编配的艺术》与《布鲁斯即兴的精髓》 简介： 本套装精选了三本重量级吉他教程，旨在为已经掌握基础乐理和初步演奏技巧的学习者，提供一条清晰、系统且深入的进阶路径。它们不再停留于简单的和弦按法或音阶指型，而是聚焦于构建扎实的音乐理解力、提升演奏的艺术性以及掌握特定音乐风格的精髓。通过对指弹技巧的深度剖析、和弦编配逻辑的系统梳理，以及布鲁斯即兴思维的全面构建，学习者将能够实现从“会弹”到“会音乐”的质的飞跃。 --- 第一册：《指弹大师的秘密：精妙乐句的构建与演奏》 目标读者： 已掌握基础扫弦和指弹分解和弦，渴望提升演奏细节和音乐表现力的中级吉他手。 核心内容解析： 本书是通往精湛指弹演奏艺术的桥梁。它摒弃了初级教材中对“PIMA”手指分工的简单介绍，转而深入探讨如何在复杂的节奏型中实现清晰、饱满且富于情感的音色控制。 一、 节奏的细微雕琢（Rhythmic Nuance）： 切分音的深度应用（Syncopation Mastery）： 不仅仅是学习切分音的节奏型，更重要的是理解如何在既定的拍速中，通过微小的提前或延迟演奏（Swing/Layback）来制造律动的张力。书中详细分析了巴赫与传统蓝草音乐中对节奏“弹性”的处理技巧。 动态控制与触弦力度（Dynamics and Attack Control）： 探讨了如何使用指甲、指肉、指尖不同部位的接触面来调制音量和音色。包含针对拨弦力度（Velocity）的层级训练，从 pianissimo 到 fortissimo 的平滑过渡练习，确保每个音符都有其明确的情感指向。 二、 旋律线条的雕刻（Melodic Line Sculpting）： “歌唱性”旋律的实现： 指弹演奏中，旋律音往往需要在伴奏织体中“浮现”出来。本书重点讲解了如何通过比伴奏音更高、更清晰的力度和更快的动态衰减来凸显旋律的连贯性，模拟人声的呼吸感。 装饰音的风格化运用： 深入讲解了颤音（Vibrato）的几种主要类型（如古典式的慢速宽幅颤音、蓝草式的快速窄幅颤音），以及如何自然地运用倚音（Grace Notes）和滑音（Slides）来连接和润饰和弦进行。 三、 复杂织体的整合（Complex Textural Integration）： 多声部清晰度训练： 针对那些需要在同一时间段内演奏低音行走（Bass Line）、和弦垫音（Chord Voicing）和主旋律的曲目，设计了分层练习法。例如，如何保持低音的恒定律动感，同时让高音区的旋律保持自由流动。 开放和弦的音色转换： 探索了如何利用特定的调弦方式（如Open D, DADGAD）来拓宽和弦的音色范围，并教授如何在新调弦中重新构建已熟悉的和弦指型，以获得更丰富的共鸣。 --- 第二册：《和弦编配的艺术：从基础到高级色彩与功能》 目标读者： 已熟练掌握七和弦、九和弦，渴望理解和弦背后的音乐逻辑，并能为歌曲进行专业编配的音乐人。 核心内容解析： 本书将和弦的学习从“识别”提升到“创造”的层面。它不是简单的和弦指法汇编，而是深入探讨和声的色彩学、功能性及其在不同音乐风格中的应用规则。 一、 和声功能与调性色彩（Harmonic Function and Color）： 替代和弦的深度分析（Tritone Substitution & Modal Interchange）： 系统讲解了属七和弦的增六族替代以及如何安全地借用平行大调或小调的和弦（Modal Interchange），以增加进行色彩的“惊喜”和复杂性。 扩展和弦的审美应用（Extensions and Alterations）： 详细剖析了 11, b13, 5 等不稳定音程的引入，以及它们如何服务于特定的情绪表达。例如，如何利用 Lydian 调式音阶（4）来制造梦幻、开阔的感觉。 二、 编配实战技术（Arrangement Strategies）： 根音线的构建（Bass Line Movement）： 强调根音线对于编配的引导作用。教授如何避免平庸的根音跳跃，转而使用经过音（Passing Tones）和导音（Leading Tones）来平滑地连接和弦，使进行听起来更有逻辑性。 和弦的转位与上行（Voicing Movement and Inversions）： 阐述了“最小移动原则”（Principle of Least Motion），即在进行转换时，将相邻和弦的音符尽量保持在相近的音区，以确保吉他演奏听起来流畅连贯，而非破碎。包含了针对爵士乐中“封闭式”与“开放式”和弦织体的选择指南。 三、 风格化编配实例剖析（Genre-Specific Voicing）： 爵士“Jobim”式和声： 专注于复杂的色彩和弦（如Maj75, Min11），以及如何用琶音和分解和弦来替代强力和弦，创造出轻盈、流动的巴西风味。 现代流行音乐的简化与张力： 分析当代流行音乐中如何使用挂留和弦（Sus Chords）和模糊调性的和弦（Ambiguous Chords）来营造简约而又耐人寻味的氛围。 --- 第三册：《布鲁斯即兴的精髓：从情感表达到底层逻辑》 目标读者： 已经掌握布鲁斯音阶，希望深入理解布鲁斯乐句（Licks）背后的历史脉络、情感内涵和即兴思维的吉他手。 核心内容解析： 本书是连接理论知识与舞台表现力的关键。它将布鲁斯视为一种语言，引导学习者不再是机械地套用音阶，而是学会“对话”和“叙事”。 一、 布鲁斯乐句的解构与重组（Lick Deconstruction and Reassembly）： “问答”模式的精通（Call and Response）： 深入分析了B.B. King、Albert King等大师如何运用“问答”结构来构建一段即兴。教授如何设计一段引人入胜的“问句”，并以一个强有力的“答句”收尾。 音阶的层次化运用： 不再局限于单一的布鲁斯音阶。详细讲解了如何将大调五声音阶（Major Pentatonic）、布鲁斯音阶与调式音阶（如多利亚调式Dorian）进行巧妙切换，尤其是在12小节布鲁斯进行中，如何根据和弦变化无缝切换音阶。 二、 节奏驱动与时值控制（Rhythmic Drive and Timing）： 推弦（Bends）的情感科学： 这是一个细节致胜的部分。本书细致区分了全音推弦、半音推弦、推弦后保持（Bend Hold）和推弦后释放（Release）。重点在于推弦的“目标音高”的准确性，以及如何通过推弦的力度变化来模仿人声的哭腔。 连奏的节奏感（Legato Feel）： 探讨了连奏（Hammer-ons/Pull-offs）在布鲁斯中的应用，如何让连奏听起来像滑音而非生硬的击打，以及如何利用连奏来增加乐句的流动性和速度感。 三、 风格的精确定位（Stylistic Accuracy）： 德州T-Bone沃克与芝加哥的碰撞： 通过对比分析，学习者将能区分出早期摇摆布鲁斯（Swing Blues）的清晰连奏与更具侵略性的芝加哥电声布鲁斯的粗粝音色。 和弦上的即兴（Improvising Over Changes）： 重点攻克布鲁斯进行中最具挑战性的部分——二级属和弦（II-V-I）的即兴处理。教授如何使用代理和弦音阶（Bebop Scales）在快速和弦转换中保持旋律的流畅性和张力，从而实现从传统布鲁斯到爵士布鲁斯的过渡。 --- 这三本书共同构成了一个完整的吉他技艺进阶体系，从微观的触弦细节，到宏观的和声编配，再到风格化的即兴表达，为学习者搭建了一个坚实的音乐殿堂。

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从整体学习体验来看，这套教材的“耐用度”非常高，一套书可以陪伴学习者走过从入门到中级的漫长阶段。很多教程读完第一册就束之高阁了，因为它们的内容深度不够，很快就会遇到瓶颈。但这个系列的设计思路似乎是“深度优先”，而不是“广度优先”。比如，在介绍完基础的布鲁斯音阶后，它不会马上转向爵士乐，而是花大量篇幅让你在不同的节奏型和和弦背景下反复运用这个音阶，确保你真正“消化”了它。我最欣赏的是它在第三册末尾引入的“风格模仿”环节，它没有直接给出某位大师的 Solo 乐谱，而是拆解了大师常用的一些技巧组合和音色选择思路，鼓励学习者去整合自己学到的知识，创造出属于自己的东西。这让我感觉自己不是在被动地接受知识，而是在主动地构建自己的吉他知识体系。这套书给我的感觉是：它不仅是本教材，更像是一份长期的、系统的学习蓝图，让人在未来很长一段时间内，都有清晰的方向可以遵循和探索。

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简直是乐理与实践的完美结合体，尤其是中后期的内容，让我这个一直对乐理头疼不已的人，竟然开始主动去研究音阶和调式了。我之前总觉得乐理是高高在上的理论，跟实际弹奏关系不大，但这本书的编排巧妙地打破了这种壁垒。它不是先给你一堆枯燥的规则，而是让你在实际练习中遇到问题时，再去翻阅和理解相应的乐理知识。比如，当你练习到某个特定的调性时，它会很自然地引入该调的音阶结构，并告诉你为什么这个音阶听起来感觉“对”了。我尤其喜欢第三册中对即兴演奏部分的引导，它并没有直接告诉你“你要怎么做”，而是通过大量的例子展示了如何基于和弦进行来构建旋律线条。这种“授人以渔”的方式，远比死记硬背“什么情况下该用什么音”有效得多。而且，书中对不同风格音乐的区分和模仿练习也非常到位，从简单的布鲁斯推弦到乡村音乐的切音技巧，都有专门的模块来攻克，这极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于只会弹奏流行歌曲的和弦伴奏。

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这套教材简直是为我这样的“半路出家”型吉他手量身定做的！我之前断断续续学过一些零散的指法和简单的和弦，但总感觉体系不完整，弹出来的东西总是差点意思。直到我接触到这个系列，才真正体会到什么叫“循序渐进”。书里对基础的讲解细致入微，比如如何正确持琴、拨片的角度、甚至连揉弦的手指力度都有图文并茂的示范。特别是第一册，它不像有些教程上来就堆砌一大堆五线谱和复杂的乐理，而是非常巧妙地将基础的节奏型和简单的旋律结合起来，让你在学习过程中能立刻“听见”自己的进步，这极大地增强了我的学习动力。我记得第一本书里关于开放和弦的讲解，不仅列出了指位图，还配有大量的实际应用乐段，让我不再是死记硬背，而是真正理解了和弦在歌曲中的作用。对于我这种需要即时反馈的学习者来说，这种设计简直是太人性化了。而且，教材的排版非常清晰，不像有些老旧的教材，谱子密密麻麻挤在一起，让人一看就头大。这套书的留白和图示比例拿捏得恰到好处，即便是对着谱子琢磨的时候，眼睛也不会感到疲劳。可以说，它为我打下了一个非常扎实的地基，让我对吉他这项乐器产生了更深层次的敬畏和热爱。

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这套教材的另一个亮点在于它对“技巧”的拆解和渐进式难度控制。我之前练速弹时总感觉手腕很僵硬，尝试过很多网上的“秘籍”，效果都不理想。直到我看到书中针对右手拨弦清晰度练习的那几页内容，我才恍然大悟，原来问题出在拨弦的力度和角度控制上，而不是单纯的“手指力量不够”。书中对连奏（Legato）和击弦（Hammer-on/Pull-off）的讲解，非常强调“以最少的力气达到最大的清晰度”，这一点对我来说简直是醍醐灌顶。它没有急着让你去弹奏复杂的速弹乐段，而是让你用慢速、精准的方式去体会每一个音符的触感和延续性。这种对细节的极致追求，使得我在练习过程中，很少出现指法上的错误累积。即便是练习到一些需要用到推弦和揉弦的高阶技巧时，教材也提供了针对性的手指力量训练小练习，让你在不影响主线学习进度的前提下，逐步强化必要的肌肉记忆。整体来看，它更像是一位经验丰富的老教师，时刻提醒你：基础不牢，地动山摇。

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对于一个目标是自弹自唱的业余爱好者来说，这套书的实用性简直超乎想象。很多人学的吉他都是为了能给自己喜欢的歌伴奏，但市面上很多教程只专注于炫技或者纯乐理，忽略了“伴奏”这个核心需求。这套书却非常注重和声的运用和节奏型的变化。它教会我如何根据歌曲的情绪变化来调整扫弦的力度和节奏的律动，而不是永远一个“咚哒哒哒”的节奏打到底。第一册的扫弦模式讲解细致入微，区分了慢歌、快歌的不同扫法，并强调了“留白”的重要性——什么时候该停顿，什么时候该加强，这直接决定了伴奏听起来是饱满还是拖沓。更赞的是，它引导你去分析歌曲的和弦进行，而不是简单地照着谱子弹。通过它提供的练习方法，我学会了如何自己扒歌的和弦，这感觉就像突然拥有了一把“万能钥匙”，能打开所有流行歌曲的大门。这种能力上的飞跃，让我对这套教材的评价直接拉满，因为它真正解决了“学了吉他到底能干什么”这个根本问题。

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