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出版者:人民美术出版社

作者:[五代]荆浩 撰

出品人:

页数:44

译者:王伯敏

出版时间:1963-3

价格:0

装帧:平装

isbn号码:

丛书系列:中国画论丛书

图书标签:

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《笔法记》 作者： [此处填写作者姓名，若无，可省略] 作品类型： [此处填写作品类型，例如：散文集、历史随笔、文学评论、艺术理论等] 书籍简介： 《笔法记》并非一本讲述故事的书，它更像是一次对“笔”与“法”之间微妙关系的深邃探寻。全书以一种看似散漫却又暗藏玄机的结构，围绕着“笔”这一承载着思想、情感与技艺的媒介，展开了一系列跨越时空、融汇古今的思考。作者并非要为读者勾勒出一幅具体情节的图景，而是试图打开一扇通往更深层次理解的大门，去感受文字、艺术、乃至人生中那些看不见却无处不在的“笔法”。 本书的“笔”，绝非局限于书写工具本身。它既可以是毛笔、钢笔、铅笔，可以是画笔、刻刀，甚至可以是鼠标的点击，键盘的敲击，以及那些构筑思想、编织叙事的无形之手。作者以一种极为开阔的视角，将“笔”的概念延展至一切能够留下痕迹、传递信息、塑造形态的载体。从古老的甲骨文，到碑帖的飞白，从山水画的皴染，到现代设计的线条，作者仿佛是一位在时间长河中穿梭的旅人，拾取着散落在各个时代的“笔”的精华。 而“法”，则是指贯穿于这些“笔”迹之中的规律、法则、技巧、思想与美学。它不是僵化的教条，而是流动的生命力，是创作者在与材料、媒介互动时所形成的独特智慧。作者探讨的“法”，可能是一种笔势的遒劲，一种墨色的浓淡，一种线条的刚柔，一种构图的疏密，一种节奏的起伏，更深层次的，则是一种观察世界的方式，一种表达自我的逻辑，一种对意义的追寻。 《笔法记》并非一篇篇独立的论述，它更像是一系列精心编织的“对话”。这些对话，可能发生在作者与古代书法家的精神交汇中，可能发生在作者与西方画家的色彩理论的碰撞里，可能发生在作者与中国古典文学的意境的对话，也可能发生在作者与现代科技发展对书写方式的影响的思考中。每一章节，都是一次独立的观察与感悟，但它们又共同指向一个核心，即“笔法”作为一种连接过去与现在、物质与精神、形式与内容的通用语言。 在书中，读者可能会遇到对东晋王羲之《兰亭序》中“永字八法”的细致拆解，但并非为了教授如何写“永”字，而是借此探究其中蕴含的结构、力道与精神。作者或许会引述唐代孙过庭《书谱》中的名句，分析其中关于“察之者难，研之者易”的洞见，从而引申出对任何技艺深入理解的必要性。这些古典的案例，在作者的笔下，并没有被束之高阁，而是被赋予了新的生命，与当下的观察和思考融为一体。 当作者谈及绘画时，他可能不会详细描绘某幅画的具体内容，而是关注笔触的运用，例如，如何通过寥寥数笔勾勒出山峦的巍峨，或是一滴水的灵动。他可能会分析水墨画中“墨分五彩”的微妙之处，这种“色彩”并非来自颜料，而是源自对墨的理解与运用，这恰恰是对“笔法”精妙之处的绝佳诠释。他或许会探讨西方油画中笔触的肌理感，那种直接、粗犷或细腻的笔触，如何在画布上形成独特的视觉语言。 《笔法记》的魅力在于其“不落俗套”的视角。它不拘泥于某一门类艺术的狭隘定义，而是以一种“泛艺术”的眼光，去审视“笔法”在不同领域中的体现。譬如，作者可能会将建筑线条的流畅性与书法的连绵起伏相类比，将音乐的节奏感与诗歌的韵律相比较，甚至会将科学实验中对数据痕迹的观察与艺术创作中的“笔触”进行类比。这种跨界、跨领域的联想，正是《笔法记》独树一帜之处。 书中，作者并非提供一套现成的“笔法”秘籍，而是引导读者去“看见”。去看见那些隐藏在日常事物中的“笔迹”，去看见那些塑造着我们世界观的“法则”。这是一种对感知力的训练，一种对细节的敏感，一种对事物本质的洞察。例如，当阅读到一篇优美的文章时，读者可能会在不经意间体会到作者在遣词造句、篇章结构上所下的功夫，这背后，同样是“笔法”的体现。 《笔法记》也可能触及“笔法”的局限性与超越性。在强调技法与形式的同时，作者也可能反思，当“笔法”过于精湛，是否会束缚住创作的灵魂？当技术取代了思想，当形式大于内容，又将走向何方？这种对“笔法”的辩证思考，使得本书更具深度与人文关怀。它提醒我们，无论技术如何发展，无论工具如何变迁，“笔法”最终的目的，是服务于思想的表达，是服务于情感的传递，是服务于对真善美的追求。 读者在阅读《笔法记》时，可能会经历一种“顿悟”的过程。原来，那些看似高深莫测的艺术，那些精妙绝伦的文字，那些令人称道的技艺，背后都遵循着一些共通的“笔法”。这种理解，能够极大地拓展读者的视野，让他们在欣赏作品时，不仅仅是“看热闹”，更能“看门道”。 本书的语言风格，或许是含蓄而富有韵味的，如同中国古典山水画中的留白，又如同文人墨客笔下的雅致。它不会使用过于直白、喧嚣的词语，而是以一种娓娓道来的方式，将深刻的思考融入字里行间。每一句话，都可能经过反复推敲，每一个段落，都力求呈现出一种精巧的结构。 《笔法记》最终希望达成的，是一种“举一反三”的智慧。一旦读者掌握了理解“笔法”的钥匙，便能将这种理解，运用到生活的方方面面。无论是欣赏一幅画，品读一首诗，观看一部电影，甚至是在日常的沟通交流中，都能从中体味出更深层次的意义。这是一种将艺术的眼光，注入生活的态度，是一种对世界更细腻、更深刻的认知。 总而言之，《笔法记》是一本需要静心品读的书。它没有轰轰烈烈的情节，没有惊心动魄的冲突，但它拥有的是一种穿越时空的智慧，一种融汇古今的洞察，一种对“笔”与“法”之间神秘联系的深刻揭示。它是一次思想的旅行，一次感知的盛宴，一次对人类创造力最本源之处的敬意。它邀请读者一同踏上这段探索之旅，去发现那些潜藏在万事万物之中，却又至关重要的“笔法”。

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这本《笔法记》简直是艺术学习者的福音，我拿到手的时候，就感觉到了它沉甸甸的分量，那种对专业知识的尊重感扑面而来。作者在开篇就旗帜鲜明地提出了一个非常核心的观点：技法并非孤立存在，而是与创作者的心境、观察力和对物象的理解深度紧密相连。书中对于线条的描述，不是那种干巴巴的技法罗列，而是充满了哲思的探讨。比如，它细致地分析了“中锋”在不同材质描绘中的微妙变化，如何通过笔锋的提按顿挫，表现出金属的冷硬与丝绸的柔顺之间的巨大反差。我特别喜欢其中关于“气韵生动”的论述，作者巧妙地引用了古代画论，将其现代化地解读为一种能量的流动和内在精神的外显。读完前几章，我立刻就想拿起笔来尝试，那种被激发出的创作冲动，是很多教程式的教材无法给予的。它更像是一位经验丰富的大师，在你耳边低语，引导你去“看”世界，去感受笔触与纸面摩擦时产生的独特声响和触感，而不是简单地告诉你“你应该怎么做”。这本书的排版也十分考究，插图的选择非常精妙，既有古代名作的局部放大，也有现代艺术家对传统技法的创新实践，形成了一种跨越时空的对话感。

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这本书最让我感到惊艳的地方在于，它成功地构建了一个连接古代智慧与当代创作实践的桥梁。我过去总觉得传统笔法是束缚，是需要努力挣脱的枷锁，但《笔法记》让我看到了它们内在的生命力。作者在分析古代书法对绘画线条的影响时，引用了王羲之的某些笔法结构，将其转化成对描绘山石皴法的指导，这种跨领域的融会贯通，极大地拓宽了我的思维边界。我印象最深的是关于“意临”和“形似”的辩证关系，书中提出，高明的模仿绝不是简单的复刻，而是在学习古人“如何观察”的过程中，实现自我表达的升华。这种对创作心境的深刻洞察，远超出了普通技法书的范畴，它已经触及到了艺术哲学的层面。读完这本书，我感觉自己不再是孤军奋战地摸索，而是有了一位无形的导师，指引我以更开阔的视野去审视自己的作品和前人的成就。

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说实话，我原本对这类技术手册类的书籍抱有很高的期望，但又担心内容会流于表面，充满了空洞的口号。《笔法记》却出乎意料地扎实，它没有回避技术难题，反而将其剖析得淋漓尽致。尤其在水墨晕染那一章，作者没有止步于“墨分五色”这种基础概念，而是深入到墨的颗粒在不同湿度下扩散的物理现象，甚至探讨了纸张纤维对洇化效果的影响。我过去一直困扰于如何让大面积的留白显得有张力，而不是空洞无物，这本书提供了一个全新的视角——将“白”视为一种主动的、参与构图的元素，而不是被动的背景。作者用极其精准的语言描述了“破墨”和“积墨”在营造空间层次感上的区别，每一个词汇都像是经过了千锤百炼的提炼，不带一丝多余的赘述。它不像教科书那样死板，反而有着散文般的流畅感，即便是理论性很强的内容，读起来也毫不费力，反而让人心悦诚服。

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坦率地说，市面上的艺术书籍很多都存在一个问题：说得多，做不到。它们要么是华丽的图录，要么是艰涩的理论，难以真正落地。《笔法记》却奇迹般地找到了那个平衡点。它的语言风格非常平实、克制，没有过度渲染艺术的“神秘性”，而是以一种极其工匠精神的态度去解构每一个技巧。比如，在谈论如何控制“飞白”时，作者没有用“随性而为”这种模糊的词汇，而是精确地给出了墨量、速度和笔锋倾斜角度之间的数学关系模型，尽管是描述性的，但逻辑清晰到可以被量化分析。这种务实到近乎科学的描述方式，让我这个追求严谨的学习者感到无比的踏实。它不是在“教你做艺术家”，而是在“教你如何掌握工具”，将“笔法”这门艺术还原成一种可以被系统学习和掌握的技能体系，非常适合需要打牢基础，追求技艺精进的读者。

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作为一名偏爱细节观察的写实派爱好者，我原本以为《笔法记》会更偏向于写意水墨，但事实证明我的担忧是多余的。它对细节的刻画丝毫不含糊，尤其是关于不同材质（如皮革、毛皮、金属光泽）的处理技巧，简直是写实功底的集大成者。书中详细拆解了如何通过细微的笔触变化来表现光线的折射和物体表面的质感，比如处理兽皮的毛发，作者竟然建议用极细的枯笔快速扫出层次，而非一根根描绘，这极大地提高了效率，同时保持了视觉上的真实感。这种高效且富有表现力的技巧传授，让我对以往耗费大量时间却效果不佳的刻画过程有了新的认识。阅读过程中，我不断地停下来，对照自己以前的作品，发现很多问题并非出在“不够努力”，而是“方法不对”，这本书就是那把解开困惑的钥匙，精准而有力。

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配宗像清彦的英文翻译和注释。

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北派山水开山鼻祖的上古秘籍，假托对话的自问自答，道出山水精髓。核心思想是「六要」：气韵思景笔墨，值得结合山水画作，反复研读。

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荆浩最真知灼见的观点不是“得真”、“六要”、“二病”，这些多是前人之言和经验之谈，他最重要的观点应该是“物象之源”，写山水之性，才能写山水之真，这样就可以解释为什么要脱形得真，为什么要以大观小，等等。甚至可以说，中国画论统摄性和原发性的观点就是“物象之源”，它是审美观照的对象和目的，而传神写照、气韵生动、气质俱盛应该是它的衍发，对它的描绘。当然，荆浩的“物之性”，和宋人格物致知那个是两回事。

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荆浩最真知灼见的观点不是“得真”、“六要”、“二病”，这些多是前人之言和经验之谈，他最重要的观点应该是“物象之源”，写山水之性，才能写山水之真，这样就可以解释为什么要脱形得真，为什么要以大观小，等等。甚至可以说，中国画论统摄性和原发性的观点就是“物象之源”，它是审美观照的对象和目的，而传神写照、气韵生动、气质俱盛应该是它的衍发，对它的描绘。当然，荆浩的“物之性”，和宋人格物致知那个是两回事。

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唐末五代战乱不断，文人多隐居山林，荆浩绘画之余做了理论研究，提出“图真（华与实、似与真）、绘景六要(气、韵、思、景、笔、墨）、四品（神、妙、奇、巧）、用笔四势（筋、骨、肉、气）”。