The Complete "Chinese Ornament" pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Dover Pubns

作者:Owen Jones

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:1990-4

价格:161.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780486262598

丛书系列:

图书标签:

• 艺术、设计&画册
• Chinese Ornament
• Chinese Art
• Decorative Arts
• Pattern Design
• Illustration
• Vintage
• Antique
• East Asia
• Design Resources
• Cultural Heritage

《图说东方神韵：古代建筑装饰艺术的精粹》 一部探索古代建筑装饰艺术的视觉盛宴与文化密码的鸿篇巨制 作者/编者： 王鸿飞、李明哲（虚构） 出版社： 华夏文韵出版社（虚构） 开本： 16开（精装） 页数： 880页（含彩插320页） 定价： 498.00元 --- 内容提要 《图说东方神韵：古代建筑装饰艺术的精粹》并非一部对单一主题进行详尽收录的工具书，而是一部跨越数千年历史长河，聚焦于中国古代建筑外部与内部装饰元素在不同地域、不同朝代语境下的演变、功能与美学内涵的深度研究与视觉整理。本书以宏大的叙事视角，辅以大量精细的实地测绘图、高精度摄影图片以及历史文献的梳理，构建起一座从宫殿庙宇到士绅府邸、从石窟寺院到民居院落的东方装饰艺术的万花筒。 本书致力于揭示建筑装饰如何作为“凝固的史诗”，承载着社会伦理、宗教信仰、等级制度乃至地方风土人情的复杂信息。它不仅关注那些耳熟能详的雕梁画栋，更深入挖掘那些被忽略的细节：檐下斗栱的结构美学、砖瓦的纹样哲学、乃至门窗格扇上的光影游戏。 --- 核心章节与特色亮点 本书分为六大部分，逻辑清晰，层层递进，全面覆盖了中国古代建筑装饰的广阔领域： 第一部分：基石与轮廓——结构装饰化的哲学（约150页） 本部分重点探讨了中国建筑体系中，结构构件如何同时扮演装饰角色的独特性。 1. 斗栱的语汇变迁： 梳理唐宋的雄浑、明清的繁复，对比不同地域（如徽派的素雅与闽南的繁茂）中斗栱比例、出跳方式及彩绘装饰的差异，探究其从力学支撑到等级标识的转变过程。 2. 屋顶的仪式感： 详尽解读歇山、庑殿、攒尖等屋顶形制在不同等级建筑上的应用。重点分析琉璃瓦的色彩象征（黄、绿、蓝的政治意涵），以及脊兽的排布与地方神话的关联。 3. 台基与须弥座： 论述台基在空间序列中的导向作用，并对石刻栏板、望柱、抱鼓石上的“螭龙纹”、“海棠纹”等母题进行形态学分析，区分其在不同时期、不同文化圈（如辽金时期的胡风影响）中的表现。 第二部分：木之魂——梁架与彩绘的叙事（约200页） 聚焦于木结构体系内部的装饰艺术，这是中国建筑最具生命力的部分。 1. 藻井的宇宙观： 专题研究帝王宫殿、皇家祭祀场所中藻井的结构（蟠龙井、荷花井等）及其彩绘内容。探讨其如何通过“天人合一”的图案语言，构建起一个微缩的宇宙模型。 2. 梁枋彩画的流派与规范： 区分“和玺彩画”、“苏式彩画”、“折枝花卉彩画”的严格规范与地域变体。通过高分辨率图片对比，解析彩画中对山水、花鸟、历史典故的符号化处理，阐释“以色叙事”的传统。 3. 门窗格扇的工艺与光影： 不仅罗列了棂花、槛窗的数百种样式（如冰裂纹、万字纹），更深入探讨了格扇设计如何控制室内光线的质感、调节空气流通，体现了古人对自然环境的精妙调适。 第三部分：石之语——雕刻与地域性表达（约180页） 本部分将焦点投向以石头为载体的装饰艺术，地域差异尤为显著。 1. 砖雕的诗意： 集中展示徽州、苏南、川渝地区的砖雕艺术。对比徽派的“三雕”（砖、木、石）中，砖雕如何利用薄层堆砌和阴刻，表现出田园牧歌、民间故事和吉祥符号，其“写意”风格的形成原因。 2. 石窟与寺院的造像装饰： 选取北魏、唐代、宋代的代表性石窟（如云冈、龙门、敦煌）的壁画边框、佛座、塔身装饰，分析佛教题材如何被本土化、装饰化，并与世俗审美相结合的过程。 3. 楹柱与础石的纹样： 研究柱础（特别是宋代斗栱出檐结构简化后的柱础造型）和檐柱上的线刻、浮雕，如何从早期的兽面、缠枝纹，演变为后期更程式化的花卉与几何图案。 第四部分：釉与土——屋面与墙体的色彩哲学（约140页） 专注于无机材料在建筑装饰中的应用。 1. 琉璃的等级与光泽： 详细剖析不同时期、不同产地（如南京、佛山）的琉璃烧制技术。探讨明清两代，特别是紫禁城中，琉璃瓦在色彩饱和度、光泽反射率上所体现的森严等级制度。 2. 青砖的灰调美学： 探讨中国传统建筑中对“素色”的推崇。分析青砖在不同气候下的氧化和苔藓附着，如何自然生成一种沉静、内敛的“灰调美学”，与周围环境融为一体。 3. 壁画与泥塑的保护与技法： 考察南方建筑（如潮汕、福建）中，墙体外部的石膏堆塑与色彩泥塑技术，及其在应对潮湿气候时的独特艺术表现。 第五部分：室内与陈设——生活化的装饰艺术（约130页） 将视野由外立面转向内部空间，探讨装饰如何服务于日常起居与礼仪活动。 1. 陈设家具的“嵌入式”装饰： 分析屏风、炕桌、罗汉床等家具如何被视为固定空间的一部分，其雕刻主题（如“福禄寿喜”）与建筑整体风格的呼应关系。 2. 家具五金的工艺美： 对铜锁、錾件、门环等金属构件进行细致的图解和分类，展示其铸造和錾刻工艺，及其在区分建筑功能（如库房与书房）中的作用。 3. 园林假山与室内外渗透： 探讨园林装饰（漏窗、太湖石、碑刻）如何通过对景、借景的手法，打破室内外空间的界限，实现“虽由人作，宛自天开”的境界。 第六部分：地域的变奏与文化的交融（约80页） 本部分进行跨区域的比较研究，突显中国建筑装饰的多元性。 1. 北方草原与中原的碰撞： 分析唐宋时期，受西域和北方游牧民族影响而引入的装饰母题（如忍冬纹、宝相花在特定地域的变形）。 2. 江南文人园林的“留白”哲学： 对比北方宫殿的“满雕”与江南私家园林的“虚实相生”，探讨文人审美对装饰繁简度的选择。 3. 海外影响下的晚期装饰： 考察清代晚期，西方装饰元素（如洛可可的曲线、欧式柱式）如何在通商口岸的洋行建筑、以及地方官署的局部装饰中被吸收和本土化改造。 --- 本书的独特性与价值 《图说东方神韵》的编纂，彻底摒弃了传统图谱的简单罗列，强调“结构-符号-语境”三位一体的研究方法： 1. 极高的图文配比与细节呈现： 本书收录了数千张高清制图和现场照片，许多珍稀建筑的局部细节，如隐藏于屋檐下的吻兽底座、罕见的木构件榫卯细节，均是首次以如此精细的比例呈现。 2. 跨学科的视野整合： 融合了建筑史学、宗教学、材料科学与民间工艺学，使读者不仅“看到”了装饰，更能“理解”其背后的社会逻辑和技术制约。 3. 侧重于“工匠的语言”： 本书花费大量篇幅解析工匠手册、地方志中关于“定式”和“规制”的记载，帮助读者重建古代工匠群体在面对标准化需求与个性化表达之间的平衡艺术。 本书旨在成为建筑学者、历史研究者、室内设计师，以及所有热爱中华传统文化人士的必备参考工具书和深度阅读材料。它不是对既有成就的简单复述，而是对沉默于砖石与木材间的东方智慧进行一次全面而深入的“解码”。

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我是一个对传统手工艺，尤其是刺绣和织锦特别痴迷的人，因此当我翻开《丝绸之路上的纹样》这本书时，几乎是带着朝圣的心情。这本书的选材角度非常独特，它没有过多地纠缠于单一的地域风格，而是以“贸易路线”为轴线，展示了纹饰是如何在不同文明间流动、融合、变异的过程。最让我拍案叫绝的是它对“饕餮纹”在丝绸上的演变那一节。从早期的威严古朴，到后来被波斯风格柔化，再到最后融入唐代仕女画中的写意表达，这本书通过不同时期、不同载体的实物图片，清晰地展示了文化交流的生命力。而且，书中的很多图片都是高清的微距摄影，你能清楚地看到丝线是如何交织成图案的，那些细微的起针落针、色彩的渐变，都仿佛触手可及。作者的叙述文笔极富画面感，读起来完全没有枯燥的学术腔调，更像是听一位经验丰富的老匠人，在讲述他走过的每一条古道上的奇闻异宝。对于想深入了解纹样背后“流动历史”的人来说，这本书是必读的经典。

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我最近淘到了一本非常不错的旧书，书名叫《东方花纹集锦》，虽然书名听起来有点传统，但内容绝对是宝藏。这本书的装帧很有年代感，纸张泛黄，摸上去有一种沉甸甸的历史厚重感。我主要对里面关于宋代瓷器纹饰的部分特别感兴趣。那些青花、釉里红的图案，简直是艺术的结晶。特别是对那些莲纹、卷草纹的细致描摹，配上简短但精准的文字说明，让人立刻就能体会到古人对手工艺术的极致追求。这本书的排版布局非常讲究，留白恰到好处，使得那些复杂的图案也不会显得拥挤。我花了好几个下午，对着书里的云雷纹临摹了好几遍，那种线条的流畅感和韵律感，是看照片绝对学不来的。我感觉这本书更像是一本艺术家的案头参考书，而不是简单的图集，它引导着你去看纹饰背后的文化意涵。光是研究里面对不同时期建筑檐角装饰的对比分析，就足够让我沉醉其中，简直是打开了一扇通往古代审美的大门。这本书的价值，在于它提供了那种“可触摸”的、深入骨髓的视觉体验和研究深度。

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说实话，拿到这本《亚洲装饰艺术精选》的时候，我还有点犹豫，因为封面设计看起来非常朴素，有点像大学图书馆里的参考资料。但翻开内页后，我彻底被里面的版式设计和图例的丰富性给震撼了。这本书的厉害之处在于它的跨文化视野。它不仅仅局限于我们通常理解的“中国风”，而是将中亚、南亚乃至东亚的各种装饰母题进行了系统性的梳理和对比。比如，关于“几何镶嵌”这一章，作者用极其清晰的逻辑，从伊朗的马赛克艺术讲到日本的组子窗格，中间穿插着大量的实物照片和精确的几何分解图。这些分解图的绘制精度极高，即便是最复杂的万花图案，也能被拆解成最基础的几何元素，这对任何想学习平面构成或图案设计的同行来说，都是无价之宝。我特别喜欢它对色彩运用的分析，它不只是简单地罗列颜色，而是深入探讨了特定文化中，某些颜色所代表的象征意义，比如藏区宗教艺术中朱红和土黄的搭配哲学。这本书的学术严谨性和资料的广度，完全超出了我的预期，绝对是案头常备的工具书。

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说实话，我买《古代建筑装饰语汇》纯粹是出于好奇，因为我对建筑学的了解仅停留在表面。这本书的风格与我预想的大相径庭，它不是那种厚重的图录，而更像是一本“视觉字典”。它的核心在于对每一个装饰构件——无论是斗拱上的雀替，还是门楣上的棂花——都给予了精确的命名、清晰的剖面图和不同朝代的细微差异对比。我尤其欣赏作者构建的那个复杂的索引系统，你只要记住某个部件的局部特征，就能迅速定位到它的全貌和文化背景。比如，书中对“垂兽”和“戗兽”的区分，图示非常直观，解释了它们在屋脊上的功能性差异，这让我对中国传统木构架的精妙设计有了全新的认识。这本书的文字非常精炼，每一个句子都像是在给一个复杂的结构做减法，直击本质。读完之后，走在老城区，我不再是走马观花，而是能准确地读出那些砖瓦上刻画的“语言”——原来那团火焰纹代表着驱邪，那个蝙蝠纹寄托着福气。它真正做到了将晦涩的专业知识，转化为人人可懂的视觉符号学。

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我一直认为，好的设计源于对传统的敬畏和理解，而这本《工艺美术：材质与意象》恰恰提供了一把钥匙。这本书的视角非常独特，它不单独讨论“图案”，而是将图案置于其所依附的“材质”之中进行考察。比如，书中有一章专门探讨了玉石、竹木、漆器这三种材质如何塑造了不同的纹饰风格。玉石的温润，使得那些山水纹路必须是含蓄、内敛的，线条不能过于锐利；而漆器，由于其厚重和光泽感，则更适合表现磅礴、对比强烈的神兽图案。作者的分析非常深入，他甚至探讨了不同材料的开采地和加工难度，如何反过来影响了纹饰的复杂度与普及程度。这种从物质基础到精神表达的层层递进的分析方法，让我对传统工艺的理解提升到了一个哲学的高度。这本书的排版也极具匠心，大量使用了实物纹理的特写照片，让你能感受到木材的年轮、漆面的流动感，这远比平面的线条图更有说服力。对于希望将传统元素融入现代创作的设计师来说，这本书提供了关于“语境”和“肌理”的最深刻教诲。

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在博物馆描不来的纹样 这次可以躺在床上看个够了. 套印不齐 扣一颗星.

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