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出版者:

作者:杨松

出品人:

页数:38

译者:

出版时间:2008-3

价格:12.80元

装帧:

isbn号码:9787538533415

丛书系列:

图书标签:

• 唐诗
• 诗歌
• 古典诗词
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• 诵读

《山河壮丽：中国山水画的千年流变》 一部深入探索中国山水画艺术精神与演变历程的恢宏巨著。 引言：气韵生动，物我合一 中国山水画，不独是描摹自然景物的技艺，更是哲思、性情与宇宙观的物化体现。自魏晋肇始，历经唐宋的辉煌定型，至元明清的不断革新，乃至近现代的融汇中西，山水画始终是中国文人士大夫精神世界的载体。它不求形似，而求神似，追求“气韵生动”，达到“物我两忘”的境界。本书旨在系统梳理这条绵延千年的艺术长河，从其哲学根源、技法嬗变、流派纷争，乃至其在特定历史时期的社会文化功能，进行一次全景式的、深入细致的考察与阐释。 第一编：源起与奠基——魏晋至唐代：从“可行”到“可望” 本编追溯山水画的萌芽。在先秦两汉，山水元素已在青铜器、漆器与墓室壁画中出现，多作为背景或象征符号。真正的独立转向，发生在魏晋南北朝。 第一章：道家精神的介入与山水画的“独立” 形神论与虚静观： 探讨玄学对早期山水画观念的影响。顾恺之的“传神写照”原则如何被引申至对自然万象的捕捉？ 宗炳与《画山水序》： 深入剖析宗炳“卧游”思想的革命性意义。山水不再是游览的场所，而是被内化为可供精神栖居的“胸中丘壑”。 “南北两派”的雏形： 初步辨析王微与陆探微在风格上的分野，为日后荆浩、关仝的北方雄浑奠定基础。 第二章：盛唐气象与山水画的成熟 唐代是中国古典艺术的巅峰期，山水画也随之展现出大气磅礴的时代精神。 李思训与李昭道（青绿山水）： 详述金碧山水技法的特点——重彩、界画式的精密勾勒，以及它在宫廷审美中的地位。分析其如何体现盛唐的富丽与秩序感。 吴道子与水墨的先声： 尽管吴道子以画人物著称，但其“吴带当风”的笔法和对水墨晕染的探索，对后世水墨山水的发展具有不可磨灭的启示作用。 第二编：高峰与定型——五代至两宋：审美主导与“格律”的建立 宋代是山水画技法、理论体系、以及审美标准定型的黄金时代。文人画思潮开始涌动，但院体画依然保持着极高的专业水准。 第三章：五代十国的“南雄北秀” 荆浩、关仝、李成： 重点分析北方山水画如何继承唐代雄浑之风，并赋予其更强的体积感和结构力量。深入解析“斧劈皴”与“披麻皴”的地域性与表现力差异。 董源与巨然（江南温润）： 考察江南山水的特点，如“平远”构图的成熟，以及“苔点”的运用，标志着文人写意精神的初步渗透。 第四章：北宋的巨碑式山水与审美变迁 北宋的山水画达到了结构复杂性和意境深远的巅峰。 范宽的“近观险绝，远观浑厚”： 深入剖析《溪山行旅图》的章法结构，探讨其如何通过密集的笔触营造出崇高的“山性”。 郭熙的“可游、可居、可观”： 阐释《早春图》所代表的“寓理于景”的哲学高度。分析郭熙对“论画”理论的贡献，特别是对“卧游”概念的深化。 李唐与院体的转型： 考察北宋末期，院体画家如何开始注重笔墨自身的表现力，为南宋的“变法”埋下伏笔。 第五章：南宋院体的工致与写意探索 南渡后，审美转向内敛与精微，但同时，写意精神开始从院体中分离出来。 马远与夏圭的“边角之景”： 详尽分析“马一角、夏半边”的构图特点。探讨这种“不完备”的构图如何呼应南宋偏安一隅的时代情绪，以及对“虚实”哲学的极致运用。 禅宗对“意境”的影响： 考察禅宗思想如何通过简洁的笔墨，强调瞬间的感悟与“空”的境界，为日后文人画的纯粹化奠定基础。 第三编：文人自遣与笔墨本体——元代：水墨的革命与“家法”的建立 元代是山水画从“画科”转向“文人艺术”的决定性时期。技术层面的完美不再是唯一标准，笔墨语言本身成为表达主体精神的工具。 第六章：赵孟頫与元四家的理论基础 复古思潮与“古意”的回归： 分析赵孟頫“作画贵在师古人，不贵师古迹”的论断，如何确立了元代对笔墨“笔法”的强调。 黄公望的“平淡天真”： 深入解析《富春山居图》的创作背景、笔墨语言（如“皴法之法”），以及其如何代表了元代文人画的最高理想。 倪瓒的“疏简”与“寂寞”： 考察倪瓒如何将个人清高与历史沧桑融入画面，运用“折带皴”和极简的构图，将山水画推向写意的极致。 第七章：笔墨的“技法化”与流派的形成 吴镇与“墨戏”： 探讨吴镇如何将书法笔法更直接地引入山水，强调墨色的浓淡变化与笔触的力度。 “元四家”的技法传承与分野： 总结“四家”各自在皴法、点苔和章法上的贡献，及其对明代吴门画派的深远影响。 第四编：程式化与反叛——明清：区域风格的固化与文人精神的坚守 明清两代，山水画在继承元代笔墨精神的同时，也面临着院体画复兴的冲击，以及对技法日益程式化的挑战。 第八章：明代画派的地域与风格冲突 浙派的工整写实与院体回潮： 考察戴进、吴伟等人如何试图重振南宋院体画风，但在笔墨上更显奔放，成为一种风格强悍的“江湖派”。 吴门画派的文脉绵延： 重点分析沈周、文徵明、唐寅、仇英（沈周与文徵明侧重文人笔墨，唐寅则融合院体，仇英近乎界画的工致）的异同，他们如何将元代“家法”系统化。 董其昌的“南北宗论”与理论主导： 详细阐述董其昌“南北宗论”的提出背景与核心观点（以董源为南宗正统，以李唐、马远为北宗），以及他对后世山水画审美倾向的巨大影响。 第九章：清代画坛：继承、融合与“四僧”的突围 清初，面对明亡的巨大历史转折，一部分画家以更激烈的笔墨语言表达对故国的怀念与个人的愤懑。 “四王”的集大成与“正统”确立： 分析王时敏、王鉴、王คองโก、王原祁如何以董氏理论为指导，对元明山水进行系统性整合，使山水画进入一个高度典雅但略显保守的阶段。 “四僧”的独特探索： 深入研究“四僧”（石涛、八大山人为主体）的艺术成就。重点分析石涛的“一画论”和“我自横山”的自我意识，以及八大山人如何用极简、怪诞的造型来表达形神分离的内心情感。 第五编：变革与展望——近现代山水画的转型 晚清至民国，中西文化碰撞，山水画面临着存亡的挑战。 第十章：西学东渐与山水画的“变革” “折衷派”的尝试： 考察如陆俨少、傅抱石等如何在继承传统笔墨的基础上，引入西方的焦点透视、光影处理或色彩观念，以求作品更具时代感。 现代水墨的探索： 分析现代画家如何解构传统皴法与章法，使山水画更加抽象化、纯粹化，探寻水墨在现代语境下的最大表现力。 结语：永恒的自然与变动的自我 中国山水画的魅力在于其持续的“在场性”——它既承载了儒释道的宏大叙事，也记录了历代文人个体的悲欢离合。它是一种活的哲学，而非静止的图像。本书试图揭示，在每一次技法的变革与风格的转换背后，始终是画家对“天地之道”与“自身心性”的永恒追问。通过对细节的梳理与对宏观脉络的把握，读者将能更深刻地理解，为何一块石头、一株松树，能成为承载千古风流的文化符号。 【本书特色】 1. 理论与实践并重： 不仅梳理历史脉络，更对历代核心皴法（如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴）的技法特点进行图示性分析（此处为文字描述，强调其理论深度）。 2. 哲学深度挖掘： 贯穿“气韵生动”“可行可望”“胸中丘壑”“南拳北腿”等核心美学命题的演变。 3. 宏大叙事结构： 按照时间轴和地域/流派进行清晰分层，便于读者把握中国山水画的演变逻辑，避免流于碎片化的个案介绍。

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说实话，我更倾向于那些能够提供丰富背景资料的解读性书籍，但我对这本的封面设计产生了强烈的好奇。它的主色调是一种深邃的黛青色，上面只用极简的线条勾勒出几座远山，意境悠远，丝毫没有堆砌繁复图案的俗气。这种“留白”的哲学，让我联想到中国传统水墨画的精髓，它仿佛在暗示读者，真正的意境需要自己去补全。我观察了它的侧边，切口处理得干净利落，没有出现参差不齐的现象，这在精装书中虽然是基本要求，但做得如此精细，还是值得称赞的。每次拿起它，总有一种被它散发出的沉静气质所感染，让我不自觉地放慢了动作，仿佛怕打破了它所营造的某种古朴的氛围。这本书给我的感觉是，它首先在视觉上完成了一次成功的“审美教育”，在尚未开启内容之前，就已经完成了与读者的精神对话。这种无声胜有声的表达方式，非常高级。

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这本书的装帧设计非常雅致，那种略带泛黄的纸张质感，让人一上手就有种穿越回古代书房的错觉。封面上的烫金字体，在光线下低调地闪耀着，没有丝毫的浮夸，反而透着一股沉静的书卷气。我特意找了一个安静的午后，泡上一壶清茶，翻开它，首先映入眼帘的是清晰的排版和适中的字号，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲惫。更让我惊喜的是，内页的留白处理得恰到好处，使得每一首诗歌都能“呼吸”，不至于拥挤在一起，这对于品读古典诗词来说，是极其重要的体验。随手翻到某一页，墨迹的浓淡似乎都在讲述着千年前诗人下笔时的心境。虽然我暂时还没有深入研读具体的诗句内容，但仅从这本书作为“物体”的呈现来看，它无疑是一件值得珍藏的艺术品。它不仅仅是知识的载体，更像是一扇通往古典美学的窗户，让人在接触它的那一刻，就能感受到那种精心打磨后的厚重与温度。这种对细节的执着，体现了出版方对传统文化的敬意，让人心生敬佩。

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拿到这本书时，我的第一感觉是它的重量感，那种沉甸甸的实在，绝非一般轻飘飘的平装书可比拟。我猜测，这可能得益于它所采用的纸张克重和装订工艺。我试着将它平摊在书桌上，发现它竟然能相对平整地保持打开的状态，这对于需要反复查阅或临摹的读者来说，简直是福音。要知道，很多装订不佳的书籍，稍微翻开一点，就得用手压着，极大地干扰了阅读的流畅性。这本书显然避免了这种低级的失误，它的工艺水平达到了一个相当高的水准。我注意到扉页的装帧处处理得非常平滑，没有任何毛边或胶水的痕迹，这说明在制作过程中，对手工和机械配合的要求非常严格。尽管我还没来得及深入体会它所蕴含的文学价值，但光是这种“可操作性”和“耐用性”的设计考量，就足以让我给出一个很高的评价。它给人的感觉是，这是本能陪你度过很多个日夜的伙伴，经得起反复的翻阅和摩挲。

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这本书的尺寸拿在手中非常舒适，既不像袖珍本那样显得局促，也不像某些大开本那样笨重难持。它似乎找到了一个黄金比例的平衡点，无论是单手捧读还是放在膝上看，都有一种恰到好处的贴合感。我尤其欣赏它在“目录”和“索引”部分的编排逻辑。虽然我没有细看具体的诗篇排序，但目录的层级划分清晰明了，使用了不同字号和粗细来区分主次，这极大地提升了查找效率。对于需要快速定位到特定时期或特定主题的读者，这种清晰的导航系统是阅读体验的关键。这本书给人的感觉是，设计者不仅理解了文学内容本身，更深刻理解了“读者如何使用这本书”的行为模式。这种以用户体验为核心的细节考量，让一本传统的书籍焕发出了现代设计的严谨与高效，形成了一种独特而迷人的张力。

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我习惯于在阅读时做大量的批注和标记，所以书籍的内页材质对我来说至关重要。这本书的纸张似乎有微微的纹理，墨水上去之后，不会像在光滑纸上那样容易洇开，但也不会过于粗糙而影响书写体验。我用普通的签字笔试着在空白处写下一些随笔，感受非常顺滑，而且油墨停留在了纸张的表层，没有渗透到下一页的迹象，这对于那些有收藏和记录习惯的读者来说，简直是太友好了。此外，书脊的粘合技术也值得一提，当我把书翻开到十二点钟方向（即完全摊平），书脊的连接处依然保持着弹性，没有发出令人不安的“吱嘎”声，这表明它在装订上采用了耐久性非常好的工艺，而不是那种一翻就可能散架的廉价胶装。对于一本预计会被经常使用的工具书或鉴赏集来说，这种内在的坚固性，比外在的华丽装饰更为重要。

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