童庆炳谈古典诗学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:186

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出版时间:2008-4

价格:12.00元

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isbn号码:9787810917889

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• 童庆炳
• 文学理论
• 中國古典小說|詩詞|散文|戲劇|研究著作
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《古风今韵：中国古典诗歌流变与审美范式》 内容提要： 本书以宏大的历史视野和精微的文本解读为基石，系统梳理了中国古典诗歌自先秦至清末近三千年的发展脉络与核心审美特征。全书分为七大部分，深入探讨了诗歌在不同历史阶段的社会功能、文体演变、艺术创新以及与时代精神的互动关系。重点剖析了《诗经》的史诗精神与民歌传统、楚辞的浪漫主义源头、汉魏乐府的现实关怀、建安风骨的慷慨悲凉、山水田园诗的自然哲思、唐诗的集大成与多元化格局（特别是盛唐气象、中晚唐的感伤之美），以及宋词、元曲在音乐化、抒情性方面的重大突破。本书尤其关注诗歌形式（如格律、对仗、意象）的生成与定型过程，力求揭示中国古典诗学如何构建起一套独特的、跨越时空的审美体系。 第一部分：诗歌的源头与奠基：先秦的“诗”与“乐” 本部分聚焦于中国诗歌的滥觞期，重点考察《诗经》与《楚辞》的双重源头。《诗经》部分，我们不再停留在简单的篇目分类，而是深入挖掘其“风”“雅”“颂”的功能差异，探讨周代礼乐制度下诗歌作为社会政治文献与道德教化的载体作用。分析“赋、比、兴”的表现手法，如何奠定了中国叙事诗和抒情诗的底层结构。特别论述了“国风”中质朴、强健的民间情感表达，如何成为后世写实主义传统的精神底色。 《楚辞》部分则侧重于地域文化（楚文化）的独特影响，解析屈原如何以“香草美人”的象征体系，构建了一个充满神话色彩和个人悲剧意识的浪漫主义世界。探讨其句法结构（如“兮”字的使用），对后世辞赋乃至唐传奇的影响，视其为中国文学史上第一次大规模的个体主体意识的觉醒。 第二部分：汉魏风骨：乐府的继承与文人诗的勃兴 本章阐述了汉代乐府体制的存续与衰变，及其与五言诗的结合过程。重点分析了汉乐府叙事诗对民间疾苦的深刻记录，以及“感物伤怀”主题的初步确立。 第三部分则聚焦于建安时代的“风骨”精神。曹氏父子与“建安七子”如何面对东汉末年的社会崩坏，形成了以慷慨、悲凉、沉郁为基调的文人诗风。分析了他们如何自觉地将汉赋的铺陈与乐府的直白相结合，初步形成了成熟的文人抒情模式，标志着古典诗歌审美重心开始转向对生命短暂与历史无常的个体体悟。 第三部分：魏晋风度：玄学思潮下的诗歌转向 本部分探讨了玄学（特别是老庄思想）对诗歌内容与形式的渗透。重点剖析了“竹林七贤”的诗歌如何反映出士人阶层对政治的疏离感和对个体精神自由的追求。陶渊明作为关键的转折点，其田园诗不再仅仅是描摹田园风光，而是融入了深刻的哲学思考和对归隐生活伦理的坚守。分析“采菊东篱下，悠然见南山”背后，是如何建立起一种内敛、平和、与自然和谐共处的审美范式，这与前代“慷慨”的基调形成了鲜明对比。 第四部分：盛唐气象：多元文化熔炉中的格律成熟 本章是全书的重心之一，旨在阐释唐诗何以达到中国诗歌的巅峰。我们将盛唐的繁荣归因于开放的社会环境、完善的科举制度以及佛教、道教的深度影响。 首先，详述近体诗（格律诗）的最终定型及其对诗歌表现力的约束与提升。格律的“法度”如何反过来激发了诗人超越“法度”的艺术创造力。其次，通过李白（浪漫主义的极致）、杜甫（现实主义的典范）和王维、孟浩然（山水田园的意境营造），解析盛唐美学的三个维度：豪迈的“力”、沉郁的“情”、空灵的“境”。探讨王维诗歌中“诗中有画，画中有诗”的视觉化语言策略。 第五部分：中晚唐的幽微与沉思：感伤情调的深化 本部分探讨唐诗在“由盛转衰”背景下的美学转向。李商隐与杜牧的诗歌，展现了对“无常”主题更精微的把握。李商隐的诗歌，以其典故的繁复、意象的隐晦和情感的迷离，开创了唯美、感伤的诗风，标志着诗歌开始向更深层的内心体验探索，注重“言不尽意”的艺术张力。探讨晚唐诗歌对形式的雕琢与对个人际遇的聚焦，预示了宋词的抒情转向。 第六部分：宋代的突破：词体的兴盛与“意象的碎片化” 本章分析了宋代文学重心从诗向词的转移，以及“理学”对诗歌意境的影响。宋词的兴盛，得益于其音乐载体的特性，使得情感表达更为自由、口语化和细腻入微。重点分析了婉约派（柳永、李清照）对闺阁情思与日常生活的捕捉，以及豪放派（苏轼、辛弃疾）如何将诗歌的议论性和哲理融入词的体裁中，创造出“以诗为词”的境界。同时，探讨宋诗在黄庭坚“点铁成金”理论指导下，对语言的陌生化处理，以及对日常生活细节的白描手法，如何为后世小说和散文的写实铺路。 第七部分：元明清的延续与转型：戏曲的冲击与古典诗学的收束 本部分审视元曲对古典诗歌体系的冲击，以及诗歌在明清两代的“复古”与“创新”的张力。元曲，尤其是杂剧的语言特色，如何反过来影响了后期的“拟乐府”诗歌。明代公安派对“性灵”的提倡，以及清代“格学”对格律的严苛要求，构成了古典诗学发展的最后阶段。本书总结了近三千年来，中国古典诗歌在“写实—写意—写心”之间的往复循环，勾勒出其最终定型并沉淀为一套成熟的“诗学”传统的全景图。 本书特色： 1. 结构宏大，脉络清晰： 贯穿先秦至清末，不遗漏任何关键节点，展现出古典诗歌发展演变的内在逻辑。 2. 强调“审美范式”的建立： 聚焦于不同时代诗歌如何确立和挑战既有的审美标准（如风骨、气象、意境、格律）。 3. 文本精读结合时代背景： 避免空泛的理论阐述，通过对关键篇章的细致分析，揭示特定历史时期下诗人的心路历程。 4. 注重“体裁互动”： 考察诗、词、歌、赋之间相互影响和借鉴的复杂关系，而非孤立看待某一文体。 本书旨在为古典诗歌研究者、文学爱好者以及对中国传统文化有浓厚兴趣的读者，提供一本既有学术深度又具可读性的综述性著作，展现中国古典诗歌穿越时空，永恒的艺术魅力。

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这本书的论证过程极具思辨性，作者在展开自己的观点时，并不急于给出定论，而是巧妙地设置了一系列的“思想陷阱”和“反向质疑”，引导读者自己去推敲和辨析。我体会到，这不像是一份单向度的知识灌输，更像是一场与作者的智力交锋。尤其是在他探讨“音韵的审美功能”时，他先是回顾了声韵学的基础知识，然后立刻转入对特定朝代诗人对平仄的“自觉偏离”现象的考察，并提出了一个大胆的假设：某些看似“失误”的音韵处理，恰恰是诗人为了突出某种特定情绪张力而进行的有意为之的“破坏”。这种质疑传统的勇气和能力，使得全书充满了活力，也迫使我不得不审视自己以往基于经验积累的那些看似坚不可摧的诗歌认知，读完一个章节，常常需要合上书本，在房间里踱步思考许久。

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这本书的引文和注释系统做得非常扎实和审慎，这是衡量一部严肃学术著作功力的重要标准。我注意到，作者在引用前人评语或古籍原文时，不仅给出了清晰的出处，更重要的是，他常常在脚注中对引文的语境做出简要的补充说明，或者对某些关键的古义进行现代语境下的考订。这种严谨的态度，极大地减少了读者在查阅原典时的不便，也体现了作者深厚的文献功底。特别是当涉及宋代理学对诗歌影响的讨论时，那些对朱熹、陆九渊相关文本的精准引用和对比，让人感到作者对于跨学科知识的整合能力达到了一个很高的水平，绝非一般泛泛而谈的学人所能企及，这种细致入微的文献处理，是保障其理论推导可靠性的基石。

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最让我感到意外和惊喜的是，这本书在讨论一些晦涩的理论概念时，所使用的类比和譬喻极其生动和贴切，使得阅读体验远超一般的理论读物。例如，在解释“诗体流变中的形式制约与个体解放”时，作者竟然用到了古代匠人在雕刻玉器时，如何在遵循玉石天然纹理的前提下，展现出极致的匠心独运，这种跨界的比喻瞬间将抽象的文学史问题具象化了。这种“雅俗共赏”的表达能力，使得即便是对古典诗学不太熟悉的读者，也能大致把握住作者试图传达的核心思想，而不至于在术语的迷雾中迷失方向。这种平衡——既保持了学术的深度和专业性，又兼顾了可读性和启发性——是很多学者努力追求却难以企及的境界，这本书在这方面无疑是做到了极致。

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这部书的装帧设计实在令人眼前一亮，那种沉稳的色调和字体选择，一下子就让人感觉这不是一本轻松的读物，而是对古典诗学一次严肃的、深入的探究。我特别喜欢扉页上那几行小字引用的古代文献，那种精妙的排版仿佛将我们拉回到了宋元时期的刻本之中。拿起书本的触感也非常好，纸张的纹理带着一种恰到好处的韧性，翻阅起来毫不费力，能让人沉浸其中而不觉烦躁。作者在章节标题的设计上也颇具匠心，既有直抒胸臆的断语，也有引人遐思的疑问句，这种布局上的对比，让原本可能显得枯燥的理论探讨，在视觉和阅读体验上都增添了许多层次感。比如，第一部分关于“格律的生成与变异”的几个小节标题，那种紧凑和疏朗的穿插，很能引导读者的思路从宏观概念平稳过渡到微观分析，让人在进入正文之前就已经对全书的脉络有了大致的轮廓，这是许多学术著作在设计上容易忽略的细节，但这本书显然在这方面下了不少功夫。

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初读之下，最令我感到震撼的是作者对于“意境”这一核心概念的解构方式，它不像许多传统论著那样将意境视为一个不可捉摸的、玄妙的哲学范畴，而是将其还原为一系列可分析、可触摸的语言结构和修辞手法。作者似乎运用了一种近乎于科学分析的严谨态度，去剖析那些历代文人墨客口中“可意会不可言传”的境界是如何通过具体的语词运动和句法结构达成的。我记得有一章专门讨论了“情景交融”的几种典型模型，列举了唐代不同流派诗人在处理类似题材时，如何通过对名词的动词化处理或形容词的虚拟化运用，来达成情感的投射。这种细致入微的文本剖析，极大地拓宽了我对传统诗歌鉴赏的视野，让我意识到，审美体验的背后，绝非仅仅是心血来潮，而是有其深厚的、可循的文体逻辑支撑的。

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王先霈老师的十五讲还没读完，这本倒是提前一步。事实证明，不做笔记读书就是快，但不幸我已经是读了就忘的年纪了。

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