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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Bonnie C. Wade

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2003-09-18

价格:USD 27.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780195136647

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• ethnomusicology
• 音乐思维
• 音乐理论
• 音乐分析
• 听觉训练
• 音乐认知
• 音乐哲学
• 音乐教育
• 音乐心理学
• 音乐欣赏
• 作曲

《思考音乐》并非一本关于音乐理论的入门教材，也不是对某位作曲家或音乐流派的学术剖析。相反，它是一次深入探索人类思维与音乐之间千丝万缕联系的旅程，一次对“音乐性”这一模糊而又至关重要的概念进行细致解构的尝试。本书并非旨在教授你如何演奏乐器，或是如何辨别和声的复杂性，而是邀请你审视音乐如何塑造我们的感知，如何触及我们情感的深处，以及它在我们构建现实世界和理解自我的过程中扮演了怎样的角色。 本书的开端，并非直接抛出乐理公式，而是从一个更为普遍的视角切入：人类如何“思考”？我们如何理解和处理信息？我们的意识是如何运作的？作者认为，音乐，作为一种非语言的、高度抽象的交流方式，为我们理解这些更深层次的认知机制提供了一个独特的窗口。它挑战了我们对“思考”的传统定义，暗示着思维远不止于逻辑推理和符号操作，更包含着情感的共鸣、模式的识别、以及对时间流逝的感知。 随后，本书将注意力转向音乐本身的特性，但并非从技术层面着手。它关注的是音乐的“感受性”——那种即便我们无法用语言来准确描述，却能深刻体验到的东西。作者通过一系列引人入胜的案例分析，探讨了不同音乐元素（如旋律的起伏、节奏的脉动、和声的色彩）如何独立或协同作用，引发我们的情绪反应。这并非简单地将某些音符与快乐或悲伤划等号，而是深入挖掘音乐如何利用其内在的动态和张力，模仿我们生活中情感的起伏，从而在我们内心激起共鸣。书中会涉及诸如“期望与满足”、“紧张与释放”等概念，并解释音乐是如何通过构建和打破模式来操纵这些心理过程的。 《思考音乐》还会深入探讨音乐与记忆之间的关系。我们为何会因为一段旋律而唤起遥远的记忆？音乐是如何成为我们个人史和集体记忆的载体？作者将从神经科学和心理学的角度，审视音乐如何在大脑中留下深刻的印记，以及它如何与我们的情感和身份认同紧密相连。本书会探讨“背景音乐”对我们认知的影响，以及在特定情境下，音乐如何增强或改变我们的体验。例如，在回忆童年时光时，一段熟悉的旋律可能会瞬间将我们带回那个年代，激活那些尘封的情感和画面。 此外，本书还将目光投向音乐的社会性维度。音乐并非仅仅是个人层面的体验，它也是一种强大的社会粘合剂。从宗教仪式到政治集会，从家庭聚会到国家庆典，音乐在凝聚群体、传递价值观、塑造集体身份方面扮演着至关重要的角色。作者会探讨音乐如何成为一种无声的语言，在不同文化和群体之间建立联系，或者有时，也成为区分和对抗的标记。书中会涉及音乐在文化传承中的作用，以及不同社会群体如何通过音乐来表达和维护他们的身份认同。 一个重要的论点在于，音乐的“理解”并非仅仅是智力上的解析，而是一种更为整体性的、体验式的认知过程。作者会质疑那种将音乐简化为数学比例或物理声波的观点，并强调音乐的意义往往在于其语境、其演奏方式，以及听者自身的经历和期待。书中会鼓励读者培养一种“音乐性”的聆听习惯，不仅仅是 passively 接收声音，而是 actively engaging with the music，去感受其内在的逻辑，去体会其情感的流动，去发现其与自身内在世界的连接。 本书还会触及音乐与身体的互动。音乐如何影响我们的生理节律？舞蹈与音乐为何如此紧密相连？作者将探索音乐如何激活我们的运动神经系统，如何影响我们的心率和呼吸，以及它如何通过身体的共振来产生深刻的影响。这不仅仅是关于音乐能让你跟着节奏点头晃脑，而是关于音乐如何能够触及我们身体的最深层感受。 贯穿全书的是一个核心观点：音乐是一种“思考”的特殊形式，一种能够绕过语言的障碍，直接与我们的意识和情感进行沟通的媒介。它提供了一种不同于逻辑推理的理解世界的方式，一种更加直观、更加感性的理解方式。本书并非提供一套僵化的“方法”，而是启发读者去探索和发展自己的“音乐性”思维，去更深刻地理解音乐，也更深刻地理解自己。 在探讨音乐与创造力的关系时，本书将挑战“天赋”的神话，而更侧重于音乐创作过程中的思维策略。作者会审视作曲家是如何从混沌中创造秩序，如何运用想象力来构建新的声音世界。这并非是教授创作技巧，而是揭示创作背后的思考模式，如何进行素材的组织、形式的构建、以及如何将内心的情感转化为可听的音乐。 《思考音乐》并非一部沉闷的学术著作，它充满了对音乐的热情和对人类思维的好奇。作者试图用一种平易近人、富有洞察力的方式，带领读者踏上一段意想不到的思维冒险。它会让你重新审视你所熟悉的音乐，也会让你以一种全新的视角去理解你与音乐之间的关系。这本书的目的，是让你在聆听音乐时，不仅仅是听到声音，更是“思考”声音，感受声音，并且最终，通过声音来理解更广阔的世界和更深邃的自我。 本书的结尾，并非提供一个明确的“答案”，而是鼓励读者继续探索。它希望读者在读完这本书后，能够带着一种更新的觉知去聆听，去感受，去思考。音乐的魅力，恰恰在于它的开放性和多义性，而本书正是为了开启这种开放性的探索，让音乐成为你理解世界和理解自己的重要向导。它是一次邀请，邀请你深入音乐的内在世界，也深入你自己的思想深处。

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这本书最成功的地方，我认为在于它成功地架设了一座桥梁，连接了“听觉的纯粹愉悦”与“智力上的深度剖析”。很多关于音乐的著作，要么是过于感性的抒情散文，让人沉醉却学不到实质；要么是过于冰冷的学术论文，让人望而却步。而这本书巧妙地找到了中间地带。作者在分析了复杂的对位法原理之后，并不会戛然而止，而是立刻转而探讨这种结构如何在听众的潜意识中创造出一种秩序感和安慰感。他似乎在不断地提醒我们：音乐的魔力不仅在于它能让我们感动，更在于它背后隐藏着一套精妙绝伦的数学和情感设计。我尤其喜欢其中一个比喻，将赋格比作一场精密的建筑设计，每一个声部都是承重结构的一部分，缺一不可，共同支撑起宏伟的听觉殿堂。读完这本书，我感觉自己对“美”的理解都得到了拓展，不再局限于视觉艺术，而是开始以一种更动态、更流动的视角去看待这个世界上的和谐与冲突。这不仅仅是一本关于音乐的书，它更像是一本关于人类心智如何处理复杂信息和创造意义的深度探讨。

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这本书最让我感到震撼的，是它如何处理“沉默”这个概念。在通常的音乐讨论中，声音总是主角，但这本书却花了大量篇幅去探讨休止符、空气的振动、以及录音中的环境噪音如何共同构成了听觉景观。作者用一种近乎诗意的语言描述了在空旷的音乐厅中，观众的呼吸声和地板的轻微吱嘎声如何成为作品不可或缺的一部分。这颠覆了我以往对“音乐是组织起来的声音”这个定义的理解。它让我开始重新审视我听过的每一张唱片，不再只关注旋律和演奏者的技巧，而是去留意那些被刻意留下来的“空白”。这种对“非声音”的关注，让整本书的格局瞬间提升，不再局限于音乐学的范畴，而延伸到了存在主义和感知哲学的领域。阅读它，就像是学习用一种全新的感官去重新体验世界。我发现自己现在走在街上，都会不自觉地去分析周围环境的声场分布，这种潜移默化的影响，是任何普通音乐入门书都无法给予的。

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我必须承认，这本书的结构安排极具个人特色，以至于有些时候让人感到费解。它似乎并不遵循传统的逻辑递进，而是像一部意识流的小说，各种主题和时间线在不同的章节中交织碰撞。比如，前一章还在深入解析德彪西的配器手法，下一章可能就跳跃到了上世纪七十年代合成器技术的突破，然后突然插入一小段关于音乐家心理健康的随笔。这种跳跃性要求读者具备极强的联想能力和耐心去自行构建内在的联系。我个人更倾向于那种清晰的、线性的论证过程，因此在阅读这本书时，我时常感到需要不断地回头查阅前面的章节来固定上下文的锚点。然而，也正是这种打破常规的结构，使得某些论点产生了意想不到的化学反应，那些看似不相干的元素在作者的笔下突然连接成了一个全新的、具有颠覆性的观点。对于追求传统学术规范的读者来说，这可能是一种挑战，但对于那些渴望在既有框架外寻找新视角的探索者而言，这无疑是一座宝藏。

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这本书的封面设计得相当引人注目，那种深邃的蓝色调配上跳跃的音符图形，立刻就给我一种沉浸式的音乐体验感。刚翻开前几页，我就被作者那种娓娓道来的叙事方式所吸引。他似乎不是在讲述枯燥的理论，而更像是在带领我们进行一次精神上的漫游，去探索声音世界的复杂肌理。特别是关于节奏感如何影响人类情感认知的章节，简直是醍醐灌顶。我一直以为节奏只是时间上的排列组合，但作者通过大量的跨学科引证，展示了它如何根植于我们的生理反应和文化习俗之中。书中探讨了从巴赫赋格到当代电子乐采样之间的内在联系，这种宏大的视角令人既敬畏又兴奋。我特别喜欢他引用那些早逝音乐家的手稿片段，那些潦草的笔迹中蕴含着创作的原始冲动，仿佛能隔着纸张感受到当时的激情与挣扎。阅读过程中，我常常需要停下来，闭上眼睛，试图在脑海中重构那些被文字激活的听觉记忆。这本书需要的不是快速浏览，而是一种沉浸式的、冥想般的状态，去真正“听”作者的文字，而不是仅仅“读”它们。它成功地将晦涩的音乐哲学转化成了一种可以触摸、可以感受的体验。

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坦白说，这本书的阅读体验是极其分裂的。一方面，我被其中关于和声演变的历史脉络深深折服，作者对十八世纪末期调性体系瓦解的分析细致入微，精确到了每一个和弦的替代功能变化，这对于我这种业余爱好者来说，简直是一本打开了新世界大门的指南。另一方面，书中后半部分涉及的一些现代作曲技法，比如概率性序列的运用和非传统音色的获取，显得过于学术化和晦涩，有些段落我不得不反复阅读三四遍才能勉强理解其核心意图。这感觉就像是走在一条铺满鹅卵石的陡峭山路上，风景绝佳，但每一步都需要极大的专注力。我尤其欣赏作者在批判既有音乐教育体系时所展现的犀利和勇气，他毫不留情地指出了学院派僵化思维对创造力的扼杀。然而，对于非专业人士来说，某些术语的密集出现，可能会让人产生一种被“排除在外”的疏离感。总的来说，它是一部需要带着笔记本和耐心才能啃下来的硬骨头，但只要咬下来，收获的知识密度是惊人的。

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