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出版者:

作者:Solis, Gabriel (EDT)/ Nettl, Bruno (EDT)

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:2009-9

价格:$ 33.90

装帧:

isbn号码:9780252076541

丛书系列:

图书标签:

• ethnomusicology
• 音乐即兴
• 即兴演奏
• 音乐理论
• 爵士乐
• 音乐教育
• 音乐表演
• 创作
• 音乐技巧
• 和声
• 节奏

《非凡的聆听：音乐即兴的思维艺术》 这是一本关于如何训练你那颗最敏锐的感官——耳朵——的书。 我们生活在一个充斥着声音的世界，但我们真正“听见”的却少之又少。音乐，作为一种高度抽象而又直击心灵的艺术形式，更是对我们聆听能力提出了最深刻的挑战。然而，当我们深入探索音乐时，我们会发现，那些最令人惊叹的音乐时刻，往往源于一种叫做“即兴”的神奇力量。即兴表演，绝非信马由缰的随意挥洒，而是一种高度集中的思维活动，是一种与瞬间对话、与他人共鸣、与自身灵魂对话的艺术。 《非凡的聆听》并非一本教授特定乐器技巧的教程，也非一本艰深晦涩的音乐理论著作。它是一次邀请，邀请你踏上一段发掘自身音乐潜能的旅程，一次关于如何让你的耳朵变得“活起来”的探索。我们将绕开那些枯燥的音阶练习和和弦进行分析，而是聚焦于那些构成即兴灵魂的核心——聆听。 为什么聆听如此重要？ 想象一下，一位画家面对空白画布，他需要“看见”画面中的色彩、线条、光影，才能将其转化为生动的图像。同样，一位音乐即兴者，最基础的工具就是他的耳朵。他需要“听见”自己正在演奏的声音，听见同伴发出的每一个音符，听见音乐的整体脉络和情感走向。这是一种多层次、动态的聆听。 自我聆听： 这是最基础也最容易被忽略的一环。你是否真正听见了自己弹奏的音高是否准确？节奏是否稳定？音色是否悦耳？你的演奏是否与你内心想要表达的情感相符？很多时候，我们沉浸在演奏的动作中，却忽略了声音本身。这本书将引导你如何将注意力从“弹奏”转移到“聆听”，让你成为自己声音最严苛也最忠实的听众。 同步聆听： 在即兴合作中，你能否捕捉到你的伙伴正在演奏的旋律、和声以及节奏？你是否能在那一瞬间做出恰当的回应，形成有机的对话？这不仅仅是简单的“听见”，更是“理解”和“反应”。我们将探讨如何训练你的耳朵去捕捉音乐中的微妙变化，如何预测音乐的走向，以及如何用你的声音去回应和丰富音乐。 宏观聆听： 音乐是一个整体，即使是即兴，也需要有清晰的结构和方向。你是否能在演奏中听见音乐的整体情绪？你是否能把握住音乐的高潮和低谷？你是否能意识到你的演奏是否在为整体的音乐性服务？这本书将教你如何从微观的音符跳跃到宏观的音乐叙事，让你在即兴中也能构建出引人入胜的音乐篇章。 《非凡的聆听》将带你进行的深度探索： 第一部分：重塑你的耳朵——基础聆听训练 从“知道”到“听见”： 我们将挑战你对声音的固有认知。你认为你“知道”C大调是什么声音，但你真的“听见”了吗？我们将通过一系列简单却极富启发性的练习，让你重新认识音高、音程、和弦在听觉上的具体感受。 节奏的脉搏： 节奏是音乐的骨架。很多即兴的失败源于节奏的不稳定。我们将深入挖掘身体的律动，让你成为一个天生的节奏大师，无论是在独奏还是合奏中，都能保持坚实的节奏基础。 音色的魔法： 声音的质感，也就是音色，往往是决定音乐情感的关键。我们将引导你辨识和体验不同的音色，并思考如何在即兴中利用音色来表达更丰富的层次。 动态的呼吸： 音乐的强弱变化，如同语言的抑扬顿挫，是情感的载体。你将学会如何敏感地捕捉和运用动态，让你的音乐充满生命力。 第二部分：即兴的语言——建立音乐对话 旋律的河流： 旋律是即兴中最直接的表达方式。我们将探索如何在你脑海中“听见”旋律，并将其转化为流动的音符。我们会学习如何聆听他人旋律的走向，并与其进行有趣的呼应和发展。 和声的色彩： 和声是音乐的基石，也是即兴中挑战与乐趣并存的领域。我们将通过聆听来理解和弦的连接和变化，学习如何在既有的和声框架下自由驰骋，或者如何巧妙地构建和声来支持旋律。 乐句的呼吸： 音乐由乐句组成，乐句是音乐的思想单位。我们将学习如何构建有意义的乐句，如何聆听他人的乐句并做出回应，如同一次真实的对话。 留白的力量： 沉默是音乐的重要组成部分。在即兴中，恰当的停顿和留白，往往比连续不断的音符更能触动人心。我们将探讨如何运用沉默来增强音乐的表现力。 第三部分：超越技巧——即兴的心理与精神维度 当下即是： 即兴的核心在于“当下”。过去的演奏已经过去，未来的演奏尚未到来，只有此刻的声音才是真实的。我们将探讨如何克服对错误的恐惧，如何拥抱不确定性，并全然地投入到音乐的创造过程中。 倾听内心的声音： 真正的即兴，源于内心最真实的情感和表达。我们将引导你如何连接自己的情绪，并将其转化为音乐的语言，让你的即兴充满个性和真诚。 集体智慧的闪光： 在合奏即兴中，聆听是建立默契的关键。我们将探讨如何通过聆听来理解团队的意图，如何在尊重他人的基础上贡献自己的创意，共同创造出超越个体力量的音乐。 从听众到创造者： 本书的最终目标，是让你不仅仅是一个被动的音乐接受者，而是一个主动的音乐创造者。即使你从未拿起过乐器，通过对“聆听”的深入理解，你也能在日常生活中，甚至在与他人的交流中，感受到即兴的魅力，并从中获得启发。 《非凡的聆听》是一次邀请，邀请你抛开那些关于“应该如何弹奏”的条条框框，去真正地“听”。当你的耳朵变得敏锐，当你的聆听能力得到提升，你会发现，音乐的无限可能就在你的指尖，就在你的呼吸之中。这本书，将是你通往更深层音乐理解，更自由音乐表达的钥匙。它不是教你演奏的技巧，而是教你如何“听”，从而释放你内在的音乐灵魂。

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我花了相当长的时间来消化这本书的内容，因为它行文风格非常独特，充满了文学性的修辞和跳跃性的思维。它更像是一本散文集，而非一本技术专著。我原本是冲着“Musical Improvisation”这个主题来的，希望能从中找到一些关于节奏切分、旋律构建中“不和谐音”的巧妙运用等具体技巧。然而，书中呈现的更多是一种对“自由”状态的颂扬。作者似乎极力推崇一种“放下一切规则，让心灵主导”的创作理念。这当然很鼓舞人心，但作为一名正在努力突破瓶颈的学习者，我需要的是脚踏实地的桥梁。比如，当谈到如何即兴地融入布鲁斯音阶时，书中只轻描淡写地提到了“感受蓝色的忧郁”，却完全没有提及如何将这种情绪转化为具体的音符选择和推移。它的叙述方式，让我感觉自己好像在阅读一本关于绘画意境的书，而不是一本教你如何调配颜料、如何掌握笔触的书籍。这种高屋建瓴的视角，让那些渴望即学即用的读者感到无所适从。它适合那些已经登峰造极、追求更高精神境界的演奏家去品读，对初学者或中级学习者而言，帮助有限。

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这本书的装帧质量相当不错，纸张的厚度和触感都透露出出版方的诚意，这一点在如今这个充斥着电子阅读的时代，实属难得。我购买它的初衷，是希望能在忙碌的工作之余，寻得一处精神的栖息地，通过阅读来提升自己在演奏中的“灵感捕捉能力”。我一直相信，优秀的即兴演奏绝非天马行空，它建立在扎实的乐理基础和对音乐材料的深刻理解之上。因此，我特别留意了书中关于“训练”和“练习方法”的部分。令人费解的是，书中大量篇幅被用来探讨音乐家们的精神世界和他们如何与“缪斯”沟通，大量的哲学思辨和晦涩的比喻取代了清晰的步骤指南。例如，关于“呼吸感”的描述，用了将近二十页的篇幅来阐述“聆听宇宙的律动如何转化为指尖的流动”，虽然意境优美，但对于我这种需要具体练习曲目来打磨技巧的实践派来说，这些文字的指导性几乎为零。我甚至希望它能提供一些哪怕是最基础的音阶练习，或者是一些关于特定和弦结构下的常用动机，但这些几乎没有涉及。读完后，我感觉自己像是参加了一场非常高雅的艺术沙龙，听了很多关于艺术的宏大讨论，但没有拿到任何可以带回工作室的“工具”。

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从内容上看，这本书更像是一份精心策划的音乐评论合集，而非一本教授技艺的教程。每一章都围绕着一位重要的音乐人物展开，深入挖掘了他们的艺术观和创作背景。作者的文笔极其优美，叙事流畅自然，读起来赏心悦目，仿佛在聆听一场精心编排的音乐会。我特别喜欢他对某位大师即兴片段的文字描述，那种画面感极强，让人身临其境。然而，作为一名希望提高自己现场反应速度和创造力的演奏者，我需要的是能够直接应用于我的乐器上的知识。例如，书中对和弦色彩的探讨非常感性，描述了“当Cmaj7遇到#11时世界会如何改变”，但对于如何将这种色彩变化系统化地应用到即兴旋律线条中，却寥寥数语带过。它强调了“感受”的重要性，却对“如何学习感受”避而不谈。最终，合上书本，我能感受到一种深沉的艺术氛围，但我并不能立即拿起我的乐器，自信满满地尝试书中所提及的任何一种具体的即兴技巧。它更适合作为灵感激发和艺术鉴赏的读物，而不是一本技法手册。

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这本书的排版和印刷质量无可挑剔，纸张的质感很好，阅读体验在物理层面上是愉悦的。我之所以购买它，是因为在一些专业论坛上，它被推荐为“深度探索即兴音乐哲学的必读书目”。我带着对“深度”的期待，去阅读了其中关于“时间感”和“空间感”在即兴演奏中的体现那几章。作者确实展现了非凡的洞察力，他探讨了演奏者如何在瞬息万变的音乐流中构建一个“内心稳定的锚点”。但这份深度，似乎过度地沉浸在了理论和哲学的抽象层面。例如，在讨论“如何打破四四拍的束缚”时，书中反复强调的是打破“时间契约”的重要性，却忽略了解释在实际演奏中，如何巧妙地运用休止符、切分音或对齐小节线来达到这种“打破”的效果。我希望看到的是图表、是实例分析，是至少一个具体的练习范例，来展示如何从稳定的节奏感过渡到自由的时间流动。这本书提供的更多是一种“你应该这样想”的指导，而非“你应该这样做”的指南。它像一碗营养丰富的炖品，但缺少了可以支撑身体活动的碳水化合物。

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这本书的封面设计着实引人注目，那种带着些许复古气息的字体排版，配合着深邃的靛蓝色调，立刻抓住了我的眼球。我是一个对音乐理论有着根深蒂固兴趣的人，尤其钟情于那些在演奏现场迸发出的即兴火花。拿到手后，我迫不及待地翻阅了目录，期待着能从中找到一些关于和声进行、调式转换的系统性梳理，或是关于如何打破既有框架进行创作的秘籍。然而，这本书似乎更偏向于某种特定流派的传记集锦，重点落在了对某些已故大师职业生涯高光的描绘上，而不是如何构建我们自己的即兴语言。比如，其中有一章详细剖析了某位爵士钢琴家在某个特定夜晚的演出曲目选择和情感表达，笔墨之细腻令人叹为观止，但对于像我这样希望从底层逻辑上理解“为什么”他会那样演奏的读者来说，总觉得隔了一层纱。我更希望看到的是，作者能将那些看似随性的演奏，解构还原成可以被学习和模仿的模块。当然，文笔是流畅的，叙事也是引人入胜的，但若你期待的是一本实用的“如何即兴”指南，或许会略感失落。它更像是一份精美的音乐史诗，而非一本操作手册。它让我沉浸于历史的辉煌中，却没能给我带来即刻动手的冲动与工具。

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