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出版者:湖南美术出版社

作者:薄松年

出品人:

页数:209

译者:

出版时间:2008-3

价格:128.00元

装帧:平装

isbn号码:9787535626288

丛书系列:

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汉字演义：书法艺术的千年流变 内容简介 《汉字演义：书法艺术的千年流变》是一部宏大而精微的书法艺术通史，它并非聚焦于某一特定主题的艺术流派，而是以汉字本身作为历史的载体，追溯其从甲骨卜辞到当代数字字体的漫长演化轨迹。本书旨在深入剖析汉字形态变化背后的文化、哲学与社会动因，展现书法艺术如何作为中华文明最核心的视觉符号，历经数千载而不衰的生命力。 本书结构清晰，逻辑严密，分为上下两卷，共计十二章。每一章都聚焦于书法史上的关键转折点或核心流派，辅以大量精选的拓本、碑帖及墨迹高清图版进行细致的文字阐释。 上卷：形质初开与法度确立（先秦至魏晋南北朝） 上卷聚焦于汉字从萌芽到最终形成稳定书体规范的“定型”时期，揭示了书法的“实用”属性如何逐渐向“审美”属性过渡的关键阶段。 第一章：文字的曙光——殷商甲骨文与西周金文的浑厚之美 本章深入探讨汉字的初始形态，分析甲骨文的刻写特征（契刻感、直笔方折）与金文（钟鼎文）的铸刻特点（线条的厚重、圆润与结构的变化）。重点研究商周礼制对文字布局和笔法用意的早期影响，探讨卜辞的神秘性与王权的庄严感如何塑形文字的初始面貌。 第二章：书同文的伟业——秦代篆书的规范化与帝国气象 详细梳理秦始皇统一六国后推行的“书同文”政策，重点剖析李斯等人整理的“小篆”的结构特征——匀称、规范、对称。同时，本书开辟专章探讨了隶变的肇始——秦隶的实用主义特征，分析其如何打破篆书的象形意味，为后续的成熟书体奠定基础。 第三章：隶变与成熟——汉代隶书的波澜壮阔与波磔之妙 隶书被誉为“汉字的青春期”。本章详细解析了“蚕头燕尾”的隶书笔法是如何从秦隶的粗犷中提炼升华的，着重分析了汉碑（如《乙瑛碑》、《曹全碑》）中成熟隶书所展现的开张、舒展的形态美学。探讨汉代简牍的普及对隶书笔画的自由化起到的推动作用。 第四章：笔法之源——钟繇与“楷模”的诞生 本章聚焦于魏晋初期，探讨了隶书向楷书演变的关键过渡期。重点剖析了被尊为“楷书之祖”的钟繇在笔法上的革新，即如何通过提按顿挫，将隶书的扁平感转化为楷书的方正笔直，使字形趋于稳定、端正，具备了后世书法的基本骨架。 第五章：帖学之始——王羲之与书圣的时代 本书用近乎专著的篇幅解读了王羲之（及其家族）的贡献。并非简单地赞颂其“天下第一行书”的地位，而是系统分析了其书法艺术的内在逻辑：如何将魏晋风度、道家思想融入笔端，如何调和隶楷的笔意，形成洒脱、自然、妍美却不失法度的行书和楷书体系。本书将对比王羲之与钟繇，阐述“魏晋风度”如何凝结于笔法之中。 第六章：异军突起——北碑的雄强与魏碑的时代精神 与南帖（帖学，以尺牍、墨迹为主）相对，本章集中研究了北魏至隋代的碑刻书法。重点分析了北碑（如《龙门二十品》、《碑刻墓志》）所展现出的雄强、古朴、拙美的特质。探讨佛教造像题刻的艺术要求如何塑造出方峻、瘦硬、外露的笔势，以及这种粗犷风格与南朝士人书风的鲜明对比，反映了南北朝时期的文化张力。 下卷：风格演进与意境拓展（隋唐至今） 下卷着眼于书法体系的成熟与审美趣味的多元化发展，探讨了唐代尚法、宋代尚意、元明尚态的艺术脉络，直至近现代的回归与创新。 第七章：法度森严——唐代书法的“尚法”与高峰 唐代被视为中国书法艺术的“黄金时代”，以“法度”为核心追求。本章详细辨析了唐代楷书的成熟形态：欧阳询的险劲、虞世南的温润、褚遂良的秀逸、颜真卿的博大、柳公权的劲挺。本书特别强调了颜真卿“忠义精神”与“颜体”浑厚端庄的内在关联，分析了唐碑（如《九成宫碑》）在结构和笔法上对后世楷书的规范作用。 第八章：意态横生——宋代书家的“尚意”与文人趣味 唐法之后，宋代书法开始转向内在精神的表达。本章核心探讨“宋四家”（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）的艺术主张。分析苏轼如何以“丰腴”写“拙”，黄庭坚如何以“长枪大戟”写“筋骨”，米芾如何以“八面出击”写“神采”。本书阐释了宋人如何将书法视为抒发个人情怀和学识修养的直接手段。 第九章：法度回归与态势追逐——元明时期的承继与反叛 元代赵孟頫的出现，标志着对唐代法度的重新尊崇，强调“复古”与“妍美”。本章分析了赵孟頫如何以唐楷的规范结合晋人的韵味，引领元代书风。明代则展现出多元化的倾向，从文徵明的规整，到祝允明的狂放，体现了书法在“规矩”与“自我”之间的摇摆与探索。 第十章：狂狷的极致——明末清初的个性解放与“颠覆” 本书着重探讨了明末以徐渭、董其昌、张瑞图、黄道周为代表的书家，如何超越前代的藩篱。特别是对“怪杰”徐渭的草书、董其昌的“淡墨平淡”的书风进行了深入研究，分析了这一时期文人“真性情”表达的需求如何催生了更具张力和个人色彩的书体。 第十一章：碑帖之争与碑学的兴起——清代的重估与革新 清代中期，随着金石学的兴盛，对汉碑的重新发掘成为书法史上的重要事件。本章详细阐述了包世臣、吴昌硕等金石学派对“碑学”的倡导，批判了馆阁体的僵化，主张从魏碑中汲取力量，重塑笔法。重点分析了碑学对楷书和篆隶的笔法结构产生的巨大影响。 第十二章：现代的转折——从实用到观念的当代探索 本书最后探讨了近现代中国书法在社会变革中的角色转变。分析了民国时期对碑学和帖学的整合与再教育，以及新中国成立后书法作为传统艺术如何被保护和推广。更重要的是，本章将讨论当代书法家在面对西方现代艺术思潮和数字化冲击时，如何在继承传统的基础上，进行观念层面的拓展与实验，展望了未来汉字艺术的可能性。 本书特色： 贯穿始终的“笔法”分析： 摒弃单纯的风格描述，每一章节都细致解析了关键时期的核心笔法（如中锋、侧锋的运用、提按的节奏），使读者能够理解不同书体形态的内在结构逻辑。 文化语境的嵌入： 将书法艺术的发展置于相应的哲学（如儒释道）、政治（如中央集权、科举制度）和社会思潮中，阐释“笔下风流”的深层文化根源。 图文互证的严谨性： 配备大量精心挑选、经过考证的碑帖局部放大图，确保读者在阅读理论分析时，能即时对照实物细节，提高学习的直观性与准确性。 《汉字演义：书法艺术的千年流变》适合书法专业学生、艺术史研究者，以及所有对中华传统文化抱有浓厚兴趣的读者。它提供了一幅清晰、深入、富有洞察力的汉字艺术全景图。

评分☆☆☆☆☆

年画的兴衰取决于人群、政权对它的需求。很大程度上，它被视为工具，在美化生活、宣传需要时被选择，随技术进步、社会发展被淘汰。成为历史，是年画和很多传统艺术无法改变的宿命。难免唏嘘，也只能如此。 有浮世绘的感觉。 人物造型、色彩设计深得我心。 与汉唐俑类似的生动造...

评分☆☆☆☆☆

这是我完整读完的第一本关于年画的书，此前简单翻了翻汉声的戏出年画，机缘巧合，居然这本才是我的年画启蒙书。 谢谢薄老能把他当年的讲义整理出来出版成刊，为繁荣年画艺术所作出的贡献。 作为启蒙书籍，我觉得还是好的，尤其是对各地方年画的介绍，历史、特点写的很细，令...  

评分☆☆☆☆☆

年画的兴衰取决于人群、政权对它的需求。很大程度上，它被视为工具，在美化生活、宣传需要时被选择，随技术进步、社会发展被淘汰。成为历史，是年画和很多传统艺术无法改变的宿命。难免唏嘘，也只能如此。 有浮世绘的感觉。 人物造型、色彩设计深得我心。 与汉唐俑类似的生动造...

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这是我完整读完的第一本关于年画的书，此前简单翻了翻汉声的戏出年画，机缘巧合，居然这本才是我的年画启蒙书。 谢谢薄老能把他当年的讲义整理出来出版成刊，为繁荣年画艺术所作出的贡献。 作为启蒙书籍，我觉得还是好的，尤其是对各地方年画的介绍，历史、特点写的很细，令...  

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这本书的阅读体验，对我来说，更像是一次穿越时空的深度访谈录。我一直对民俗学领域抱有浓厚兴趣，但很多相关书籍往往过于侧重于民俗活动的记录，而忽略了艺术媒介本身的力量。《中国年画艺术史》则巧妙地将两者结合起来。最让我感到惊喜的是，它详尽地梳理了年画制作工艺的流变——从早期的手工描摹到雕版技术的发展，再到后期印刷术引入后的批量化生产。作者甚至花了不少篇幅去介绍不同地区使用的木材、墨汁和矿物颜料的差异，这种对“物质基础”的关注，极大地增强了文本的说服力。例如，书中描述了某一时期因特定矿物资源短缺，导致某个区域年画的红色调不得不发生微妙变化的细节，这种微观的观察，让整个艺术史变得触手可及、充满烟火气。它让我认识到，艺术品的诞生从来都不是孤立的，而是与当时的资源禀赋、技术水平和市场需求紧密耦合的产物。对于想深入了解艺术生产过程的读者来说，这本书提供了无可替代的细节支撑。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于《中国年画艺术史》这本书，说实话，最初打开它，是带着一种对传统文化“打卡式”了解的心态。然而，书中的某些章节，尤其是关于近代以来年画如何应对工业化冲击和西方美术思潮的讨论，彻底颠覆了我对它的刻板印象。作者并没有止步于颂扬古代的辉煌，而是勇敢地深入探讨了年画在近百年来的“挣扎”与“转型”。其中一段关于解放区和城市新兴年画的比较分析尤其引人深思。它不再仅仅是“福禄寿喜”的简单重复，而是开始承载起更复杂的社会叙事和政治宣传的功能。这种从“神启”到“人世”的叙事重心转移，被作者用非常犀利的文笔阐述出来，逻辑链条清晰得如同精密的手术刀。我特别欣赏作者在引用史料和艺术评论时的审慎态度，既没有将年画简单地浪漫化，也没有陷入纯粹的学术化枯燥，它在保持学术严谨性的同时，成功地保持了一种引人入胜的叙事节奏。读完后，我感觉对中国近现代的社会变迁有了一种全新的视觉解读维度。

评分☆☆☆☆☆

我向几位从事设计工作的朋友推荐了《中国年画艺术史》，发现它对不同背景的读者都有独特的吸引力。对于我个人而言，最欣赏的是书中关于“审美趣味的社会分层”的论述。作者并未将年画简单地视为“低俗”的民间艺术，而是巧妙地论证了它在宋代、明清时期，是如何在宫廷审美、士大夫审美和普通市民审美之间进行微妙的张力平衡的。它清晰地展示了，年画是如何在满足大众对直观、强烈情感表达需求的同时，又小心翼翼地嵌入了主流社会的价值观符号。这种对“高雅”与“通俗”边界模糊地带的探讨，在今天的视觉文化研究中依然具有极强的现实意义。读完此书，我不再仅仅将年画视为一种春节习俗的装饰品，而是一个观察中国社会结构、权力运作和大众心理变迁的独特“窗口”。这本书的价值，已然超越了艺术史的范畴，进入了社会文化史的深度分析层面。

评分☆☆☆☆☆

这本新近读完的书，名叫《中国年画艺术史》，简直是一场视觉与历史的盛宴。我原以为这不过是一本描绘传统民间艺术的普通画册，但事实远超我的预期。作者以极其细腻的笔触，将年画从其诞生之初的宗教祭祀功能，逐步演变为世俗生活的载体，这种演变过程的剖析，深入浅出，令人拍案叫绝。尤其让我印象深刻的是，书中对不同地域年画风格差异的论述。比如，它详细对比了杨柳青年画的细腻典雅与四川绵竹年画的粗犷豪放，并追溯了这种地域差异背后的经济基础和社会风俗的根源。这种跨学科的分析视角，让原本静态的图像立刻鲜活了起来，仿佛能听到那木版印刷时发出的“吱呀”声和颜料混合的独特气味。全书的装帧设计也十分考究，高清的彩图印刷，使得那些数百年前的艺术珍品得以近距离、无损耗地呈现在读者眼前，即便是那些色彩已经斑驳的古旧拓片，也能看出其原始的生命力。对于任何对中国民间艺术或视觉文化史感兴趣的人来说，这本书都是一份不可多得的宝藏。它不仅仅记录了“画了什么”，更重要的是解释了“为何要这样画”，以及“它在特定历史时期扮演了怎样的角色”。

评分☆☆☆☆☆

不得不提，《中国年画艺术史》在处理“符号学”意义上的解读上，达到了一个极高的水准。传统的年画研究，很多时候会陷入对“吉祥寓意”的简单罗列，但这本书显然走得更远。作者构建了一个复杂的符号体系，深入剖析了“鱼”“石榴”“胖娃娃”等核心母题是如何在不同的朝代和阶层中被“重写”和“再编码”的。比如，书中对“门神”形象变迁的分析，不仅提到了服饰的变化，更深入挖掘了其背后所反映的社会对“权威”形象构建的不断调整。这种文本的“多义性”的揭示，让原本以为已经完全理解的年画内容，瞬间焕发出新的生命力。阅读过程中，我时常需要停下来，反思自己过去对这些图像的肤浅理解。它的行文风格是那种沉稳而富有洞察力的类型，不是那种浮躁的畅销书口吻，而是真正学者对一个领域进行了多年“蹲守”后的凝练之作，让人在知识的深度和广度上都感到非常满足。

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