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出版者:Silman-James Press

作者:Eric Goldberg

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:July 15, 2008

价格:USD 35.00

装帧:paperback

isbn号码:9781879505971

丛书系列:

图书标签:

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电影特效与数字艺术：从概念到实现的深度探索 本书旨在为对数字艺术、电影特效和三维动画充满热情的读者提供一个全面、深入的学习路径。它不局限于某一特定软件或单一技术，而是将重点放在理解核心原理、掌握行业级工作流程以及培养创新的艺术思维上。我们将一同剖析现代视觉效果（VFX）和高品质动画制作的基石。 第一部分：视觉叙事与概念设计的基础 成功的动画和特效项目始于强大的概念。本部分将引导读者超越纯粹的技术操作，进入艺术与叙事的领域。 1. 视觉语言的构建： 我们将深入探讨如何运用构图、光影、色彩理论和透视法来服务于故事表达。这包括对电影摄影术的理解，例如景深、焦距选择如何影响观众的情绪感知。我们将分析经典动画和实拍电影中的视觉范例，拆解其背后的设计意图。 2. 角色与环境的概念化： 角色设计哲学： 如何通过轮廓、比例和细节传达角色的个性、背景和动机。我们将研究解剖学基础在风格化设计中的应用，以及如何进行富有表现力的面部与肢体语言设计。 世界构建与氛围设定： 探讨如何通过环境设计来建立故事的基调和规则。这包括对材质的想象、天气对场景情绪的影响，以及如何运用“视觉参考板”（Mood Boards）来高效地传达整体愿景。 3. 叙事结构与故事板（Storyboard）： 故事板是连接概念与制作的桥梁。我们将详细讲解如何有效地绘制故事板，重点在于动态的镜头语言和时间节奏的控制。这不仅仅是画出画面，更是预演整个影片的流畅性与冲击力。 第二部分：三维数字资产的创建与精炼 本部分聚焦于将二维概念转化为可用于动画制作的三维模型和纹理。 1. 高精度建模技术： 我们将探讨硬表面建模与有机体建模的区别与侧重。内容将涵盖拓扑结构（Topology）的重要性，尤其是在需要进行形变和动画处理的资产上，如何构建“干净”且高效的网格。此外，还会涉及数字雕塑（Sculpting）的工作流程，包括如何利用高模细节驱动低模的制作流程。 2. 纹理、材质与表面细节： 现代视觉效果依赖于物理真实感渲染（PBR）。我们将深入讲解PBR流程，包括漫反射（Albedo）、粗糙度（Roughness）、金属度（Metallic）以及法线贴图的精确制作。重点在于如何通过程序化纹理和手工绘制的结合，赋予数字资产以历史感、磨损痕迹和真实的物理属性。 3. 绑定（Rigging）的艺术与工程学： 绑定是赋予模型“生命”的关键步骤。本章将侧重于创建健壮且直观的控制系统。这包括骨骼的层次结构、逆向运动学（IK）与正向运动学（FK）的混合应用，以及如何设计复杂的面部绑定系统（Blend Shapes/Joints），以实现细微的情感捕捉。 第三部分：动态模拟与物理学的应用 真实世界的物理规律是视觉特效逼真度的核心。本部分将指导读者如何将这些规律融入数字创作中。 1. 布料、毛发与流体动力学： 我们将分析不同模拟系统的底层逻辑。 布料模拟： 探讨如何控制布料的重量、弹性与摩擦力，以及如何与角色动作进行有效的交互。 毛发系统： 学习如何控制数百万根毛发的生长方向、碰撞反应以及光照下的表现，重点在于优化性能与视觉效果的平衡。 流体与粒子系统： 深入研究烟雾、火焰和水的表现原理。理解拉格朗日法与欧拉法的区别，并学习如何通过调整参数来精确控制爆炸的强度或水流的粘稠度。 2. 破坏与场景解算（Destruction & Simulation Caching）： 在大型场景的特效制作中，如何高效地处理大规模的解算至关重要。我们将学习如何解构复杂的破坏场景，并高效地缓存（Baking）模拟数据，以确保动画师和灯光师能够流畅地进行后续工作。 第四部分：灯光、渲染与后期合成的整合 最终的视觉呈现效果，往往取决于对光线的掌控和后期流程的无缝衔接。 1. 电影级灯光技术： 灯光不仅仅是照亮物体。我们将剖析三点照明法（Three-Point Lighting）的变体、环境光遮蔽（AO）的原理，以及如何利用IES灯光文件来模拟真实世界的光源特性。重点讲解如何通过光线的质量（硬光与软光）来引导观众的注意力。 2. 现代渲染引擎的深层工作原理： 理解渲染器的工作机制，而非仅仅是按下渲染按钮。我们将探讨路径追踪（Path Tracing）和光线追踪（Ray Tracing）的差异，以及如何通过优化材质、场景设置和采样率来平衡渲染时间与最终画质。 3. 后期合成的艺术性整合： 合成是将所有元素（动画、特效、实拍素材）融合为一体的最后一步。本部分将强调色彩管理和景深匹配的重要性。学习如何进行精细的抠像（Keying）、运动跟踪的优化，以及如何通过视觉干扰（如镜头耀斑、胶片颗粒）来增强画面的真实感和电影感。 第五部分：流程管理与行业实践 成功的项目需要高效的团队协作和标准化的流程。 1. 资产管理与管线（Pipeline）： 我们将讨论在大型制作中，如何组织文件结构、版本控制（Version Control）以及数据流向。理解不同部门（建模、绑定、动画、渲染）之间如何高效地交接工作是行业成功的关键。 2. 性能优化与迭代： 在时间与预算的限制下，懂得何时“牺牲”细节以换取效率是专业人士的必备技能。我们将探讨如何识别渲染瓶颈，并采取策略性地降低复杂度，确保项目能够按时交付高质量的成果。 3. 个人作品集（Portfolio）的构建策略： 对于有志于进入行业的读者，本章提供实用的建议，教你如何策划和制作能最大化展示个人技能的展示作品集，并理解行业招聘人员在评估作品时真正看重的是什么。

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在阅读《Character Animation Crash Course!》之前，我一直认为“动画”是一个非常“技术化”的领域，充满了各种我无法理解的专业名词和复杂的软件操作。然而，这本书的出现，彻底颠覆了我的认知。它以一种极其“人性化”的方式，将动画制作的奥秘娓娓道来。书中最让我着迷的部分，是对“角色个性”的塑造。作者认为，每一个动画角色，都应该拥有自己独特的“性格”，而这种性格，会通过角色的每一个动作、每一个表情来体现。书中提供了大量的“性格测试”和“角色原型”的分析，帮助我理解如何将角色的性格特点，转化为具体的动画表现。例如，一个胆小怕生的角色，可能会在行走时低着头，身体微微前倾，并且经常环顾四周；而一个自信满满的角色，则会昂首挺胸，步伐坚定，并且目光炯炯。我尝试着按照书中的方法，去为我构思的一个小角色，设计一系列符合其性格的动作。这种“从内到外”的创作方式，让我觉得动画制作不再是枯燥的技术练习，而是一场充满想象力和创造力的角色扮演。

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我原本以为，《Character Animation Crash Course!》会是一本充斥着复杂术语和高深理论的书籍，但出乎意料的是，它以一种异常友好的方式，让我逐渐掌握了动画制作的精髓。书中的语言非常生动有趣，就像一位经验丰富的动画师在和我闲聊，分享他的独门秘籍。我特别喜欢它对“动画时间轴”的讲解，作者将时间轴比作一个“魔法画板”，我们可以通过在这个画板上绘制不同的“帧”，来创造出流畅的动画。它并没有直接教我如何去使用软件中的时间轴，而是先让我理解时间轴在动画叙事中的重要性，比如如何通过调整帧的疏密来控制动作的快慢，以及如何利用“暂停”来制造戏剧性的效果。书中的“周期性动作”讲解更是让我受益匪浅，无论是角色行走、奔跑，还是简单的挥手，都可以分解成一系列可重复的动作单元。通过对这些单元的组合和调整，我们可以轻松地创作出连贯的动画。我尝试着按照书中的方法，去制作一个简单的角色走路循环，并且通过调整关键帧之间的距离，来模拟不同的步速。这种“分解-重组”的学习方式，让我觉得动画制作并没有我想象中那么困难，反而充满了乐趣和创意。

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我一直觉得，动画角色之所以能够打动人心，关键在于它是否拥有“情绪”。《Character Animation Crash Course!》这本书，恰恰就把“情绪表达”放在了极其重要的位置。它并没有简单地告诉你“让角色笑”或者“让角色哭”，而是深入剖析了各种情绪背后，身体会产生怎样的细微变化。比如，书里详细讲解了如何通过眉毛的细微抬升或下压来传递惊讶、怀疑或悲伤；如何通过肩膀的放松或紧绷来表现自信或焦虑；甚至是如何通过呼吸的频率和深度来暗示角色的内心状态。我被书中对“眼神”的描绘深深吸引，作者认为，眼睛是心灵的窗户，而动画角色的眼神，更是传递情感的关键。书中提供了大量的眼神练习，从聚焦、移开，到瞳孔的放大缩小，每一个细节都经过了细致的推敲。这让我意识到，一个精心设计的眼神，足以让一个静态的角色“活”过来。此外，书中还提到了“肢体语言”的力量，如何通过角色的站姿、手势、甚至是身体的倾斜角度，来展现其性格和情绪。我从中学会了如何用更具象、更具冲击力的方式来刻画角色，让观众无需语言，就能直接感受到角色的喜怒哀乐。这本书让我明白，优秀的动画角色，不仅仅是会动，更是会“诉说”，它用身体的每一个细微之处，都在讲述一个故事，传递一份情感。

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我是一名自由职业者，一直梦想着用动画来表达自己的创意想法，但苦于没有系统的学习路径。《Character Animation Crash Course!》这本书，就像是为我量身定做的“快速通道”。它并没有让我沉迷于那些过于专业化的软件操作教程，而是着重于动画制作的核心理念和通用技巧。这对我来说至关重要，因为我可以使用任何我熟悉的软件，甚至是最基础的二维动画工具，来实践书中的方法。我特别喜欢书中关于“关键帧”的讲解，作者并没有直接教我如何去设置那些复杂的曲线，而是先让我理解“关键帧”在动画中的作用——它就像是动画的“骨架”，定义了动作的起点和终点。然后，再一步步地教我如何去填充这些“骨架”之间的“血肉”，让动作变得流畅自然。书中的“弧线运动”和“缓入缓出”的概念，让我豁然开朗，原来让动作看起来更具生命力的秘诀，就在于这些看似简单的物理规律。我尝试着按照书中的指示，去绘制几个简单的跳跃动作，对比使用和不使用“缓入缓出”的效果，差异简直是天壤之别。这本书给我最大的启发是，技术是手段，而真正的艺术在于对“运动规律”和“节奏感”的把握。它让我相信，即使是零基础，只要掌握了这些核心概念，也能创作出令人印象深刻的动画。

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不得不说，这本书在讲解复杂的动画原理时，展现出了惊人的清晰度和条理性。我之前尝试过阅读一些关于动画制作的书籍，但往往因为术语太多，或者章节之间的逻辑跳跃太大，而感到沮丧。而《Character Animation Crash Course!》则采取了一种循序渐进的方式，从最基础的“骨骼”和“权重”概念，到更复杂的“曲线编辑器”和“关键帧”技术，都进行了非常详尽的阐述。书中的图解非常精炼，寥寥几笔就能勾勒出一个角色的基本结构，并且清晰地标注出各个关节的运动方向和范围。让我印象深刻的是，它并没有止步于理论的讲解，而是通过大量的“前车之鉴”和“成功案例”，来印证这些理论的实用性。例如，它会分析一些经典动画角色的行走循环，详细拆解每一个动作的关键点，以及作者是如何通过调整曲线来达到流畅度的。这种“知其然，更知其所以然”的教学方式，让我对动画的制作流程有了更深刻的理解。我尤其欣赏它关于“反作用力”和“惯性”的讲解，这些物理学概念在动画中竟然如此重要！通过书中提供的练习，我开始尝试自己去调整角色的摆动，去感受力的传递，从而让动作更加真实可信。这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一次深入浅出的美学探索，它让我明白，每一个成功的动画片段，背后都凝聚着对细节的极致追求和对物理规律的深刻洞察。

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这本书带给我的，不仅仅是动画制作的技术指导，更是一种对“动”的深刻理解。我一直觉得，动画的本质就是“运动”，而《Character Animation Crash Course!》则将这种“运动”拆解成了一系列可观察、可学习的元素。它从最基本的“位移”和“旋转”讲起，到如何利用“弹性”和“形变”来增加角色的活力，再到如何通过“跟随动作”和“重叠动作”来模拟真实世界的物理反馈。书中的图例非常形象，每一个动作都配有清晰的分解图，让我能够清晰地看到一个物体是如何从A点运动到B点的，以及在这个过程中，它自身又发生了怎样的变化。我印象最深刻的是关于“重力”的运用，作者通过大量的案例，展示了如何在动画中模拟重力的影响，比如物体下落时的加速，或者弹跳时的形变。这让我明白了，为什么很多动画看起来不够真实，就是因为忽视了重力的作用。这本书还教我如何去观察现实世界中的运动，比如观察猫的跳跃，或者风吹动树叶的轨迹，然后将这些观察到的现象，转化为动画中的动作。这种“观察-模仿-创造”的学习过程，让我对动画的理解，从“如何画”变成了“如何让它动起来，并且看起来真实”。

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这本书给我带来的，不仅仅是知识的增长，更是一种“启发”。《Character Animation Crash Course!》就像是一扇门，打开了我对动画世界无限的可能性。《Character Animation Crash Course!》它并没有局限于某个特定的动画风格或者技术流派，而是从最根本的“运动规律”和“视觉表达”出发，让我能够灵活地运用到各种创作场景中。我特别喜欢它关于“预备动作”和“收尾动作”的讲解。作者认为，一个完整的动作，不仅仅是中间的过程，更包括动作开始前的“蓄力”和动作结束后的“余韵”。这就像是在给动作注入了“能量”和“生命力”。我尝试着去观察生活中各种动作的“起承转合”，然后将其运用到我的动画练习中。这种细致入微的观察和模仿，让我的动画动作变得更加自然、流畅，并且充满了“动感”。书中还提到了“一致性”的重要性，无论是角色的造型、动作，还是画面的风格，都应该保持统一。这让我明白了，一个优秀的动画作品，是整体的艺术，而非片段的组合。

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这本书最大的亮点之一，在于它对“叙事性”的强调。它并没有把动画制作仅仅看作是一系列技术动作的堆砌，而是将其视为一种强大的叙事工具。《Character Animation Crash Course!》在讲解动画原理的同时，始终贯穿着“如何用动画来讲故事”的理念。我被书中对“角色的动机”和“动作的目的”的深入分析所吸引。作者认为，每一个角色的动作，都应该有其内在的逻辑和外在的驱动力。例如，一个角色向前走，不仅仅是为了到达某个目的地，可能是在追赶某人，或者是在逃离危险，而不同的动机，会直接影响到他走路的姿态、速度和节奏。书中提供的案例分析，都非常贴合实际，从简单的角色互动，到复杂的场景调度，都展现了如何利用动画的语言来传递信息、塑造人物、推动情节。我尤其喜欢它对“镜头感”和“画面构图”在动画中的运用讲解，这让我明白，一个精彩的动画片段，不仅需要流畅的动作，更需要巧妙的视觉呈现。这本书让我意识到，动画的魅力，在于它能够将抽象的情感和思想，转化为具体的、可感知的视觉体验，从而在观众心中留下深刻的印象。

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这本《Character Animation Crash Course!》真是一本让我大开眼界的神奇之作！我一直对动画制作充满好奇，但总觉得门槛很高，技术术语一大堆，让人望而却步。然而，这本书的出现彻底改变了我的看法。开篇就用一种极其亲切和直观的方式，把我从一个完全的门外汉，瞬间带入了动画设计的奇妙世界。它没有上来就讲那些枯燥的理论，而是从最基础、最核心的概念入手，比如“动画的灵魂”——如何赋予角色生命力，如何通过细微的动作来传达情感。书里大量的插图和案例分析，简直就像一位经验丰富的动画大师在我耳边手把手地教学。我特别喜欢它对“时间”和“空间”在动画中的运用讲解，简直是点石成金。那些看似微不足道的停顿、加速、减速，竟然能让一个简单的角色走动变得如此生动有趣，充满了节奏感和表现力。书中的“夸张”和“借力”等技巧，更是让我醍醐灌顶，原来动画的魅力就在于它超越现实的想象力，在于如何巧妙地利用物理规则（或者打破规则）来达到最佳的视觉效果。我甚至觉得，这本书不应该只局限于想成为动画师的人，任何对创意、对故事表达感兴趣的人，都能从中获益良多。它教会我的不仅仅是技术，更是一种观察世界、理解动态美的全新视角。我迫不及待地想把书中学到的东西应用到我的一个小项目上，哪怕只是简单的几个动作，我也充满了信心和期待。这本书就像一个宝藏，每一次翻阅都能有新的发现和感悟，它的价值远超乎我想象。

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《Character Animation Crash Course!》这本书，真是一场关于“如何让静止的画面‘活’起来”的精彩冒险。它从最基础的“帧”的概念开始，一步步地引领我探索动画的奥秘。我被书中对“动感的产生”的细致剖析所吸引，作者将复杂的动画原理，拆解成了一系列易于理解的“要素”。例如，它讲解了如何通过“节奏”来控制动画的流畅度，就像音乐的节拍一样，不同的帧率会产生不同的视觉感受；如何通过“重叠动作”来模拟真实世界的物理反馈，让角色的动作看起来更加自然；以及如何通过“夸张”来增强动画的表现力，让角色的情感更加鲜明。我尤其喜欢它对“表情动画”的讲解，作者认为，角色的面部表情，是传达情感最直接、最有效的方式。书中提供了大量的面部表情图例，从细微的嘴角上扬，到大幅度的皱眉，都进行了详细的分析。这让我明白了，一个成功的动画角色，不仅仅是身体会动，更重要的是，它的脸会“说话”。这本书让我看到了动画的无限潜力，它不仅仅是一种娱乐形式，更是一种充满创意和艺术表现力的媒介。

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