Twentieth Century Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:McGraw-Hill

作者:Stuckenschmidt Hh

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1969-06

价格:USD 3.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780070622135

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 二十世纪音乐
• 现代音乐
• 音乐理论
• 作曲
• 音乐分析
• 西方音乐
• 音乐流派
• 音乐文化
• 音乐欣赏

音乐的百年回响：一部探寻二十世纪音乐面貌的深度考察 作者： [请自行填写作者姓名] 出版社： [请自行填写出版社名称] 字数： 约1500字 内容提要：跨越世纪的听觉革命 本书并非一部音乐史的流水账，而是一次对二十世纪音乐复杂性、内在张力及其社会文化根源的深入解剖。我们试图穿透纷繁复杂的流派更迭与技术革新，直抵二十世纪音乐精神的核心——那份对传统规范的彻底颠覆与对全新声音可能性的无尽探索。 二十世纪，无疑是人类历史上艺术表达最为激进和分裂的时代之一。两次世界大战、意识形态的剧烈冲突、科学技术的爆炸式发展，以及城市化进程对个体经验的重塑，都以前所未有的力度作用于作曲家。他们不再满足于为贵族或教会服务，而是试图捕捉时代的“噪音”、存在的焦虑与科技的冰冷精确。本书将此百年视为一个巨大的声学实验室，记录了从印象主义的消散到序列主义的严谨，再到电子音乐的崛起和后现代的多元回归，每一步都充满了哲学性的思辨与艺术性的决断。 第一部分：决裂与重建——从德彪西的余晖到新古典主义的回望 本书的起点并非传统意义上的“现代音乐”，而是对十九世纪浪漫主义晚期“过度饱和”状态的审视。 一、印象主义的终结与后浪漫主义的挣扎： 我们首先分析了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何通过对音色和氛围的精妙把控，模糊了传统调性的界限，为下一阶段的实验埋下了伏笔。紧接着，我们探讨了马勒（Mahler）和理查·施特劳斯（R. Strauss）的鸿篇巨制如何将调性体系推向了崩溃的边缘，其内在的心理冲突与宏大的交响形式，成为古典范式最后的辉煌挽歌。 二、巴尔干的野性与异域之声： 斯特拉文斯基（Stravinsky）的横空出世是本书第一个关键转折点。通过对《春之祭》首演事件的细致考证，我们揭示了其节奏的原始力量、多重调性的并置，如何挑战了西方音乐千年来对“美”的认知。我们深入分析了俄罗斯民族乐派对非西方音乐元素的借鉴，以及这种借用在殖民与后殖民语境下的复杂性。 三、新古典主义的理性回归： 经历了战争的混乱之后，一股“向内转”的力量出现。我们考察了以普罗科菲耶夫（Prokofiev）和保罗·兴德米特（Hindemith）为代表的新古典主义倾向。他们并非简单地复制巴洛克或古典时期的风格，而是以一种更为清醒、克制的态度，重新审视曲式结构和对位法，试图在不回归浪漫主义感伤的前提下，建立一种新的秩序感和功能性。 第二部分：激进化的十年——十二音体系与序列音乐的统治 二十世纪中叶的音乐发展，被“彻底解放”的冲动所驱动，这集中体现在第二维也纳乐派的成就上。 一、勋伯格与“十二音体系”的诞生： 本书将阿诺德·勋伯格（Schoenberg）的十二音技术视为一次严肃的“美学革命”。我们详细解析了如何通过音高的系统化组织（Tone Row），取代了调性中心，从而实现了所有音高在逻辑上的平等。我们探讨了其早期追随者——贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）——在情感表达和技术纯粹性上的不同路径。特别值得注意的是，韦伯恩对序列思想的推演，如何触及到音乐时间结构和结构性的本质。 二、序列主义的全面扩张： 二战后，对理性与控制的极端追求将十二音技术推向了“总体序列主义”（Total Serialism）。我们重点分析了布列兹（Boulez）和施托克豪森（Stockhausen）如何将序列控制扩展到节奏、力度和音色领域。这不仅仅是作曲技巧的进步，更是一种哲学立场——试图用数学的精确性来对抗战争带来的非理性与偶然性。我们讨论了这种极致的理性化在听觉体验上带来的疏离感与挑战性。 第三部分：声音的疆域扩展——电子、偶然与极简的交锋 如果说序列主义是关于“如何组织已知的音高”，那么后来的发展则是关于“什么才是可以被听见的音乐”。 一、录音室的解放：具象音乐与电子音乐的对立统一： 我们详尽考察了皮埃尔·查恩（Pierre Schaeffer）的“具体音乐”（Musique concrète）——使用现成录音材料进行剪辑、拼贴和变形——与纯粹电子合成音乐（如科隆的WDR工作室）之间的美学差异与技术互补。这种对“现成声音”的接受，彻底颠覆了传统乐器在音乐中的中心地位。 二、约翰·凯奇与偶然性的哲学： 约翰·凯奇（John Cage）无疑是二十世纪最富争议的颠覆者。我们探讨了他从东方禅宗哲学中汲取的灵感，以及对“意图”的彻底放弃。从《4分33秒》对“寂静”的重新定义，到使用《易经》进行作曲，凯奇迫使听众面对音乐的边界：当作曲家不再控制一切，声音事件本身是否即是音乐？我们将其置于后现代思想的早期发端进行考察。 三、极简主义的呼吸： 作为对前卫音乐复杂性的反动，极简主义（Minimalism）在六十年代后期兴起。我们分析了拉蒙特·扬（La Monte Young）、特里·莱利（Terry Riley）和史蒂夫·赖希（Steve Reich）如何通过重复、缓慢的相位偏移和对“过程”的强调，创造出一种近乎催眠的听觉体验。这种对时间的线性拉伸，为听众提供了一种回归感官本能的途径，标志着音乐在技术高峰后寻求一种“可进入性”。 第四部分：碎片化时代的和声——多元主义的景观 进入二十世纪末期，音乐界不再有单一的主导思潮，取而代之的是风格的并置与融合。 一、后序列主义与新浪漫主义的幽灵： 我们考察了如格拉斯（Philip Glass）和潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）等作曲家，如何将序列主义的技术精确性与宏大的情感表达、丰富的音色纹理相结合，创造出既复杂又具有直接冲击力的作品。 二、对“美”的重新界定： 最终，本书总结了二十世纪音乐留给我们的遗产：一个不再将“美”视为唯一标准的领域。从野蛮的节奏到绝对的安静，从数学的严谨到纯粹的偶然，二十世纪的音乐家以其令人不安的诚实，记录了一个技术高速发展却精神饱受煎熬的时代。他们留下的并非一成不变的风格典范，而是一种永恒的、质疑一切的创作姿态，这至今仍在影响着我们对声音的感知和理解。 本书适合所有对二十世纪艺术思潮、现代哲学以及音乐史演变感兴趣的读者，提供了一份结构清晰、论证深入的导览，以理解这一百年听觉景观的复杂性。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书所采用的“分析方法论”是我读过的所有音乐书籍中最令人困惑的一个。作者似乎对“客观分析”嗤之以鼻，转而采用了一种极其主观和个人化的解读视角。他声称，要真正理解二十世纪音乐的“内在精神”，就必须放弃所有已有的分析框架，转而使用一种类似于“通感联觉”的方法。这意味着，他会用描述某种特定颜色（比如“病态的淡紫色”）来分析一段复杂的复调音乐，或者用讨论“南方湿热气候对创作心态的影响”来解释一个三和弦的解决方式。这种浪漫化的、近乎唯美主义的描述，虽然在文学作品中或许有其地位，但在探讨技术革新和结构演变的音乐学术著作中，显得极其无力和空洞。我需要的是关于音高组织、节奏的复杂性、配器法的创新等具体细节，而不是一篇篇充满诗意却缺乏实质内容的“感觉报告”。读完之后，我不仅没有对二十世纪音乐有任何新的认识，反而对那些真正严谨的分析方法产生了暂时的抵触情绪，因为这本书成功地将严肃的探索变成了一种矫揉造作的艺术表演。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在令人费解，用那种暗沉的、几乎是黑色的背景，配上极其纤细的、有些扭曲的白色字体，一下子就把人拉进了一种阴郁的氛围里。我本来是抱着极大的期待，想看看里面会如何剖析二十世纪音乐那些激动人心的、充满实验性的篇章，比如野兽派的狂野、序列主义的严谨，或是极简主义的循环魅力。然而，当我翻开目录时，那种期待感就迅速消退了。内容似乎完全集中在某个我从未听说过的、极其小众的音乐流派上，可能是某个只在东欧的某个小城市流行了几十年的、关于“噪音与沉默的辩证关系”的理论探讨。文字的密度高得惊人，充满了各种我查了半天字典也无法准确理解的德语或法语哲学名词，比如“音质学的非主体性建构”或者“听觉感知中的偶然性降维”。感觉作者写这本书的目的根本不是为了普及知识，而是为了完成一篇博士论文，而且还是那种只有导师才能勉强看懂的终极版本。翻阅几页后，我不得不合上它，心里想着，如果我想了解二十世纪音乐，我宁愿去听一张斯特拉文斯基的《春之祭》的原版录音，而不是试图破译这本砖头书里的每一个晦涩的句子。它更像是一份晦涩的学术宣言，而非一本面向爱好者的音乐导览。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我希望这本书能提供一个清晰的脉络，让我理解从浪漫主义的余晖到现代主义的彻底决裂，音乐是如何演变的。我期待看到他对两次世界大战前后，欧洲音乐中心转移的深刻洞察，或者至少是关于录音技术如何改变听众体验的讨论。但是，这本书的视野似乎极其狭隘，它仿佛只关注了音乐界的一个“平行宇宙”。书中几乎完全避开了所有主流的、被公认为“二十世纪经典”的作品和作曲家。我翻遍了索引，找不到“布列兹”、“梅西安”甚至“格伦·古尔德”的名字，这简直是荒谬。它更像是一本关于“被遗忘的次级作曲家和他们的秘密沙龙”的文献汇编。作者的写作风格非常倾向于“秘闻录”的调调，热衷于揭露那些被主流历史抹去的、充满阴谋论色彩的幕后交易和艺术家的个人恩怨。我需要的知识营养在哪里？我只看到了堆砌的八卦和对晦涩理论的过度解读。对于一个想要系统学习二十世纪音乐发展脉络的读者来说，这本书的价值几乎为零，它只提供了太多噪音，而没有足够清晰的信号。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量简直让人怀疑出版商是否对自己的产品负有责任。纸张薄得像蝉翼，墨水渗透得厉害，尤其是在那些引用了大量乐谱片段或德语长句的地方，内容像是互相打架一样挤在一起，辨识度极低。我试着用荧光笔划重点，结果笔迹会直接印到下一页，让我对后面的内容也感到抗拒。更别提那些图表了——如果能称之为图表的话。它们更像是手绘的草图，线条歪斜，标签缺失，数据点含糊不清，完全无法提供任何视觉上的辅助理解。我本来期望能看到清晰的频谱图、和声演变示意图，或者至少是作曲家们在创作过程中的结构框架图。结果，我得到的只是一堆模糊的、像是从旧杂志上随便剪切拼凑出来的图片，质量低劣到让人怀疑作者是不是根本没有使用任何现代的制图工具。这种对基础阅读体验的漠视，极大地削弱了原本可能存在的任何学术价值。这本书与其说是一本严肃的著作，不如说是一个匆忙完成的、尚未校对的私人手稿。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏感简直是灾难性的，读起来就像是听了一场冗长、毫无高潮的室内乐演奏会。作者似乎对线性时间概念有一种本能的排斥，他会突然从一个关于勋伯格十二音体系的严肃讨论中，毫无预警地跳跃到对某个中世纪吟游诗人的生平八卦，然后再用三页篇幅去描述一次一战后维也纳的咖啡馆氛围。我想了解的是技术革新如何影响了作曲手法，是电子乐的出现如何颠覆了传统的和声结构，是爵士乐的即兴精神是如何渗透进严肃音乐的血液中的。这本书里，这些重磅的、具有里程碑意义的事件，都被轻描淡写地一笔带过，仿佛只是背景中的一粒灰尘。相反，作者花了大量篇幅去追溯某个不知名作曲家年轻时与一位植物学家的交往细节，以及他们共同探讨的关于“叶脉结构与复调音乐形式的对应关系”。这让我感到极度迷惑，我买的不是一本音乐史，难道是某种跨学科的、带有强烈个人色彩的“传记式理论误读集”吗？如果你想在其中找到任何关于德彪西或巴托克清晰的音乐分析，恐怕会失望至极，里面更多的是对“情感的碎片化呈现”这种抽象概念的无休止的纠缠。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆