The Hidden Art of Disney’s Mid-Century Era: The 1950s and 1960s pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Chronicle Books

作者:Didier Ghez

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2018

价格:0

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isbn号码:9781452163857

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• Disney
• Animation
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穿越回光影斑斓的黄金时代：迪士尼五六十年代的艺术密码 本书将带您踏上一段穿越时空的奇妙旅程，深入探索迪士尼动画的黄金时代——二十世纪五十年代和六十年代。这段时期，迪士尼不仅在动画技术上取得了辉煌成就，更在艺术风格、叙事手法以及对家庭娱乐的定义上，留下了深刻而持久的影响。它是一个充满创新、想象力和独特魅力的时代，孕育了无数至今仍被奉为经典的动画作品。 一、时代背景与迪士尼的崛起 五十年代，美国正经历着战后的经济繁荣与社会变革。电视的普及改变了娱乐格局，但也为动画产业带来了新的机遇。迪士尼，作为当时动画领域的领军者，敏锐地捕捉到了时代的脉搏。他们不仅继续在动画电影领域深耕细作，推出了《仙履奇缘》、《小飞侠》、《小姐与流浪汉》、《睡美人》等一系列公主系列和童话改编的里程碑式作品，更将动画的触角伸向了电视屏幕，推出了《迪士尼乐园》等开创性的电视节目，将迪士尼的魔法带入了千家万户。 六十年代，随着太空竞赛的升温和流行文化的多元化，迪士尼也面临着新的挑战与机遇。他们开始尝试更广泛的题材，如《101忠狗》、《巨人的花园》、《石中剑》等，在故事的原创性和艺术风格上进行大胆探索。同时，迪士尼乐园的兴建，更是将动画的魅力延伸到了现实世界，成为了一种全新的娱乐体验。 二、艺术风格的演进与创新 1. 视觉的盛宴：从细腻到大胆的转变 五十年代的迪士尼动画，在视觉表现上达到了新的高度。对细节的极致追求，精细的人物描绘，以及对场景氛围的烘托，都展现了迪士尼动画师们高超的技艺。《仙履奇缘》中辛德瑞拉的水晶鞋，《小姐与流浪汉》中温馨的街景，《睡美人》中奥罗拉公主的优雅，都成为永恒的经典画面。色彩运用上，这一时期迪士尼倾向于柔和、饱和的色彩，营造出梦幻般的童话世界。 进入六十年代，迪士尼的艺术风格开始呈现出更加多元化的趋势。一方面，他们延续了对细节的精湛处理，如《101忠狗》中柯基犬的毛发质感，《巨人的花园》中奇幻世界的想象力，都令人惊叹。另一方面，一些作品也开始尝试更加大胆和风格化的表现手法。例如，《石中剑》中对中世纪骑士传奇的描绘，人物造型更加夸张，线条更加流畅，色彩运用也更加大胆和鲜明，充满了青春的活力和史诗般的张力。这种风格上的演变，反映了迪士尼在追求动画艺术表现力上的不断突破。 2. 角色设计的生命力 迪士尼对角色的塑造，始终是其艺术魅力的核心。在五六十年代，迪士尼的角色设计更是达到了炉火纯青的地步。从《仙履奇缘》中善良勇敢的灰姑娘，到《小飞侠》中调皮捣蛋的彼得潘，再到《小姐与流浪汉》中忠诚浪漫的流浪狗，每一个角色都拥有鲜明的个性和独特的魅力，能够引起观众的情感共鸣。 这一时期的角色设计，不仅注重外形上的美感，更深入挖掘角色的内心世界，通过细微的表情、动作和眼神，将角色的情感和性格展现得淋漓尽致。例如，薇薇安公主的纯真、菲利普王子的勇敢、以及邪恶女巫玛琳菲森的阴险，都被刻画得入木三分。即便是配角，如《小姐与流浪汉》中的塞巴斯蒂安和吉姆，也都个性鲜明，令人难忘。 3. 音乐与画面的完美融合 音乐一直是迪士尼动画不可或缺的重要组成部分。在五六十年代，迪士尼更是将音乐与动画创作提升到了一个全新的高度。许多电影中的歌曲不仅传唱至今，更成为推动剧情发展、塑造人物情感的重要元素。 《仙履奇缘》中的《Bibbidi-Bobbidi-Boo》和《A Dream Is a Wish Your Heart Makes》，《小飞侠》中的《You Can Fly!》，《小姐与流浪汉》中的《Bella Notte》，以及《睡美人》中的《Once Upon a Dream》等，都成为了经典中的经典。这些歌曲不仅旋律优美，歌词富有诗意，更与动画画面完美融合，营造出一种身临其境的观影体验，将观众带入一个充满魔幻与浪漫的世界。 三、叙事手法的革新与主题的深化 1. 经典童话的再创作 五六十年代，迪士尼继续深耕经典童话的改编，但并非简单的照搬，而是注入了新的时代精神和迪士尼的独特解读。他们通过对故事情节的优化、人物形象的重塑，以及对价值观的传递，让古老的童话焕发出了新的生命力。 《灰姑娘》的故事，在迪士尼的演绎下，不再仅仅是善恶的对立，更强调了善良、希望和坚持的力量。《睡美人》中，奥罗拉公主的成长与爱情，被赋予了更多的独立意识和勇气。《小姐与流浪汉》则以更加写实的视角，描绘了不同社会阶层之间跨越鸿沟的爱情，充满温情与生活气息。 2. 拓展叙事边界 除了经典童话，迪士尼在这一时期也开始尝试更加原创和多元的叙事。 《101忠狗》以一群小狗的视角展开故事，充满了童趣和智慧，也巧妙地探讨了人与动物之间的情感。电影中，克鲁拉夫人的反派形象深入人心，成为了迪士尼最经典的恶棍之一。 《巨人的花园》则是一部充满想象力的音乐剧，以童话般的色彩和动人的音乐，讲述了一个关于友谊、勇气和成长的主题。 《石中剑》则是一次大胆的尝试，将亚瑟王传奇的史诗故事搬上银幕，在人物塑造、情节设计和视觉风格上都展现了迪士尼的创新能力。 3. 探索家庭价值与社会主题 迪士尼的动画作品，始终承载着对家庭价值、友情、爱情和勇气的歌颂。在五六十年代，这些主题得到了更深入的探索。 《小姐与流浪汉》通过不同背景的两只狗之间的爱情故事，展现了跨越阶级的理解与包容，传递了“爱能战胜一切”的美好信念。 《101忠狗》则突出了家庭的温暖和团结的力量，即使在面对强大的敌人时，家庭成员之间的互助也能战胜困难。 四、技术革新与制作流程的精进 五六十年代，迪士尼在动画制作技术上也取得了长足的进步。 多层赛璐璐片的运用： 这种技术使得画面更加丰富，角色运动更加流畅。 广角镜头与景深效果： 丰富了画面的表现力，营造出更加立体的空间感。 摄影技术的创新： 如使用光学合成技术，将手绘动画与背景完美结合，创造出更具层次感的画面。 X-91 动画摄影机： 这种新型摄影机的应用，使得动画的合成和拍摄效率大大提高，也为画面带来了新的视觉效果。 五、文化影响力与遗产 迪士尼在五六十年代的动画作品，不仅仅是优秀的娱乐产品，更成为了美国乃至世界流行文化的重要组成部分。它们塑造了几代人的童年记忆，影响了无数观众的世界观。 这些作品所传递的积极价值观，如善良、勇气、爱与希望，至今仍具有强大的感染力。它们所开创的艺术风格和叙事手法，也为后来的动画创作提供了宝贵的借鉴。 本书将带领读者，以全新的视角，重新审视迪士尼动画的黄金时代，发掘那些隐藏在光影背后的艺术密码，理解它们为何能够穿越时空，至今仍然打动人心。让我们一同走进那个充满魔力的年代，感受迪士尼动画的永恒魅力。

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对我来说，这是一本可以反复阅读的书，不是因为它内容晦涩难懂，而是因为它提供了太多的切入点和思考维度。我特别欣赏作者在处理人物传记时的平衡感。他没有将沃特·迪士尼描绘成一个不犯错的圣人，也没有过度渲染其作为“梦想家”的魅力，而是将其还原成一个在巨大商业压力和个人愿景之间艰难平衡的复杂人物。书中对于一些关键项目的失败或半成功案例的分析尤为精彩，它揭示了创新总是伴随着风险，即便是像迪士尼这样拥有强大品牌号召力的公司，在面对新领域时也会遭遇挫折。这种坦诚的叙事态度，使得全书的论述更具说服力。我尤其关注了那些在六十年代后期开始崭露头角的年轻一代创意人员是如何开始挑战前辈既有范式的部分，这部分内容为理解后来的“迪士尼文艺复兴”提供了必要的历史背景。这本书就像一把钥匙，打开了理解一个时代复杂美学和商业决策背后的深层逻辑的大门。

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这本书真是让我大开眼界！我一直以为迪士尼的黄金时代主要集中在早期那些经典的动画长片上，比如《白雪公主》或者《匹诺曹》。但这本书深入挖掘了那个被很多人忽略的、充满了未来主义和乐观精神的五六十年代。作者对那个时期迪士尼主题公园的设计哲学和动画制作流程的梳理，简直是教科书级别的细致。尤其是关于Imagineering（想象工程）部门的早期运作，那些关于如何将科幻概念融入家庭娱乐的讨论，读起来非常过瘾。我特别喜欢其中关于“明日世界”（Tomorrowland）设计理念的章节，它不仅仅是回顾，更是在分析那个时代美国社会对未来的集体想象是如何被迪士尼的艺术家和工程师们具象化的。书中大量的概念草图和内部备忘录的引用，让我仿佛置身于那个充满胶片气味和油墨香气的创作现场。这不仅仅是一本关于“迪士尼”的书，更是一部关于美国设计史、文化心理学和早期主题公园工业化的精彩案例研究。对于任何一个对创意产业背后的运作逻辑感兴趣的人来说，这本书都提供了极其宝贵的视角。

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说实话，我原本对这种“幕后揭秘”类的书籍抱有一丝怀疑，总觉得很多内容都是老生常谈或者过度美化的。然而，这本书的深度和广度完全超出了我的预期。它没有停留在对那些耳熟能详的角色的肤浅赞美上，而是直指1950年代和1960年代迪士尼在面对电视崛起和动画制作瓶颈时所进行的一系列大胆、甚至可以说是有些冒险的战略转型。比如，书中详细描述了沃特·迪士尼本人对真人演出的兴趣如何从一个副业发展成影响到加州冒险乐园（尽管那是后来的事，但奠基工作是在此时期完成的）的远见。我印象最深的是关于特定动画师的风格演变，如何受到当时新兴的抽象艺术和平面设计潮流的影响，使得那段时间的作品在视觉上呈现出一种独特的、介于传统与现代之间的张力。这种对艺术思潮与商业实践交叉点的捕捉，使得阅读体验非常丰富，它迫使你重新审视那些你以为已经非常熟悉的电影和主题公园元素背后的创作驱动力。文字的叙述节奏把握得很好，既有学术的严谨，又不失故事的引人入胜。

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这本书的装帧和配图质量简直是艺术品级别的。我通常会先跳过正文，直奔插图集锦，但这次我发现，这里的每一张图都经过了精心编排，它们不仅仅是装饰，而是紧密配合文本进行阐释的视觉证据。那些关于早期概念模型的照片，那些只有内部设计师才能看到的色彩测试样张，质量之高，让我感叹能有这样一位作者耗费心力去挖掘和整理这些珍贵资料的难能可贵。对于那些想了解技术实现层面的读者来说，书中对于多平面摄影机的使用限制、早期音效设计理念的转变，这些技术细节的描述非常到位，而且是用一种非技术人员也能理解的生动方式呈现出来的。我感觉自己像是上了一堂由行业资深人士亲自授课的研讨会，只不过这位“导师”通过文字和图片的力量，将那些逝去的时代重新激活了。读完后，我立刻重新去看了几部那个年代的迪士尼动画，感受完全不一样了，每一个场景的用光和构图都显得更加有深意了。

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我得承认，我是一个非常挑剔的细节控，尤其是在谈论历史时。很多关于黄金时代的论述往往忽略了政治气候和社会变革对艺术创作的制约和影响。这本书的厉害之处就在于，它毫不避讳地讨论了冷战思维、消费主义浪潮如何微妙地渗入了迪士尼那些看似天真烂漫的娱乐产品中。它并没有进行批判性的指责，而是像一个冷静的观察者那样，记录了那个时代特有的乐观主义泡沫是如何被精心维护和商业化的。比如，书中分析了《丛林奇航》的某些段落如何在当时对异域文化的刻板印象下被设计出来的，这让我对今天的文化敏感性有了更深的理解。而且，它对不同媒介之间界限的模糊化处理——动画如何影响了建筑设计，而建筑设计又如何反哺了下一代动画短片的叙事结构——这种跨学科的探讨视角，让我觉得这本书的格局非常宏大。它不只是在讲故事，更是在编织一张关于美国文化工业如何自我构建和强化的复杂网络。

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