中国音乐学经典文献导读——音乐美学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐学院出版社

作者:乔建中

出品人:

页数:476

译者:

出版时间:2008-7-1第一版

价格:45.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806923849

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音乐的审美体验与文化传承：中国古代器乐研究 本书深入探讨了中国古代器乐的发展脉络、独特的艺术特征及其深厚的文化内涵。着重分析了在不同历史时期，如先秦、汉魏晋南北朝、唐宋以及明清时期，代表性乐器（如古琴、琵琶、笛箫、编钟等）的演变、演奏技艺的革新，以及它们在宫廷祭祀、士人雅集、民间娱乐等社会生活中的角色与功能。 全书分为四个主要部分，力求构建一个全面而立体的古代器乐研究体系。 第一部分：乐器源流与形制变迁 本部分追溯了中国主要传统乐器的起源，结合考古发现和传世文献，勾勒出其形制和材质的演变过程。 丝竹管弦的定型： 详细考察了秦汉时期“雅乐”向“燕乐”过渡过程中，琵琶、箜篌、笙、箫等乐器在结构上的重大改进。例如，对唐代“曲项琵琶”向“直项琵琶”的转变，不仅是乐器形制的改变，更是演奏技法和音乐风格适应中原文化融合的结果。 礼器向艺术品的转化： 以编钟和编磬为例，分析了它们从周代用于国家祭祀的礼仪载体，如何逐渐融入到宫廷雅乐的配器体系中，并探讨了其音高系统和调式结构对后世音乐理论的深远影响。 文人情怀的寄托： 重点剖析了古琴的“七弦定性”过程。通过对不同时期琴谱（如《碣石调·幽兰》、《广陵散》等）的考据，揭示了琴“不设品位”的特殊构造如何反映了中国古代士大夫追求的“自然之性”与“内敛之美”。 第二部分：演奏技法与审美范式 本部分侧重于古代器乐的演奏实践，分析了不同流派和地域的风格差异，以及由此形成的独特的审美标准。 指法与腔调的秘密： 详细解读了古琴的“徽位”理论与“吟猱绰注”等复杂指法，这些技法不仅仅是演奏技巧，更是“尽其所能，以写胸中之意”的表达方式。同时，对比了南派与北派在演奏力度和节奏处理上的分野。 “意境”的构建： 探讨了中国器乐中“意境”这一核心审美范畴是如何通过速度的弹性处理（如散板的运用）、音色的选择（如箫的“气”与琴的“声”）来实现的。例如，对唐代“大曲”中“散、慢、中、急”的结构分析，揭示了音乐叙事性的内在逻辑。 流派的形成与传承： 以琵琶为例，研究了唐代“弹拨乐器”到宋代“说唱伴奏”的转型，以及明清时期浙派、武林派等流派在“文曲”与“武曲”上的风格确立。 第三部分：器乐与文学、哲学的交融 古代器乐从来不是孤立存在的艺术形式，它与当时的哲学思想和文学创作息息相关。本部分旨在探讨这种跨媒介的互动。 道家思想的听觉投射： 论述了老庄思想如何影响了对“虚”、“静”的音乐追求。古琴音乐中对“不著痕迹”的推崇，是对“大音希声”的实践。探讨了文人如何通过音乐来表达对世俗的疏离和对自然的回归。 诗词曲赋的音乐化： 分析了燕乐和俗乐在唐宋时期与诗词歌赋的紧密结合，如“燕乐曲子”如何成为词牌的基础。研究了民间说唱音乐（如诸宫调）对器乐伴奏的规范化影响。 “器物”与“人品”： 考察了中国传统文化中“乐器即君子之德”的观念，乐器制作的材料选择、外观装饰都承载着伦理道德的寄托。 第四部分：明清器乐的成熟与地域分化 明清时期，随着商品经济的发展和市民阶层的兴起，器乐艺术进入了一个前所未有的繁盛期，形成了多元化的格局。 专业化的趋势： 研究了彼时宫廷“内廷供奉”与民间“行会乐户”在器乐演奏上的分工与合作。例如，对清代内廷大乐的记录，展示了集体制奏的严谨性。 昆曲与丝竹的并进： 详述了昆曲兴盛对笛子、板胡等伴奏乐器的影响，以及“十番锣鼓”、“十番鼓吹”等民间器乐合奏形式的兴起。这些合奏的配器组合和演奏规范，为近现代民族器乐团体的建立奠定了基础。 地域音乐的特色： 聚焦于江南丝竹、广东音乐（如高胡、扬琴的引入与融合）等地域性器乐流派，分析了它们在节奏、速度、装饰音处理上与中原传统音乐的继承与创新关系。 本书通过对大量一手文献、乐谱和器物学资料的梳理与比较分析，旨在为研究者和爱好者提供一个全面、深入且注重实践操作的古代器乐图景。它强调的不是音乐的“理论公式”，而是“演奏的生命力”与“文化的回响”。

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这本书的阅读体验，很大程度上依赖于你是否能适应其独特的节奏感。它不是那种读起来行云流水、一气呵成的作品。相反，它更像是一场精心的“慢炖”，要求读者放慢语速，反复咀嚼其中的论点。我发现，如果我试图快速浏览，很多细微的差别和批判性的洞察就会溜走。比如，作者在对比不同流派对“和谐”的理解时，那种微妙的措辞选择，往往蕴含着巨大的意义分野。这种阅读过程，与其说是获取信息，不如说是在与作者进行一场跨越时空的智力对话。我甚至开始揣摩作者在选择某个动词、放弃另一个近义词时的考量，这使得阅读本身成为一种主动的建构过程，而不是被动的接受。对于那些希望从根本上重建自己音乐审美体系的人来说，这本书提供的这种“慢阅读”体验，是极其宝贵的。

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最让我感到惊喜的是，这本书在提供理论深度之余，竟然还巧妙地嵌入了大量极具启发性的案例分析，这些分析往往以一种反直觉的方式呈现。它并没有简单地罗列出“哪些曲子是美的”，而是深入探讨了在特定历史语境下，为什么“这种声音”会被赋予“这种价值”。例如，书中对宋代文人雅集音乐中那种近乎“无为而作”状态的探讨，让我重新审视了当代音乐创作中对“炫技”和“形式完美”的过度追求。作者的批判视角是温和而有力的，他并非否定现代音乐的成就，而是引导我们去追问，在追求效率和传播力的同时，我们是否也遗失了古代那种对音乐“精神内涵”的执着探寻。这本书的价值就在于，它不仅告诉你“是什么”，更让你深思“为什么会是这样”，并且激励你去思考“未来应该怎样”。它像一面镜子，映照出我们对美学理解的时代局限性。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，硬壳包裹着厚实的纸张，拿在手里分量十足，透着一股沉稳的学术气息。封面上的字体排版简洁大气，那种留白的处理方式，恰到好处地营造出一种宁静致远的氛围。我特别喜欢扉页上引用的那句古语，虽然我不太懂音乐美学的深奥理论，但光是这种对传统的敬畏感，就足以让人心生向往。内页的印刷质量也没得说，字迹清晰锐利，即便是密集的注释部分，也毫不费力。说实话，现在很多学术书籍为了追求速度和成本，往往在纸张和印刷上敷衍了事，但《中国音乐学经典文献导读——音乐美学》显然在这方面下了大功夫，这不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的艺术品，让人在阅读之前就已经感受到了一种对知识的尊重。我甚至舍不得在上面做过多的折角或笔记，生怕破坏了它本身的美感。这种对物理形态的重视，无疑为接下来的深度阅读奠定了一个非常舒适且充满仪式感的基调。

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这本书的选材视角非常独到，它避开了那些已经被过度解读的音乐家传记或作品赏析，而是专注于挖掘那些深藏在古典诗词、园林设计乃至儒释道经典中关于“声”与“道”的论述。举例来说，其中有一章专门分析了古代士大夫阶层如何将“萧散之气”融入到他们的音乐观中，这种跨学科的融合视角，极大地拓宽了我对中国音乐史的理解框架。我以前总觉得音乐是孤立的一门艺术，但读完之后才意识到，它其实是中国传统文化整体审美图景中不可或缺的一环。作者在引用文献时，那些古籍的原文引述简直就是一场小型的文化考古，虽然有些古文晦涩难懂，但附带的详细校注和白话译文起到了很好的桥梁作用，使得原本高冷深奥的文本变得触手可及，却又不失其原有的学术重量。

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我花了整整一个下午的时间，只是沉浸在绪论部分对“美学”概念的溯源和界定上，简直是思维上的“体操”。作者的叙述逻辑如同手术刀般精准，他没有急于跳入具体的中国音乐案例，而是先将西方美学思潮与中国传统哲学的核心概念进行了细致的对照。尤其是在探讨“意境”与西方“崇高感”的差异时，作者那种旁征博引却又滴水不漏的论证方式，让我不得不三读其详。我原本以为导读性质的书籍会相对轻松易懂，但这本书的深度远超我的预期，它更像是一份高阶研讨班的讲义，要求读者具备一定的哲学基础。每次读完一个段落，我都需要停下来，在笔记本上画出复杂的思维导图来梳理脉络，生怕遗漏了哪个关键的转折点。这种智力上的高强度挑战，虽然累人，但带来的心智拓展感是其他普及读物无法比拟的，它强迫你跳出舒适区，去真正“思考”音乐之美，而不是简单地“感受”。

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音乐意象論一篇写的相当不错！

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