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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Andy Vinter

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2003-02-01

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634050466

丛书系列:

图书标签:

• 流行与爵士
• 钢琴
• 摇滚乐
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• 乐谱
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• 摇滚钢琴
• 音乐教学

《节奏的脉搏：从指尖到灵魂的摇滚钢琴之旅》 简介： 在广袤的音乐殿堂里，钢琴以其独特的声响、丰富的表现力和变化无穷的旋律，征服了无数音乐爱好者的心。然而，当这优雅的乐器遇上狂野不羁的摇滚乐，会碰撞出怎样令人血脉贲张的火花？《节奏的脉搏：从指尖到灵魂的摇滚钢琴之旅》并非一本枯燥的乐理教科书，也不是简单的技巧堆砌，它是一场深入摇滚钢琴世界的沉浸式体验，一次对那些用键盘挥洒汗水、点燃舞台的灵魂乐手的致敬。 本书旨在带领读者，无论是资深乐手还是初入音乐殿堂的新手，都能领略到摇滚钢琴的独特魅力，理解它在摇滚乐发展史上的重要地位，并激发他们内心深处的音乐创造力。我们将一起穿梭于摇滚乐的黄金年代，探寻那些塑造了摇滚钢琴风格的关键人物和标志性作品，感受他们如何在传统钢琴演奏的框架中注入摇滚精神，创造出前所未有的音乐表达。 从历史的洪流中捕捉摇滚的基因： 摇滚乐的诞生本身就是一场革命，它融合了布鲁斯、乡村、福音和R&B等多种音乐元素，而钢琴，作为这些音乐风格的重要载体，自然而然地成为了摇滚乐早期探索的重要乐器。本书将追溯摇滚钢琴的起源，从20世纪50年代那些充满活力的摇滚音乐先驱们开始。我们会看到，像Little Richard那样充满爆发力的演奏，以他标志性的“boogie-woogie”风格，将钢琴从伴奏乐器提升到了主导地位，他的每一次击键都仿佛蕴含着无穷的能量，直接点燃了早期摇滚乐的激情。Jerry Lee Lewis，这位“Killer”，则以他毫不畏惧的舞台表现力，踩踏键盘，甚至跳上钢琴，将现场的狂热推向了顶峰，他的演奏风格充满了原始的生命力和不羁的叛逆。 随着摇滚乐的演进，钢琴的角色也在不断变化。20世纪60年代，披头士的Paul McCartney，用他流畅而富有旋律感的钢琴部分，为许多经典歌曲注入了柔情与深度，他的演奏风格更为精致，但同样充满了摇滚的能量。The Doors的Ray Manzarek，则以他独特的电风琴音色和充满迷幻色彩的演奏，为乐队的音乐增添了神秘的氛围，他的即兴演奏和对管风琴的创新运用，为摇滚键盘乐开辟了新的可能性。 进入70年代，摇滚乐进入了更加多元化的阶段，钢琴在其中扮演的角色也更加丰富。从Queen乐队John Deacon充满力量的钢琴伴奏，到Elton John华丽而富有戏剧性的钢琴表演，再到Stevie Wonder将灵魂乐、放克和摇滚巧妙融合，用他的钢琴演奏创造出令人惊叹的音乐世界，这些大师们都以各自独特的方式，将摇滚钢琴推向了新的高度。本书将深入剖析他们的演奏技巧、和声运用以及对摇滚乐发展的贡献，让我们理解他们是如何在古典的钢琴基础上，注入摇滚的灵魂。 不仅仅是技巧：理解摇滚钢琴的精神内核： 摇滚钢琴并非仅仅是按下琴键发声，它更是一种态度，一种精神的宣泄。本书将引导读者深入理解摇滚钢琴的核心精神，这包括： 能量与爆发力： 摇滚乐的精髓在于其强烈的能量感和原始的生命力。在钢琴演奏中，这意味着不仅仅是弹奏音符，更要通过强有力的触键、快速的琶音、富有冲击力的和弦以及充满爆发力的节奏型，来传达音乐中的激情与力量。我们将探讨如何通过改变触键的力度、速度以及身体的律动来释放钢琴的能量。 律动与节奏感： 摇滚乐最吸引人的地方在于其强烈的律动感。钢琴在摇滚乐中，常常扮演着构建节奏框架的角色。从经典的“boogie-woogie”节奏，到复杂的切分音和即兴的律动变化，本书将详细解析如何在摇滚乐中运用钢琴来创造令人难以抗拒的节奏。我们将学习如何理解鼓和贝斯的律动，并将其巧妙地融入到钢琴的演奏中，形成浑然一体的律动感。 即兴与创造力： 摇滚乐的核心在于自由与即兴。本书将鼓励读者打破乐谱的束缚，发挥自己的创造力。我们将探讨即兴演奏的技巧，如何构建即兴旋律，如何运用和声进行来支撑即兴，以及如何从大师们的演奏中汲取灵感，形成自己的即兴风格。我们将看到，许多伟大的摇滚钢琴演奏，都源于即兴的火花。 情感的表达： 摇滚乐是充满情感的音乐。钢琴，以其宽广的音域和丰富的音色，能够细腻地表达各种情感，从狂喜到悲伤，从愤怒到温柔。本书将探讨如何在摇滚钢琴的演奏中注入真实的情感，如何通过音色的变化、动态的对比以及对旋律线条的精心雕琢，来触动听众的心灵。 从基础到进阶：解锁你的摇滚钢琴潜能： 本书并非只停留在理论层面，它将为读者提供切实可行的学习路径，帮助他们逐步掌握摇滚钢琴的演奏技巧： 和声的探索： 摇滚乐的和声往往比我们想象的更加丰富和大胆。我们将从基础的和弦构成开始，深入到摇滚乐常用的和弦进行，以及如何在这些和弦基础上进行变化和发展。我们将学习如何运用色彩和弦、挂留和弦以及其他特殊的和声手法，来丰富摇滚钢琴的音响。 节奏的律动： 掌握摇滚乐的节奏是关键。本书将详细介绍各种经典的摇滚节奏型，并指导读者如何通过对鼓点和贝斯线的模仿，以及自身的律动感，将这些节奏型融入到钢琴演奏中。我们将学习如何处理切分音、附点节奏以及复杂的节奏组合。 旋律的构建： 无论是创作原创旋律，还是对现有旋律进行改编，都需要扎实的旋律构建能力。本书将分享一些简单而有效的旋律创作技巧，例如运用五声音阶、布鲁斯音阶以及模仿歌曲中的人声旋律。 技巧的提升： 从左手的伴奏模式，到右手的旋律演奏，本书将逐步引导读者提升各种必要的钢琴技巧，例如快速的音阶和琶音练习，以及对触键和音色的控制。我们将学习如何通过有针对性的练习，来提高演奏的流畅度和准确性。 风格的模仿与创新： 学习大师们的演奏，模仿他们的风格，是提高的重要途径。本书将提供一些经典摇滚钢琴曲的演奏分析，并指导读者如何去模仿和学习。然而，我们更鼓励读者在掌握了基本技巧后，将这些元素融会贯通，创造出属于自己的摇滚钢琴风格。 不只是一个人：乐队中的钢琴角色： 在摇滚乐队中，钢琴的角色并非总是孤立存在的。它需要与其他乐器进行精妙的配合，共同构建出乐队的整体音响。本书将探讨钢琴在不同乐队编制中的作用： 与吉他的互动： 钢琴与吉他之间的互动是摇滚乐中一种经典而富有张力的组合。我们将学习如何通过和声的呼应、节奏的互补以及音色的对比，来让钢琴与吉他产生有趣的对话。 与贝斯和鼓的律动： 钢琴需要与节奏组（贝斯和鼓）紧密配合，形成强大的律动基础。本书将指导读者如何去聆听和理解节奏组的律动，并在此基础上构建自己的钢琴声部。 作为主奏乐器： 在某些摇滚乐中，钢琴可以成为主奏乐器，承担起旋律和节奏的双重任务。本书将分析一些以钢琴为核心的摇滚歌曲，并探讨在这种情况下，钢琴演奏者需要具备哪些额外的技能和理解。 超越音乐本身：摇滚钢琴背后的文化与情感： 摇滚乐不仅仅是一种音乐风格，它更是一种文化现象，一种表达自由、反叛和激情的载体。本书将带领读者去感受摇滚钢琴背后的文化意义和情感共鸣。我们将通过聆听那些经典摇滚钢琴作品，感受它们如何触动我们的内心，如何唤醒我们对生活的热情和对梦想的追求。 《节奏的脉搏：从指尖到灵魂的摇滚钢琴之旅》是一本为你而写的书，无论你是否是钢琴手，只要你对摇滚乐充满热情，对音乐的表达有着不懈的追求，这本书都将为你打开一扇通往全新音乐境界的大门。让我们一起，用键盘奏响属于摇滚的自由之歌，让指尖的跳跃，化作灵魂深处最澎湃的呐喊！

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我花了整整一个周末的时间才把这本书的前半部分看完，主要是因为里面穿插了太多关于早期摇滚乐手生活状态的轶事和访谈片段。这些故事的细节丰富到令人发指，比如某个传奇钢琴手是如何因为一次即兴的过度演奏而导致手指关节肿胀到无法握住酒杯，但他第二天依然坚持在录音棚里完成了那段标志性的Solo。作者的叙事节奏把握得极好，他懂得在严肃的技法讲解和轻松幽默的幕后花絮之间切换，使得即便是对音乐理论知之甚少的读者，也能被那些鲜活的人物和情节牢牢吸引住。特别是关于“蓝调根源”那几章，他没有直接堆砌复杂的和弦图，而是通过对几首关键曲目的深度剖析，将和声的演变过程描绘成一条清晰的、充满张力的河流，从密西西比三角洲的泥泞中流出，最终汇入了咆哮的大西洋。每一次阅读，都像是在进行一次深入的考古挖掘，每翻过一页，都能从尘封的乐谱和故事中，挖掘出一些被主流历史遗忘的、充满生命力的细节。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种复古的油墨质感，配上霓虹灯般闪耀的字体，一下子就把你拉回了那个摇摆的黄金年代。我记得我是在一家旧书店的角落里发现它的，当时它被夹在一堆厚重的古典乐谱中间，显得格外跳脱和叛逆。翻开扉页，那股淡淡的、混合着纸张陈旧与某种皮革气息的味道，简直是灵魂的抚慰。作者的引言部分写得极其真诚，他没有故作高深地去谈论什么音乐理论的宏大叙事，而是像一个老朋友在跟你分享他如何第一次听到Chuck Berry的那段吉他独奏时，全身的鸡皮疙瘩都竖了起来。他谈论的不是音符的排列，而是那种电流穿过身体的震撼感，是凌晨三点在昏暗的地下室里，对着一台老旧的钢琴，试图捕捉住那种自由不羁的律动时的心跳加速。这本书的排版也很有意思，很多地方采用了手写的笔记形式，仿佛作者正在你身边，用铅笔在乐谱的空白处快速勾勒着他的灵感火花和即兴的冲动。阅读的过程，与其说是学习，不如说是一种沉浸式的体验，让你觉得你不是在读一本关于音乐的书，而是在参与一场私密的、充满激情的音乐聚会。

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这本书的装帧质量，说实话，比起它内容所蕴含的厚重历史感，显得有些朴实过头了。我拿到手的时候，发现纸张略微偏薄，而且内页的插图印刷分辨率不高，很多早期照片的颗粒感非常重，甚至有些模糊不清。但是，奇妙的是，这种略显粗糙的质感，反而与书中描绘的那个尚未被商业化完全侵蚀的、充满汗水和烟味的早期摇滚场景不谋而合。那些模糊的照片，反而激发了读者更多的想象空间，仿佛我们需要亲手去“修复”那些缺失的像素，去填补那些历史的空白。如果印刷过于精美清晰，反而会带来一种距离感，仿佛那是被放置在博物馆玻璃柜里的展品。这本书更像是一本被无数次翻阅、被咖啡渍和指纹打磨过的“工作手册”，它的物理属性在无形中增强了内容的可信度和亲近感，让你感觉自己是在一位前辈的私人珍藏中汲取智慧。

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这本书的独到之处在于它对“即兴创作”这个核心概念的理解和阐释。它不是一本教你如何准确复制大师演奏的教程，更像是一本打开你内心声音的钥匙。作者反复强调，真正的摇滚精神不在于完美无瑕的演奏，而在于那种“失控的边缘”的艺术感。他用非常口语化且富有画面感的语言，描述了如何通过身体的律动去感受节奏的“弹性”，而不是仅仅依靠节拍器去机械地遵循时间。我记得有一个章节专门讨论了“失误的艺术”，作者举例说，很多经典片段恰恰是由于演奏者在压力下出现的细微偏差或非预期的顿挫，反而赋予了音乐一种无法复制的、粗粝的真实感。这对我来说是一个巨大的启发，它让我开始放下对精确度的执着，转而去探索我自己的声音中那些略带沙哑和粗糙的魅力。这本书真正教会我的，是如何在不设限的自由中，找到属于我自己的音乐坐标系。

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这本书的章节结构安排得非常巧妙，它没有采用传统的时间轴顺序，而是围绕几个核心的主题概念进行螺旋上升式的探讨。比如，它不会在第一章就讲解所有基础知识，而是会先抛出一个极具感染力的现场录音片段作为引子，然后倒推回去解释支撑那个瞬间的技术基础，接着再延伸到背后文化思潮的影响。这种“先感受，后理解”的路径，极大地提高了阅读的兴奋度和参与感。我特别欣赏作者处理“跨界影响”的那几章，他没有局限于钢琴与摇滚的直接交集，而是深入探讨了爵士乐的切分音如何被移植、布鲁斯七声音阶如何被“扭曲”以适应更强烈的失真效果。这种宏观的视角，让读者不仅学会了如何弹奏，更学会了如何“思考”音乐的演变脉络，如何理解创新是如何在对传统的颠覆与继承中诞生的。读完之后，我感觉自己对音乐的聆听方式都发生了根本性的转变，不再只是被动接受旋律，而是开始主动去解构每一个音符背后的文化重量和历史张力。

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