具体描述
这本书是一本树立标准的书。它支持人们至今在为通过完整、生动的形象来反映我们的世纪而进行的努力。本书将把前人经验中得出的某些原则传留给为此而献身的新的一代——他们热烈参加电影俱乐部的放映活动、力筹私资拍片、进行业余拍片试验、在广告和电视节目里偷运私货，或者经常向大制片公司进行试探。为了保存标准而进行努力是值得的。如今已经成为受人景仰的新现实主义导演或编剧的那批意大利学生，曾在三十年代里备受法西斯主义的折磨。他们当时不得不另找出路，像中世纪经院学者那样狂热地献身于对电影艺术的古典作品和电影理论著作的研究。如果他们没有在那些年代里积累了丰富的学识和求精的思想，那么他们的想像力和敏锐的观察力决不能结出这样卓越的果实。他们的论著征引广博而精到。
本书在西方电影理论史上占有重要的地位。作者是德国著名文艺理论家，他从心理学角度细密分析并总结了无声电影的实践经验，时刻提醒创作者避免在创作实践中脱离艺术的必要性去滥用电影的技术进步。此外，本书对电影技巧进行分类研究的方法为后来的电影文法理论创立了一个先例，成为这个理论学派的一部奠基性
作者简介
鲁道夫•爱因汉姆Rudolf Arnheim（1904年7月15日 — 2007年6月9日）原籍德国的心理学家、美学家。早年在柏林大学攻读心理学。1939年移居美国，在哈佛大学任艺术心理学教授。
爱因汉姆从心理学角度研究电影，电影研究只是他的艺术心理学研究范畴的一个组成部分。他的电影理论活动集中在30年代，移居美国之后基本放弃。他的主要电影论著是《电影作为艺术》一书，初版于1932年，次年即被译成英文，改名为《电影》，后经作者修正和删节，1957年时重新发表。除此之外，他在30年代还写了十几篇有关电影的论文。
爱因汉姆认为，艺术活动和审美活动归根结蒂是在感性上对形式的把握，对它们的研究应当通过心理学的途径。从这一根本观点出发，他把艺术与现实之间的不同一性视为艺术的源泉，认为艺术潜力的发挥即在于艺术地运用这种不同一性。就电影来说，他将电影形象与现实事物之间的这种不同一性归结为：立体变成平面；深度感减弱；运用人工照明和没有彩色；画面大小随观众与银幕的距离不同而变异；时间和空间的连续并不存在；只存在视觉经验。后来，他又把这6点进一步概括成3点： 视觉可见性； 照相纪录性； 蒙太奇。
爱因汉姆对电影形像特性的研究结论是以无声电影为根据的，然而电影技术的发展，主要是有声电影和彩色电影的发明，并没有使他因此改变结论。相反地，他在1957年修订重版《电影作为艺术》一书时，还强化了他的维护无声电影的立场，猛烈反对有声、彩色等一切电影技术上的进步现象。然而，由于电影技术的进步并未改变视觉形像在电影中的主要地位，因此，爱因汉姆对无声电影的艺术经验的细致研究和总结，仍然受到人们的重视。
目录信息
读后感
爱因汉姆的《电影作为艺术》一书不仅是西方电影理论的入门之作，也是经典电影理论在滥觞时期最具代表性的作品。它首次将电影作为一种艺术来看待，为经典电影理论的发展提供了某种可能——电影是同其他艺术门类地位等同的一种艺术，应当将电影作为一门独立的艺术进行研究。 爱因...
评分爱因汉姆的《电影作为艺术》一书不仅是西方电影理论的入门之作，也是经典电影理论在滥觞时期最具代表性的作品。它首次将电影作为一种艺术来看待，为经典电影理论的发展提供了某种可能——电影是同其他艺术门类地位等同的一种艺术，应当将电影作为一门独立的艺术进行研究。 爱因...
评分爱因汉姆的《电影作为艺术》一书不仅是西方电影理论的入门之作，也是经典电影理论在滥觞时期最具代表性的作品。它首次将电影作为一种艺术来看待，为经典电影理论的发展提供了某种可能——电影是同其他艺术门类地位等同的一种艺术，应当将电影作为一门独立的艺术进行研究。 爱因...
评分爱因汉姆的《电影作为艺术》一书不仅是西方电影理论的入门之作，也是经典电影理论在滥觞时期最具代表性的作品。它首次将电影作为一种艺术来看待，为经典电影理论的发展提供了某种可能——电影是同其他艺术门类地位等同的一种艺术，应当将电影作为一门独立的艺术进行研究。 爱因...
评分爱因汉姆的《电影作为艺术》一书不仅是西方电影理论的入门之作，也是经典电影理论在滥觞时期最具代表性的作品。它首次将电影作为一种艺术来看待，为经典电影理论的发展提供了某种可能——电影是同其他艺术门类地位等同的一种艺术，应当将电影作为一门独立的艺术进行研究。 爱因...
用户评价
这本书最让我着迷的一点是，它没有将电影视为一种孤立的艺术形式，而是将其置于更广阔的文化背景下进行考察。作者巧妙地将电影的发展与历史、社会、哲学思潮联系起来，揭示了电影如何反映并塑造了一个时代的精神风貌。比如，在探讨表现主义电影时，书中不仅仅分析了其独特的视觉风格，更将其与一战后的德国社会心理、对现实的焦虑和对内心世界的探索紧密相连。这种跨学科的视角，让电影不再是漂浮在空中的影像，而是深深扎根于现实土壤的文化产物。 我尤其喜欢书中对“作者论”的探讨，虽然这不是一本纯粹介绍作者论的书，但作者借此引申出电影的“作者性”是如何体现在镜头语言、叙事结构、主题选择等方方面面的。这让我开始重新审视那些我熟悉的导演，他们是如何通过自己的作品，留下独特的“作者印记”，并将个人的哲学思考、情感体验融入到电影的肌理之中。从某种意义上说，每一部伟大的电影，都蕴含着一位电影“作者”的灵魂。
评分《电影作为艺术》这本书，真的像一位博学的导游，带领我在电影的广阔天地中进行了一次深度徒步。书中对电影“主题”的探讨，尤其让我印象深刻。作者并没有预设什么“正确”的主题，而是引导读者去发现电影中隐藏的，或者看似不经意流露出的深层含义。他展示了如何从一个看似简单的故事情节中，挖掘出关于人性、社会、哲学的普世命题。 我特别喜欢书中对“视觉叙事”的分析，这一点在我看来，是电影作为一门独特的艺术形式，与其他艺术形式最显著的区别之一。作者详细讲解了如何在不依靠对白的情况下，通过画面、人物的表情、肢图中、场景的布置来传达信息、塑造人物、推动情节。这让我重新开始审视那些“无声胜有声”的电影片段，它们所蕴含的叙事力量，是如此惊人。
评分说实话，拿到《电影作为艺术》这本书时，我并没有抱有多高的期待，以为又是一本泛泛而谈的电影赏析。然而，当我沉浸其中后，我才发现自己大错特错。作者的洞察力实在是太惊人了，他能够从那些我习以为常的电影元素中，挖掘出令人惊叹的艺术价值。比如，书中对电影“节奏”的分析，让我明白了为什么有些电影会让人感到“拖沓”，而有些则让人“欲罢不能”，这不仅仅是剪辑快慢的问题，更涉及到叙事结构、情绪铺垫、观众心理等多方面的因素。 书中对电影“色彩”的运用，也给了我很大的启发。我以前对色彩的认识，仅限于“好看”，但这本书让我明白，色彩在电影中，不仅仅是美学的选择，更是一种情感的表达，一种象征的载体，甚至是一种叙事的方式。作者通过对不同影片中色彩运用的案例分析，让我看到了色彩是如何被用来营造氛围、暗示人物性格、表达主题的。
评分《电影作为艺术》这本书，让我在很大程度上改变了自己对待电影的“消费”观念。以前，我可能更倾向于选择那些“轻松搞笑”或者“场面火爆”的电影，觉得那是“值回票价”的选择。但是，这本书让我明白，真正有价值的电影，往往需要观众付出更多的思考和解读。它让我开始愿意花时间去理解那些“晦涩”的电影，去探索那些“有深度”的故事。 书中对电影“象征意义”的解读，是让我印象最深刻的部分之一。作者并没有给出标准答案，而是引导读者去思考，去挖掘影片中那些可能存在的，或者观众可以解读出的多重象征。他解释了符号学在电影分析中的应用，以及一个简单的道具，一个场景，甚至一个镜头，都可能承载着丰富的象征意义。这让观看电影的过程，变成了一个充满发现的智力游戏。
评分这本书，无疑是为我打开了一扇通往电影艺术世界的大门。在我过去的世界里，电影似乎只是一种娱乐工具，一种打发时间的手段。但《电影作为艺术》这本书，让我看到了电影背后隐藏的巨大能量和深刻内涵。它让我意识到，电影不仅仅是娱乐，更是一种强大的媒介，一种能够触动人心、引发思考、甚至改变我们看待世界方式的力量。 我特别欣赏书中对电影“意境”的营造的分析。意境，这个在中国传统文化中非常重要的概念，在电影中又是如何体现的呢？作者通过一些具体的例子，比如电影中对自然景色的运用，对人物心理活动的描绘，以及音乐和画面的配合，让我看到了电影是如何通过一种含蓄而深刻的方式，来传达一种难以言喻的情感和氛围。这让我明白，伟大的电影，往往能够营造出一种属于自己的独特“意境”。
评分我必须承认，在阅读《电影作为艺术》之前，我对“电影史”的认知是非常零散的，停留在一些零星的经典影片和导演的名字上。这本书，则像一条清晰的河流，将我带入了电影发展的漫长历史长河中。作者并没有将历史简单地线性叙述，而是巧妙地选取了几个关键的转折点和重要的流派，深入浅出地展示了电影艺术是如何在不同的时代背景下，不断探索、创新和演变的。 书中对不同电影流派的分析，比如法国新浪潮、意大利新现实主义等，都让我对这些流派的特点有了更直观的理解。他不仅仅列举了代表性影片，更深入地分析了这些流派形成的历史原因、哲学理念和艺术追求。这让我明白，每一个重要的电影流派，都是对当时社会现实和艺术语境的回应，它们不仅仅是美学的革新，更是思想的碰撞。
评分我最近读到一本名为《电影作为艺术》的书，这本书真的让我大开眼界，尤其是在看待那些我曾经视为单纯娱乐的电影时。以前，我总觉得看电影就是放松，是消遣，是逃离现实的短暂出口。但这本书彻底颠覆了我这种肤浅的认识。它并没有像我预想的那样，罗列一大堆影评家的专业术语，或者枯燥地分析某位导演的拍摄技巧，而是从更宏观、更深刻的角度，去探讨电影是如何从一种新兴的娱乐形式，一步步跃升为一种可以与绘画、音乐、文学并肩的艺术门类。 作者在书中深入剖析了电影语言的独特性，比如镜头语言的运用，不仅仅是记录现实，更是导演情感和思想的载体。他花了很长的篇幅来讲解蒙太奇的魔力，如何通过画面的剪辑和并置，产生超越画面本身的情感冲击力和叙事张力。我以前对蒙太奇的理解仅限于“快切”，但这本书让我明白，它是一种构建意义、操纵观众情绪的强大工具。而且，书中还探讨了电影的“空间感”和“时间感”是如何被创造和扭曲的，这让我重新审视了那些在银幕上营造出梦幻般氛围的电影，它们并非偶然，而是经过精心设计的艺术表达。
评分《电影作为艺术》这本书，绝对是我近期读过的最有价值的图书之一。它所传达的不仅仅是电影的知识，更是一种全新的观看和思考电影的视角。读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了“电影的火眼金睛”，能够穿透银幕的表象，看到其背后蕴含的艺术匠心和深刻思想。这让我对未来的观影体验充满了期待，我迫不及待地想将书中学习到的知识，应用到每一次的观影过程中。 书中对电影“形式与内容”关系的探讨，也让我受益匪浅。作者强调了形式在电影艺术中的重要性，认为脱离了形式的创新，内容再深刻也难以获得真正的艺术生命力。他通过分析那些在形式上有所突破的电影，展示了形式如何能够强化内容，如何能够创造出全新的表达可能。这让我明白，电影艺术的魅力，既在于其传达的思想，也在于其独特的艺术语言。
评分《电影作为艺术》这本书，对我来说，最大的价值在于它改变了我观看电影的习惯。以前，我可能更关注情节的跌宕起伏，角色的命运走向，但现在，我开始更加留意那些细微之处：一个镜头的切换时机，一个画面的构图，一种色彩的运用，一段音乐的响起。我学会了去“读”电影，而不是仅仅去“看”电影。这种阅读方式，让我从单纯的观众，变成了一个更具批判性、更具鉴赏力的观影者。 书中对电影的“表现性”与“记录性”的辩证分析，也让我受益匪浅。它并没有简单地将电影分为纪录片和故事片，而是强调了所有电影都具有某种程度的“表现”成分，即使是看似“真实”的纪录片，也包含了导演的选择、剪辑和呈现方式。这种深刻的洞察，让我开始思考，我们所看到的“现实”，究竟是多么地被建构和过滤。电影，作为一种高度建构的艺术形式，更能揭示出“真实”的多重面向。
评分当我翻开《电影作为艺术》这本书时，我本以为会读到一些艰涩难懂的理论，但令我惊喜的是，作者的笔触既有学者的严谨，又不失文学的流畅与生动。他引用了大量的经典电影片段作为例证，这些例子都选取得恰到好处，仿佛读者就坐在他的身边，一起观看、一起分析。我常常会一边读，一边回想起那些电影中的场景，然后恍然大悟，原来之前看的时候，只看到了表面，而这本书则带我深入了电影的肌理，去感受其内在的脉搏。 书中的一些章节，比如关于电影的“声音艺术”的探讨，让我对电影的听觉体验有了全新的认识。我以前常常忽视电影中的声音，认为它只是背景，但作者却详细阐述了声音如何与画面相互作用，如何构建氛围，如何推动叙事，甚至如何成为一种独立的表达方式。他分析了不同类型电影中声音的运用，从早期电影的配乐，到现代电影中复杂的声音设计，都让我耳目一新。这让我意识到，一部优秀的电影，是视听共同作用的结果，缺一不可。
评分爱因汉姆看起来像是在开历史倒车，在大势已去时依然执著地为无声电影辩护，然而我在相当程度上却是同意爱因汉姆观点的。尤其可以说那一段对于立体电影的观点在一百年后出现了VR电影的现在尤其具有预见性——完整电影的神话，到VR电影，蒙太奇和变换拍摄角度之类的造型手法就将失去效用，平面构图和立体构图的动人程度将被削弱。 事实也确实如此，VR电影拍不了特写。 电影发展越“完整”其以往可用的称之为艺术手段就越少。爱因汉姆也并非那么极端，保守，他要求的是一种共存，在有声电影的时代，能保留无声电影的一个席位。 之前对“真正电影化”“电影本质”的思索也来自爱因汉姆，埃德加莫兰谈到，电影的本质从词源学来看——无论是movie(move)还是cinema(希腊词 Kinema)——都是运动，活动的画面。
评分历史局限性
评分不得不说爱因汉姆在论证无声电影的艺术性上做出了很大的贡献 虽说理论要结合具体研究语境 在当时已经是很了不起了 也有很大的勇气 在当前固然有偏激性和局限性 不过研究成果本身也是值得尊重的
评分他对有声和彩色电影的憎恨极其可笑 就像现在一些人对题材的憎恨
评分历史局限性
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