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出版者:音樂出版社

作者:卡爾•聶夫 (Karl Nef)

出品人:

页数:288

译者:張洪島

出版时间:1958

价格:1.70

装帧:平裝

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• 音樂
• 历史
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《西洋音乐史》是一部宏大而深入的音乐著作，它不仅仅是罗列作曲家与作品的编年史，更是一次对西方音乐思想、技术与社会文化交融演变的深刻探索。本书旨在为读者提供一个清晰而全面的音乐发展脉络，从古希腊音乐的模糊起源，一路穿越中世纪神圣的格里高利圣咏，历经文艺复兴时期人文主义的觉醒，到达巴洛克时期华丽的炫技与情感爆发，再到古典主义时期的理性与平衡，以及浪漫主义时期个人情感的恣意抒发。 本书的叙事并非孤立地呈现音乐作品，而是将其置于其所处的历史、哲学、宗教、政治以及技术背景之下进行考察。每一时期的音乐风格转变，都与当时社会思潮的变迁、科技的进步（如乐器制造、记谱法的革新）以及音乐家所扮演的社会角色紧密相连。例如，在探讨中世纪音乐时，本书会深入分析教会音乐在当时社会中的核心地位，以及它是如何塑造了早期西方音乐的调性、旋律和组织结构。而在文艺复兴时期，随着世俗音乐的兴起以及印刷术的传播，音乐的传播方式和受众群体发生了怎样的变化，又如何影响了复调音乐的发展，本书将细致地阐释。 进入巴洛克时期，本书将着重分析宏伟的歌剧、协奏曲以及赋格等体裁的诞生与发展，探讨赋格、对位法等音乐技法的精妙之处，以及卡斯楚伊、巴赫等巨匠如何将这些技法推向极致，并注入澎湃的情感力量。随后的古典主义时期，在海顿、莫扎特、贝多芬等作曲家的笔下，音乐达到了新的秩序与理性之美。本书会分析奏鸣曲式、交响曲、弦乐四重奏等体裁的成熟，以及它们如何体现了启蒙运动时期所倡导的清晰、和谐与结构感。 浪漫主义的章节将是本书的重头戏之一。在这里，读者将跟随肖邦、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等作曲家，体验那些超越理性的情感洪流。本书将深入剖析标题音乐、艺术歌曲、交响诗等新兴体裁，分析它们如何承载了作曲家内心深处的孤独、爱恋、乡愁以及对自然与超验的渴望。同时，民族乐派的崛起，如斯美塔那、德沃夏克等，如何在西方音乐的框架内融入本民族的音乐元素，展现出独特的地域风情，本书亦会给予充分的关注。 进入20世纪，音乐的面貌变得更加多元和复杂。本书将梳理印象主义、表现主义、新古典主义、序列音乐等各种风格流派的兴起与演变，分析它们如何挑战传统的调性体系，探索新的音响世界，并尝试回应工业革命、两次世界大战等剧烈社会变革带来的冲击。从德彪西的色彩斑斓，到勋伯格的十二音技法，再到斯特拉文斯基的节奏革命，每一个转变都标志着音乐艺术一次重要的突破与革新。 《西洋音乐史》不仅仅关注宏大的音乐史观，更注重通过对具体作品的深入分析，让读者理解音乐的语言。本书会引用大量的乐谱片段，并进行细致的解读，帮助读者理解和欣赏音乐的旋律、和声、节奏、曲式以及配器等要素。无论是巴赫的精巧对位，还是马勒的宏大交响，抑或是德彪西的微妙色彩，读者都能从中找到清晰的引导。 此外，本书还会探讨音乐家在其时代所面临的挑战与机遇，例如教会、宫廷、贵族、市民阶层等不同赞助人对音乐创作的影响，以及音乐市场、音乐教育的演变。对音乐理论的发展，如和声理论、曲式学等，本书也会有所涉及，帮助读者建立起对音乐创作规律的认识。 本书的目标是让任何对西方音乐感兴趣的读者，无论其专业背景如何，都能在这条漫长的音乐之河中找到自己的航向，理解不同时期音乐所蕴含的精神，并培养独立欣赏音乐的能力。它是一扇窗，透过这扇窗，读者能够洞察西方文明的灵魂脉搏，感受人类情感与创造力的不朽回响。

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坦白说，我本以为这是一本老生常谈的教科书，但阅读下来，发现它的文本充满了活力和对音乐家内心世界的探究。书中对早期民间音乐和宗教音乐的起源部分梳理得尤为扎实，它不厌其烦地追溯了单音音乐如何一步步发展出和声的概念，那些跨越千年的摸索和试错，在作者的笔下被描绘得既艰辛又充满灵性。最让我印象深刻的是，书中对“美”的标准的变迁的讨论——从古希腊追求的和谐比例，到中世纪的虔诚象征，再到启蒙运动对清晰、平衡的推崇，以及浪漫主义对“崇高”与“病态”的迷恋。这不仅仅是一部音乐史，更是一部探讨人类审美情趣变迁的哲学指南，它的叙事节奏张弛有度，深浅得宜，让人欲罢不能，忍不住想立刻去寻找那些被提及的、可能被遗忘的早期录音来印证书中的论断。

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这本关于西方音乐史的著作，从巴洛克时期那个恢弘、严谨的音乐结构讲起，对我这个业余爱好者来说，简直是一次穿越时空的旅程。作者对巴赫和亨德尔那复杂的对位法和清晰的织体分析得入木三分，尤其是在阐述赋格曲的精妙结构时，仿佛能听到那些声部如同精密仪器般交织、追逐，最终汇聚成一股不可抗拒的艺术洪流。我记得有一章专门讲了早期歌剧的兴起，探讨了美第奇家族在佛罗伦萨的赞助如何催生了这种“音乐戏剧”的概念，那种对戏剧性与音乐完美结合的追求，让我对后世歌剧的发展脉络有了更深刻的理解。书中的配图和乐谱片段挑选得极其到位，即便是初次接触古典音乐的人，也能通过这些视觉辅助材料，对当时的音乐形态有一个直观的感受。阅读体验是极其沉浸的，它不仅仅是罗列年代和作曲家，更像是带你走进那个时代的沙龙、宫廷和教堂，去感受音乐是如何作为那个社会精神面貌的载体而存在的。

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令人惊艳的是，本书在处理浪漫主义时期的跨度上展现了极大的视野。它没有仅仅停留在肖邦的钢琴诗篇和瓦格纳的宏大叙事上，而是深入挖掘了民族乐派的兴起，比如德沃夏克如何将波西米亚的民间旋律融入到他那气势磅礴的交响诗中。我尤其欣赏作者对“个人主义”在音乐中体现的分析，从贝多芬晚期那近乎哲学思辨的弦乐四重奏，到李斯特那炫技背后隐藏的对自我灵魂的拷问，都描绘得淋漓尽致。作者在处理不同作曲家风格差异时，所用的语言带着一种近乎诗意的描摹，读起来一点都不枯燥，像是品味不同年份的佳酿。读完这一部分，我立刻去重听了勃拉姆斯的几部室内乐作品，那种既继承了古典主义的理性又充满了浪漫主义的激情和忧郁，在文字的引导下变得前所未有的清晰和立体。

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我对这本书最深刻的印象，是它对待20世纪现代音乐的态度——既不盲目推崇，也不轻易贬低，而是进行了冷静而详尽的“考古”。从德彪西的印象派色彩斑斓的和声语言，到斯特拉文斯基在《春之祭》中爆发出的那种原始的、野性的节奏冲击力，作者都给出了非常具有说服力的解读。我过去对十二音体系和无调性音乐总是感到晦涩难懂，但书中用类比的方式，将勋伯格的体系解释成一种对“平均律”的极端化探索，而不是单纯的“不和谐”，这极大地拓宽了我的欣赏维度。它甚至涉及到了战后先锋派音乐，如序列主义和偶然音乐对传统音乐概念的颠覆，虽然内容略显学术化，但其清晰的逻辑链条，保证了即便是像我这样对这些“实验音乐”持保留态度的读者，也能理解其产生的历史必然性。

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这本书的编排方式非常注重“关联性”而非“时间线性”。它巧妙地将不同时期、不同地域的音乐思想进行对话，而不是简单地按时间顺序罗列。比如，它会把中世纪的格里高利圣咏与后来的复调音乐的萌芽放在一起讨论，强调了宗教对音乐形式塑造的长期影响。此外，作者对音乐社会学层面的探讨也颇具洞见，例如，它分析了黑胶唱片和广播技术如何彻底改变了音乐的传播方式和听众的聆听习惯，使得音乐从一种“现场的仪式”逐步转变为一种“私人化的消费品”。这种宏观的视角，让我看到了音乐史不仅仅是关于音符的演变，更是关于人类文化、技术和社会结构变迁的侧面镜。阅读过程中，我时不时会停下来，思考自己的听歌习惯是如何被这些历史进程所塑造的，这种反思是十分宝贵的。

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古典音乐之前的历史太过繁杂，之后的历史却太简单。图书馆的老书，繁体字版本。不错。

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