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出版者:Flammarion

作者:Louis Marin

出品人:

页数:211

译者:

出版时间:2008-9-1

价格:EUR 10.20

装帧:Poche

isbn号码:9782081217430

丛书系列:

图书标签:

• 视觉转向
• français
• XVII
• Marin,Louis
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• 绘画
• 艺术史
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• 后现代艺术
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• 哲学

档案编号：MN-774A 书名：《时间的褶皱：中世纪欧洲手稿的物质性与意义》 作者： 艾琳·德拉维尔 (Aline Delaville) 出版社： 索邦大学出版社 (Presses Universitaires de la Sorbonne) 出版年份： 2019年 页数： 680页（含大量彩色插图、图表与注释） --- 内容提要： 《时间的褶皱：中世纪欧洲手稿的物质性与意义》是一部深入剖析中世纪（约公元500年至1500年）手稿作为一种复杂物质载体及其所承载的文化、社会和神学意义的学术专著。本书摒弃了传统上将手稿简单视为“文本容器”的观点，而是将其视为一个由有机材料、精湛工艺、特定光照条件和特定使用场景共同构筑的动态实体。作者艾琳·德拉维尔，一位专精于媒介考古学与早期欧洲物质文化史的学者，通过对数十部典范手稿（包括福音书、礼拜用书、法典以及私人祈祷书）的微观分析，揭示了文本、插图、装帧乃至墨水颜料背后的生产史和流通过程。 本书的核心论点在于，中世纪手稿的“意义”并非仅存在于其记录的文字内容中，而是在其物质性（Matérialité）中得到充分体现和协商。手稿的制作过程本身就是一场权力、信仰和技术的角力场。 第一部分：材料的考古学——从原材料到书写平面 本部分详细考察了手稿制作的物理基础。 1. 载体：羊皮纸、牛皮纸与纸张的生态学： 德拉维尔对比了不同动物皮张（特别是绵羊、山羊和犊牛皮）的准备过程，探讨了羊皮纸的韧性、透明度以及对不同类型墨水的吸收差异如何影响最终书写效果。她引入了“动物档案学”的概念，通过对皮张残余物的显微分析，重建了不同修道院抄写室对原材料的选择偏好和经济考量。此外，本书详尽记录了13世纪以来欧洲纸张的引入与本土化过程，以及纸张与羊皮纸在制作成本、抗湿性和持久性上的竞争关系，这直接影响了知识的传播速度和群体。 2. 色彩的炼金术：颜料的起源与象征： 德拉维尔将很大篇幅用于分析手稿中使用的矿物、植物和动物性颜料。她不仅描述了群青（Lapis Lazuli）的昂贵旅程——从中亚矿山到威尼斯港口，再到抄写室的研磨过程——更着重分析了其在特定场景（如圣母玛利亚的描绘）中负载的不可替代的宗教和经济价值。书中包含了对植物染料（如靛蓝、茜草根）提取方法的详细复原尝试，并讨论了这些色彩在不同光照下随时间推移而发生的化学变化，这为我们理解“原初的观看体验”提供了新的视角。 3. 墨水与工具的互动： 书写媒介与工具（羽毛笔、芦苇笔）对笔触的物理表现力的影响被细致考察。通过对不同时期不同地区墨水配方（铁胆墨水、烟黑墨水）的化学分析，作者揭示了抄写员对墨水浓稠度和酸碱度的微调如何影响了字母形态的演变，例如某些地区对“黑体”风格的偏爱如何与特定产地的矿物质墨水相关联。 第二部分：空间与时间的编织——手稿的结构性意义 本部分转向手稿作为三维、可操作对象的意义。 1. 活页的组织与“编目学”： 德拉维尔探讨了活页（Bifolios）的裁切、编号（Catchwords）和装订顺序。她指出，抄写员和装订匠（Ligator）并非被动地接受文本，而是通过物理布局对文本进行了初步的“解释”。例如，通过对早期哥特式圣经中“神圣之光”与“世俗记录”的页边距和留白对比，可以推断出不同功能性文本在修道院等级体系中的地位。 2. 装饰与权力的显现： 插图和装饰性边饰（Marginalia）被视为一种非文本性的修辞工具。本书超越了对主题的简单识别，转而分析了装饰的“密度”与“复杂性”如何反映了赞助人的社会地位和神学旨趣。特别是对手稿中的“图像学程序”——即装饰元素如何引导读者从外在世界（物质性）转向内在世界（精神性）——进行了系统性的研究。她对比了皇家赞助的豪华手稿与修士自行创作的朴素手稿在装饰策略上的根本差异。 3. 阅读的身体性： 读者与手稿的互动被视为一个关键的身体性行为。手稿的尺寸（便携性）、书页的厚度、锁扣（如果存在）的磨损程度，甚至指纹和污渍的位置，都构成了“使用痕迹的档案”。德拉维尔分析了手稿的“手感”和“气味”（通过气味分子残留分析的间接证据），这些感官输入如何影响了中世纪读者对文本权威性的接受度。手稿在弥撒中被高举、在祈祷时被紧握的动作，都被纳入了对意义生产的考察范围。 第三部分：流变与再造——手稿的生命周期 最后一部分关注手稿离开其初始环境后的历史轨迹。 1. 抄写室的经济学与知识产权： 本章利用收入账簿和遗嘱记录，重建了中世纪手稿的成本核算模型，揭示了制作一部豪华手稿所需的巨大投入——包括对工匠的支付、材料的采购乃至抄写员的膳宿。这揭示了知识生产在当时是一种高度资本密集型的活动。 2. 损毁、改写与“二次生命”： 德拉维尔详细研究了手稿被“回收”或“改写”的案例。例如，将旧的或被认为不重要的文本刮去（Palimpsests，羊皮纸的二次利用），以及在文本空白处添加的、反映后世信仰或法律的边注。这些“修改”行为是对历史文本权威性的持续协商，体现了知识在不同历史阶段的动态适应性。 3. 收藏与展示： 从修道院图书馆到私人收藏的转变，手稿的物理容器（装帧）也随之改变。本书探讨了15世纪末期开始出现的“书架陈列”与早期“箱式陈列”的区别，以及这两种展示方式如何影响了手稿的被观看方式和其所象征的学术或精神资本。 结论： 《时间的褶皱》最终论证，中世纪手稿不仅仅是“文学的遗迹”，它们是物质的语言。要真正理解中世纪的信仰、社会结构和知识生产，我们必须从触摸、嗅闻、辨识其材料的层面入手。本书为艺术史、媒介研究、历史语言学以及考古学领域的研究者提供了一个跨学科的分析框架，强调了物质证据在重构过去意义中的核心地位。它提供了一种细致入微、充满感官细节的阅读体验，迫使读者重新审视那些我们习以为常的“古老书籍”的复杂性。 --- 关键词： 羊皮纸学 (Pergamology)、物质文化、中世纪抄写、颜料分析、手稿装帧、图像学、媒介考古学。

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“Détruire la peinture”——这个书名本身就充满了力量感，它仿佛是一声宣告，一种态度。我猜想，这本书可能探讨的是艺术的熵增与熵减，是在不断的解构与重塑中寻找新的秩序。或许它会追溯那些艺术家们是如何通过非传统的方式来处理颜料和画布的，例如故意使用易碎的材料，或是将绘画置于极端环境中，让其自然地发生变化。这种方式，与其说是在“画”，不如说是在“培育”一种与时间共生的艺术品。我好奇书中会如何探讨“破坏”与“生成”之间的辩证关系。是不是在“破坏”的表象之下，隐藏着艺术家精心设计的“生成”逻辑？这种逻辑可能不是我们习惯的线性发展，而是一种有机、随机，甚至带有偶然性的演化过程。这本书或许会带领我们思考，艺术的生命力究竟源于何处？是永恒的完整，还是在不断的消逝与变化中展现的韧性？我期待它能够提供一种全新的视角，让我们摆脱对艺术“永恒性”的执念，去拥抱和欣赏那些在不确定性中绽放的艺术之美。

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当我看到“Détruire la peinture”这个标题时，我立刻联想到了那些大胆的、颠覆性的艺术运动。它让我感觉，这本书可能不仅仅是关于技巧或者理论，而是一种关于艺术生命力的探讨。我猜测，书中或许会深入研究那些艺术家是如何通过“破坏”来挑战观众既有的审美习惯和艺术观念的。这种“破坏”可能不是简单的毁坏，而是一种有意识的、策略性的行为，旨在引发思考，揭示隐藏在表面之下的真相。我期待这本书能够提供一些关于这些艺术家创作背后的动机和哲学思考。他们为什么要选择“破坏”？是为了表达某种社会批判，还是为了探索艺术的边界？“Détruire la peinture”或许也暗示了一种对传统艺术材料和形式的审视，对那些被视为神圣不可侵犯的艺术品进行质疑。我非常希望书中能够探讨这些艺术家是如何在“破坏”的过程中，同时也在“创造”新的艺术意义，让那些被“摧毁”的痕迹，反而成为叙事的一部分。

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“Détruire la peinture”——这书名带着一种决绝的美感，仿佛是艺术创作中一场必不可少的“蜕变”。我的第一印象是，这本书可能在挖掘那些在艺术史的洪流中，那些“不被看见”的艺术实践。我想象，它可能会关注那些被时间侵蚀、被意外破坏、或者被艺术家主动“遗弃”的绘画作品，并从中解读出独特的艺术价值。这种视角很可能非常超前，它挑战了我们对于“完成”和“永恒”的传统认知。或许，“破坏”在这里不是终结，而是一种新的开始，一种让艺术品在时间的长河中获得新的生命力的方式。我期待书中能够提供一种全新的美学观念，让我们重新审视那些看似“残缺”或“不完美”的艺术品，从中发现它们独特的魅力和深邃的内涵。这本书可能会引导我思考，艺术的生命力究竟体现在哪里？是固定的形态，还是在不断的变迁与消逝中展现出的顽强？我希望它能够带我进入一个充满哲学思辨的艺术世界，在那里，破坏与创造并行不悖，时间与物质共同谱写艺术的篇章。

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这本书的书名“Détruire la peinture”实在太引人遐想了。它有一种直接的、甚至是挑衅的意味，仿佛在宣告一种颠覆性的艺术实践。我第一次看到这个名字的时候，脑海里立刻浮现出各种画面：颜料被暴力地刮去，画布被撕裂，色彩在扭曲中寻找新的生命。我想，这本书一定不是一本循规蹈矩的艺术史或者技法指南。它很可能在挑战我们对“绘画”这个概念根深蒂固的理解，探索那些传统艺术所回避的、甚至是被视为禁忌的领域。也许它会深入探讨那些不完美的、破碎的、甚至是“错误”的绘画痕迹，并将它们提升到艺术的殿堂。我期待它能带我进入一个充满未知与惊喜的艺术世界，在那里，破坏本身就是一种创造，而那些被遗弃的、被否定的元素，反而成为了新的表达载体。我迫切地想知道，作者是如何定义“破坏”，又是如何通过这种“破坏”来重塑“绘画”的。这是一种解构，还是一种重塑？是对传统的蔑视，还是对新形式的追寻？无论如何，这个书名本身就拥有强大的吸引力，让我忍不住想要一探究竟，看看这“破坏”背后隐藏着怎样的哲学与美学。

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读到《Détruire la peinture》这个书名，我的第一反应是好奇，紧接着便是浓厚的研究兴趣。我总觉得，在艺术发展的长河中，总有一些艺术家在不断地尝试突破边界，挑战既有的规则和习惯。这个书名，恰恰点出了这种敢于“摧毁”的勇气。我设想，这本书可能会深入剖析那些在艺术史上被边缘化，或者被认为“不够完美”的绘画作品，并从中挖掘出独特的艺术价值。它或许会研究那些因为意外、时间流逝、或是艺术家有意为之而产生的“损坏”，比如画作上的裂痕、褪色的颜料、或是被刮擦过的痕迹，将这些视为具有生命力的元素，而不是需要修复的瑕疵。这种视角非常独特，它挑战了我们对艺术品“完整性”的追求，让我们重新思考“时间”和“损耗”在艺术创作中的作用。我想，这本书会是一次充满智慧的艺术解读，它可能不仅仅是关于绘画本身，更是一种关于存在、关于变化、关于时间与物质之间关系的哲学思考。我非常期待书中能够引用一些具体的艺术案例，通过对这些“被破坏”的作品进行细致的分析，来阐述作者的观点。

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