目连戏研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:南京大学出版社

作者:朱恒夫

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993

价格:7.8元

装帧:

isbn号码:9787305018824

丛书系列:

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• 目连戏
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《中国传统戏曲的流变与嬗变：从宫廷雅乐到民间百戏》 内容提要 本书旨在深度剖析中国传统戏曲自萌芽至成熟，乃至在不同历史阶段所经历的复杂流变与深刻嬗变。它不仅是一部戏曲史的梳理，更是一部社会文化史的侧影。全书以宏大的视野和扎实的考据，勾勒出中国戏曲艺术在长达两千余年的发展历程中，如何适应政治更迭、经济发展、思想变迁以及地域文化的冲击，完成从单一仪式性表演到多元综合性舞台艺术的艰难转型。 第一章：戏曲的史前形态与萌芽期（先秦至唐初） 本章追溯中国舞台艺术的源头。从先秦时期的“歌舞”与“百戏”，考察其在祭祀、朝会中的象征意义与功能。重点探讨汉代的“角抵戏”与“杂技化”倾向，揭示其娱乐属性的初步觉醒。隋唐时期，吸收了大量外来文化元素的“参军戏”被视为戏曲的第一个成熟形态。我们详细分析了“参军戏”的表演结构——以“参军”与“苍鹘儿”为核心的人物设定，如何确立了民间戏曲中“科白相生”的对话模式，并初步形成了“丑行”的雏形。这一阶段的艺术实践，为后世戏曲的“文戏”和“武戏”分科埋下了伏笔。 第二章：宋金杂剧的定型与商业化浪潮 宋代是戏曲史上承前启后的关键时期。随着城市经济的繁荣和市民阶层的壮大，戏曲开始脱离宫廷，成为成熟的商业化娱乐形式。本章详述“宋杂剧”的兴起，特别是“诸宫调”作为成熟唱腔的出现，标志着音乐与文学的深度融合。 重点深入研究了金代“杂剧”的成熟过程。以关汉卿、王实甫等元曲大家的出现为标志，金院本的成熟使其具备了相对固定的“四折一楔子”结构。我们将考察这一结构如何平衡叙事性与音乐性，并分析不同剧目如《窦娥冤》中对社会现实的批判力度，以及《西厢记》中对爱情自由的讴歌，如何反映了宋金时期社会思潮的涌动。 第三章：元曲的鼎盛与南戏的勃兴：南北戏剧格局的形成 元代，以大都为中心的北方杂剧达到了古典戏曲的巅峰。本章不仅回顾了元曲在文学上的巨大成就，更关注其在舞台实践中的规范化。我们探讨了“正末/正旦”行当的演唱地位，以及“板式”在音乐结构中的核心作用。 与元杂剧的辉煌并驾齐驱的是南方戏曲——南戏（温州戏）的持续发展。南戏以其更加自由奔放的音乐体系和更贴近市井生活的题材著称。本章将对比元杂剧的典雅与南戏的活泼，分析两者在“曲牌”运用上的差异，以及南戏对后世昆曲等“雅部”戏曲的影响。 第四章：明清易代：昆曲的兴盛与“雅化”倾向 明代中后期，以张扬烈、汤显祖为代表的文人深度介入戏曲创作，催生了“昆山腔”（昆曲）。本章详细论述了昆曲的艺术特征：其以“水磨腔”为核心的细腻唱法，对伴奏乐器的精致要求，以及在服饰、舞台调度上追求的“典雅”与“意境”。 我们探讨了昆曲的“雅化”过程如何使其逐渐脱离市井大众，转向士大夫阶层和上层贵族。同时，明末清初，以“花部”为代表的民间戏曲（如弋阳腔、徽班）并未停滞，它们在地域性、音乐的通俗性和表演的火爆性上，形成了对昆曲的有力挑战与制衡。 第五章：清代“花部”的崛起与京剧的最终定型 本书的重点之一是清代中后期戏曲的权力转移。随着昆曲在道光、咸丰年间的衰落，以徽班、汉调等地方声腔为主体的“花部”艺术开始占据舞台主流。本章详述了乾隆年间“四大徽班进京”的历史事件，以及“花部”如何吸收、融合了包括昆曲在内的前代精华。 深入分析了京剧（徽汉合流后形成的剧种）在道光、咸丰年间如何通过“徽汉合流”和对“武戏”的强化，成功塑造出以“生旦净丑”为核心的四大行当体系。重点剖析了京剧在表演程式（如“手、眼、身、法、步”）上的高度凝练，以及其在道光年间“京腔京韵”的最终确立，标志着中国传统戏曲在形式上的集大成。 第六章：地域戏曲的繁荣与地方特色的生态位 传统戏曲绝非铁板一块。本章从宏观视角转向微观研究，考察了中国各地丰富多彩的地方戏曲生态。我们选取了川剧、粤剧、秦腔、河北梆子等具有代表性的剧种进行个案分析。 研究聚焦于这些地方戏曲如何在其特定的地理环境、方言系统和民间信仰的影响下，形成了区别于京剧和昆曲的独特审美取向——例如秦腔的粗犷、粤剧的细腻繁复、川剧的变脸绝技。这些“花部”剧种的生命力，恰恰在于它们对本土文化的深刻植根，维持了中国舞台艺术的多元化格局。 结语：传统戏曲艺术的当代价值与挑战 本书最后总结了中国传统戏曲艺术在漫长历史中体现出的强大生命力——即“写意”的艺术精神和“综合性”的舞台特征。面对现代化的冲击，传统戏曲如何进行创造性转化，在继承经典的同时，拓展其在当代社会中的文化传播路径，是每一位戏曲研究者和艺术实践者必须面对的课题。本书旨在为理解传统戏曲的“前世今生”提供一个坚实的、多维度的历史坐标。

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我花费了大量的精力去阅读和消化书中的图文并茂的部分——那些珍贵的历史照片和手绘的场景图录。这些视觉材料绝非简单的插图点缀，它们是文本论证的有力佐证，甚至是独立于文字之外的叙事线索。有些老照片的清晰度和保存状态令人惊叹，仿佛能透过纸张触摸到那个逝去的年代的烟火气。作者对这些图像的解读也极具洞察力，不仅仅停留在“这是什么”的表层描述，而是深入挖掘了图像背后的社会权力结构和仪式功能。这种图文互证的方式，极大地增强了论述的说服力和代入感，让读者能够真切地感受到研究对象曾经鲜活的存在状态，而不是仅仅停留在抽象的概念之中。

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与其他同类研究著作相比，这本书最令人耳目一新的是其理论框架的创新性。作者似乎成功地借用了某种跨学科的分析工具，将一个看似传统或地方性的研究对象，置入了一个更广阔的、具有普适性的理论视角下进行审视。这种“借力打力”的手法，让原本略显陈旧的议题焕发出了新的生命力。特别是在讨论文化传承的动态过程时，书中提出的模型非常具有启发性，它清晰地展示了社会变迁如何潜移默化地重塑艺术形式，而艺术家们又如何在不自觉中成为历史的载体。我甚至开始思考，这种分析方法是否可以迁移到其他看似不相关的文化研究领域中去，这种思维的激活，才是阅读学术著作最大的收获。

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书中对于某一特定文化现象的剖析，简直像外科手术般精准和透彻。我印象特别深刻的是关于地域性变体的那一章，作者并没有采取一概而论的写法，而是细致入微地比较了相邻区域之间表演形式的细微差别——比如道具的使用习惯、音乐调式的微妙偏移，甚至是演员的面部表情管理，都上升到了文化符号层面进行解读。这种对细节的执着，充分展现了“差之毫厘，谬以千里”的学术精神。读到此处，我不得不停下来，对照着书后的注释和参考书目，去追溯作者的论证源头，每次回溯都发现一个新的知识盲点被巧妙地填补了。这不只是一本书，更像是一份详尽的田野调查报告的精华提炼。

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这本书的装帧设计实在是太引人注目了，那种略带古朴又兼具现代感的排版，光是放在书架上就成了一道风景。拿到手里能感受到纸张的质感，厚实而富有韧性，翻阅时的沙沙声仿佛带着历史的余韵。我尤其喜欢封面那一抹深邃的墨绿色，搭配着烫金的书名，显得低调而有内涵。内页的字体选择也非常考究，字号大小适中，间距恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。装帧的精良程度，足以看出出版社对这本书内容的重视，这无疑提升了阅读体验的门槛，让人在尚未深入文本之前，就已经对即将展开的知识旅程充满了期待和敬意。这本书的实体书本身，就是一件值得收藏的艺术品。

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初读这本专著的绪论部分，我立刻被作者那严谨而充满热情的学术态度所吸引。行文的逻辑链条异常清晰，从宏观的背景梳理到微观的个案分析，层层递进，没有丝毫的跳跃感或含糊之处。作者似乎对所研究的领域有着深入骨髓的理解，他不仅梳理了前人的研究成果，还毫不保留地指出了现有研究中的空白与不足，这种直面学术难题的勇气和诚恳，是真正优秀的学者才具备的品质。在梳理某个特定历史阶段的文献资料时，作者引用的史料广度令人赞叹，从地方志到民间口述，跨越了不同的信息源头，构建了一个立体且多维度的叙事框架。这使得我对整个研究主题的复杂性和深度有了初步的认识，它远非表面看起来那么简单。

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细致讲述了目连戏的起源发展，甚至提到《东京梦华录》等对目连戏的记录，很完备，文本叙述也不晦涩，入门看比较适合~

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超好看！

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细致讲述了目连戏的起源发展，甚至提到《东京梦华录》等对目连戏的记录，很完备，文本叙述也不晦涩，入门看比较适合~

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