清代戏曲史编年 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:454

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出版时间:2008-12

价格:30.00元

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isbn号码:9787807522959

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• 戏曲
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《明代戏曲流变考：从散曲到传奇的兴衰》 引言： 中国戏曲艺术拥有悠久的历史和辉煌的成就，而明代（1368—1644年）无疑是戏曲发展史上的一个重要转折点与高峰期。这一时期，中国古典戏剧的体裁、内容、表演形式以及理论建树都达到了前所未有的高度。本书旨在系统梳理和深入探究明代戏曲艺术从元末余绪中勃发，经历中早期探索与定型，至晚期走向成熟与鼎盛的全过程，并侧重分析不同地域、不同流派之间的互动与影响，特别是新兴的城市剧场文化如何催生了诸多经典作品的诞生。 第一部分：元末遗风与明初的奠基（约1368—1450年） 明朝建立之初，统治者对元代留下的杂剧（元曲）持审慎态度，社会环境经历了一段调整期。然而，戏曲的生命力并未衰减，而是以新的面貌在民间和文人阶层中继续孕育。 一、 杂剧的余光与昆腔的萌芽： 本章首先考察元末诸如关汉卿、王实甫等大家的作品在明初的流传与影响，分析其在新的政治环境下所受到的接受差异。重点关注“南戏”在江南地区的持续生命力。南戏（温州戏）的演出传统、剧目结构以及对后世传奇的影响是这一阶段不可忽视的基石。我们详细辨析了早期南戏剧本的抄本与刊刻情况，指出其口语化和生活化的特点。 二、 早期文人的介入与体制的构建： 随着永乐迁都和中叶稳定，士大夫阶层对文学娱乐的需求日益增长。明初的戏曲创作，呈现出雅化和规范化的趋势。例如，一些士人开始模仿元曲，但其题材和语言风格已明显带有明代文人的清雅之气。本节深入分析了这一时期宫廷与民间戏班的互动模式，以及戏曲在官方庆典中的作用，为后来的“传奇”体裁定型积累了经验。 第二部分：中明戏曲的成熟与两大主流的确立（约1450—1550年） 中明时期是明代戏曲艺术结构性转变的关键阶段，标志着“传奇”体裁的正式确立和昆山腔的崛起。 一、 传奇体的定型与美学特征： 本章详述了“传奇”相对于元杂剧在结构、板式、角色行当、乃至韵律规范上的重大革新。传奇对音乐性的极致追求，使得“曲牌”的运用更加复杂精细，对演员的唱功提出了更高要求。我们以现存早期传奇剧本为例，解析了其“一韵到底”的规范化对叙事节奏的影响。 二、 昆山腔的诞生与传播： 昆山腔，亦称昆曲，是明代戏曲史上最重要的里程碑。本节详细考察了以梁宸音、魏良辅为代表的艺术家如何对南戏的曲调进行“改良”和“典雅化”的过程。这种改良是如何从苏州地区开始，吸收了民间音乐元素，最终形成一套具有高度程式化和抒情性的声腔体系的。我们对比分析了昆曲与当时的北方弋阳腔在声腔美学上的差异，指出昆曲的成功，本质上是文人品味与精湛技艺结合的产物。 三、 地域性剧派的勃兴： 除了昆曲的中心地位，本部分也关注了其他地域性声腔在这一时期的发展。弋阳腔在江西一带的流行，以其粗犷、热烈的风格与昆曲形成鲜明对比，展示了明代戏曲艺术的多元面貌。对弋阳腔演出形态、与民间信仰的结合方式进行了细致的田野式考察。 第三部分：晚明戏曲的巅峰与世情百态（约1550—1644年） 晚明是戏曲创作和演出的黄金时代，市民阶层力量的壮大、商业经济的繁荣，直接推动了戏曲内容从神怪传奇向世情人情的深化。 一、 汤显祖与“临川四梦”的文学成就： 汤显祖无疑是明代戏曲的巅峰人物。本章集中分析了汤显祖如何突破传统传奇的藩篱，将儒家的“情”学理论融入戏剧创作。《牡丹亭》的出现，不仅在艺术上达到了空前的抒情高度，更在思想上对封建礼教构成了含蓄而有力的挑战。我们通过文本细读，探讨了“情不知所起，一往而深”这一核心美学思想的实践。 二、 “四大声腔”的并峙与商业化： 晚明时期，戏曲不再仅仅是文人案头之物，而是成熟的商业演出产品。四大声腔——昆山腔、弋阳腔、梆子腔和高腔（或称乱弹）——在市场上并驾齐驱。本节重点分析了戏班的组织结构、剧本的出版与流通（如“戏馆”与“书坊”的合作），以及剧本在印刷过程中如何不断被修改和适应市场需求。 三、 “戏曲小说”与文人贬低现象的并存： 随着戏曲的普及，大量剧本被改编为通俗小说，如《西厢记》《金瓶梅》中的戏曲段落引用等。然而，戏曲的商业化和通俗化也引来了以吴伟业为代表的士大夫的批评，认为其“下流”。本章辩证地看待了这种现象，认为这是文化精英与大众审美冲突的必然结果，同时也推动了戏曲理论的进一步发展，即区分“案头欣赏”与“台上演出”的需求。 结论：从兴盛到转折 明代戏曲的辉煌成就，为清代戏曲的继承和发展奠定了坚实的基础。本书总结了明代戏曲在声腔音乐化、结构复杂化、题材世俗化方面的贡献。它不仅仅是一种文学形式的成熟，更是一种深刻反映社会文化变迁的艺术载体。明末的繁荣与最终的衰落（为清初的政治钳制与声腔的再度融合埋下伏笔），构成了中国古典戏剧史上最为绚烂而复杂的一页。本书试图通过梳理这些脉络，让读者全面认识明代戏曲在艺术史上的独特地位与历史价值。

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这本厚重的书，在装帧和排版上可见匠心。纸张的质感温润，即便是反复翻阅，也十分舒适。内容编排上，虽然是大事记式的编年体，但作者巧妙地加入了大量的“专题侧记”来打破单调。例如，在记录某次大型戏曲科班成立的年份，会插入一两页关于当时戏服、化妆品制作工艺的专门介绍，这种穿插既丰富了视觉体验，也让读者对当时的物质文化有了更具象的认知。我特别欣赏其中对一些重要戏曲理论家论著的整理与评述部分，作者的总结精炼而到位，没有陷入无谓的文本重复，而是直指其理论核心与历史局限性。读完后，我感到不仅仅是收获了知识，更像完成了一次对清代艺术史料的密集考察，收获了大量可供进一步研究的线索和方向。

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初读此书，最直观的感受是其在史料搜集上的“偏执”与“考据”的严谨。这并非一本轻飘飘的通史概述，而是沉甸甸的“编年体”实录。作者似乎将每一个重要的戏曲事件、每一次重要的演出更迭，都像打磨宝石一样精心地镶嵌到了时间的长河之中。对于像我这样，对具体历史节点和时间脉络特别敏感的读者来说，这种编年体的结构简直是福音。它清晰地勾勒出了从康乾盛世到晚清衰微，戏曲艺术如何一步步适应或抗拒时代洪流的轨迹。书中对某一特定年份，某个地方戏班子在地方官员支持下，如何进行体制改革的细节描写，我找遍了其他资料也未曾见过如此详尽的记载。这种对“孤本”或“冷门”史料的发掘与运用，极大地提升了本书的学术价值。读完后，我对清代戏曲史的理解不再是模糊的片段，而是一张相互咬合、逻辑自洽的精细时间网。

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这部著作的篇幅之宏大，令人望而生畏，其对清代戏曲兴衰的梳理，简直是一部百科全书式的总览。开篇对早期声腔的源流追溯，细致入微，将昆曲、弋阳腔等不同剧种在特定历史时期的交融与碰撞描摹得淋漓尽致。尤其值得称道的是，作者对宫廷戏班和民间戏园子生态的对比分析，展现了清代戏曲艺术在不同社会阶层中迥异的生存状态与审美取向。书中对具体剧目文本的节选与赏析，也颇具洞察力，而非流于表面的辞藻堆砌。比如，对某位著名戏班领袖的生平描述，不仅关注其艺术成就，更深入挖掘了其背后的政治经济环境对其创作思路的影响，使得整部作品具有深厚的历史厚度。阅读过程中，我仿佛置身于那个繁华而又充满变数的时代剧场之中，耳畔依稀可闻锣鼓点与婉转唱腔的交织，那种沉浸感是许多同类著作难以比拟的。作者的叙事逻辑清晰，尽管内容繁复，但脉络始终井然有序，引人入胜。

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坦白讲，这本书的阅读体验是需要投入精力的，它不适合走马观花式的浏览。它的语言风格沉稳内敛，带着浓厚的古典学术气味，偶尔夹杂着一些近现代学术术语，使得初涉此领域的读者可能会感到一定的门槛。然而，一旦跨过最初的障碍，便会发现其深邃的魅力所在。作者在论述乾隆时期戏曲审美趣味的转向时，引用了大量的奏折和私人信函，这些一手资料的运用，极大地增强了论证的说服力。他不仅仅是在描述“发生了什么”，更是在探讨“为什么会这样发生”。特别是关于“花部乱弹”在民间兴起与官方“雅部”之间的张力，作者以一种近乎社会学的眼光进行了剖析，揭示了艺术形式背后的阶层固化与流动尝试。对于希望深入了解清代社会文化肌理的读者而言，这本书提供了绝佳的切入口，让人领悟到戏曲艺术是如何成为那个时代社会情绪的晴雨表的。

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与其说这是一部历史书，不如说是一部“清代梨园风云录”。作者的笔触并非总是冰冷客观的史学家，有时，尤其在描述那些被历史尘封的伶人传奇时，流露出一种深沉的同情与赞叹。书中对晚清时局下，戏班如何应对时事变化、如何将政治隐喻巧妙地融入表演以求自保的叙事，读来令人唏嘘。那些关于特定伶人如何“一鸣惊人”或“黯然退场”的侧写，虽然是基于史料的重构，但其叙事张力极具画面感，仿佛能看到舞台上光影的变幻与台下观众的窃窃私语。这种将宏大历史叙事与个体命运紧密结合的处理手法，使得原本可能枯燥的编年体变得有血有肉，充满了戏剧性的张力。这是一部既能满足严谨学者的考据需求，又能吸引对民间故事和人物传记感兴趣的普通读者的佳作。

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补充史料，也许日后会用上

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