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出版者:

作者:田志平

出品人:

页数:257

译者:

出版时间:2009-1

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787503936333

丛书系列:

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《古韵流芳：昆曲百态》 内容简介 《古韵流芳：昆曲百态》是一部旨在深度挖掘和呈现中国戏曲瑰宝——昆曲独特魅力与深厚底蕴的专著。本书并非简单罗列昆曲的剧目或历史年表，而是力求从多角度、多层次地解读这一被誉为“百戏之祖”的古老剧种，为读者提供一个全面而生动的昆曲世界。 一、 昆曲的艺术渊源与美学追求 本书开篇即深入探讨昆曲的艺术源头。从其孕育自元代南北曲的土壤，到明清时期逐渐成熟并风靡全国的历程，本书梳理了昆曲在历史长河中的发展脉络，分析了不同时期昆曲在音乐、唱腔、表演、服饰等方面的演变与创新。重点在于阐释昆曲“始于词，善于念，工于曲，精于唱”的美学理念，以及其“情、景、理”高度融合的艺术特征。 音乐与唱腔的精妙分析： 昆曲的音乐是其灵魂所在。本书将详细剖析昆曲独特的唱腔体系，如“宫调”、“曲牌”、“板式”等基本概念，并以具体曲目为例，生动展现其“唱念俱佳”、“字正腔圆”、“声情并茂”的演唱技巧。书中会涉及到不同行当（如生、旦、净、丑）的唱腔特点，以及它们如何通过旋律、节奏、韵律的变化来塑造人物性格、抒发内心情感。例如，在分析一段旦角唱腔时，我们会关注其婉转细腻的声线如何勾勒出少女的娇羞，或其悠扬清越的唱腔如何表现出女性的坚韧。在剖析老生唱腔时，则会着重解读其沉稳厚重的嗓音如何传递出人物的智慧与阅历。 表演程式的艺术魅力： 昆曲的表演以“歌、舞、念、打”四功为基础，注重身段的优雅、动作的精准与情感的传达。本书将细致解读昆曲表演中那些经过千锤百炼的程式化动作，如“一桌二椅”的写意手法，以及眼神、手势、步伐等微小之处所蕴含的丰富信息。我们会通过图文并茂的方式，展示不同角色的经典亮相、身段组合，并分析这些程式化的表演如何超越具体情境，凝练出普遍的情感体验，达到“形神兼备”的艺术境界。比如，一段表现离愁别绪的舞段，其舒缓的动作、低垂的目光，如何将无声的悲伤渲染得淋漓尽致。 美学风格的独特气质： 昆曲被誉为“水磨调”，其细腻、婉约、抒情的美学风格是其显著特征。本书将深入探讨这种“闲雅”、“冲淡”、“含蓄”的美学追求，分析其如何体现在剧目的选择、人物的塑造、舞台的呈现等各个方面。我们将对比分析昆曲与其他剧种在美学风格上的差异，从而凸显昆曲独特的艺术气质，以及这种气质所带来的审美感受。 二、 经典剧目赏析：跨越时空的生命力 本书将精选多部昆曲经典剧目进行深度剖析，从剧本、唱词、人物、表演等多个角度进行解读，展现这些历久弥新的作品所蕴含的艺术价值与思想内涵。 《牡丹亭》：梦与现实的交织 文本分析： 详细解读汤显祖《牡丹亭》的文学成就，包括其浪漫主义的诗意语言、对人生与爱情的深刻哲思，以及其在昆曲舞台上的经典改编。 人物解读： 深入剖析杜丽娘、柳梦梅、春香等主要角色的性格特征、情感发展，以及他们如何通过昆曲的唱腔与表演得以立体呈现。 唱段鉴赏： 精选《皂罗袍》、《惊梦》、《寻梦》等经典唱段，分析其曲词的意境、唱腔的设计，以及演唱时如何将人物的内心活动与情感波动完美表达。 《长生殿》：盛衰与情感的史诗 历史背景与艺术创作： 梳理洪昇创作《长生殿》的历史背景，分析其将唐明皇与杨贵妃的爱情故事与盛唐的兴衰命运相结合的艺术匠心。 人物命运的悲剧色彩： 探讨唐明皇、杨贵妃在爱情与家国责任之间的挣扎，以及其悲剧命运所引发的深刻反思。 经典唱段解读： 选取《惊变》、《埋香》、《回禄》等具有代表性的唱段，剖析其音乐旋律的变化如何呼应剧情的起伏，以及演员如何通过演唱传达人物内心的复杂情感。 《玉簪记》：才女命运的曲折 人物形象的塑造： 深入分析陈妙常这一才女形象的内心世界，她对自由爱情的向往与在封建礼教下的挣扎。 情感纠葛的细腻呈现： 探讨陈妙常与潘必正之间缠绵悱恻的爱情故事，以及昆曲如何通过含蓄而深情的表演方式将其表现出来。 唱词与唱腔的艺术融合： 分析《寄生》、《访梦》等唱段中，唱词的精炼与唱腔的婉转如何共同营造出凄美动人的艺术效果。 其他经典剧目： 除上述重点剧目外，本书还将对《西厢记》、《桃花扇》、《拜月亭》、《赵氏孤儿》等其他重要的昆曲经典剧目进行适度的介绍与赏析，力求展现昆曲剧目题材的丰富多样性。 三、 昆曲的传承与发展：新时代的生机 在介绍昆曲的艺术成就的同时，本书也关注昆曲在当代的生存与发展状况。 濒危与保护的现状： 探讨昆曲作为世界非物质文化遗产所面临的挑战，如传承人断层、观众群体老龄化等问题。 当代昆曲的创新与突破： 关注当代昆曲艺术家在守正创新方面所做的努力，包括新剧目的创作、传统剧目的现代演绎、跨界合作等，分析这些尝试为昆曲注入的新活力。 观众的培养与普及： 探讨如何通过教育、推广活动等方式，吸引更多年轻观众走进剧场，了解和喜爱昆曲。 未来的展望： 对昆曲的未来发展进行思考与展望，强调在保护中传承，在传承中发展的重要性。 四、 附录与延伸阅读 为方便读者进一步了解昆曲，本书还将包含相关的附录内容，如： 昆曲常用术语解释： 帮助读者理解昆曲表演、音乐、剧目等方面的专业词汇。 重要昆曲艺术家介绍： 简要介绍历代重要的昆曲表演艺术家及其艺术成就。 推荐阅读书目与影像资料： 为有兴趣深入研究昆曲的读者提供进一步的学习资源。 结语 《古韵流芳：昆曲百态》旨在成为一本既具学术深度，又富于可读性的昆曲入门与进阶读物。它希望通过对昆曲艺术的细致解读，让读者领略到这一古老剧种的精致、典雅与深沉，感受到其跨越时空的艺术魅力，并从中获得美的享受与文化的熏陶。本书相信，在深入了解其精妙之处后，每一个读者都能从中找到与古老旋律对话的共鸣，体会到昆曲“情不知所起，一往而深”的永恒力量。

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初捧此书，便被其厚重与典雅的气质所吸引。封面设计如同一幅徐徐展开的工笔画，将京剧旦角的精美头面与华丽戏服描摹得淋漓尽致，光是看着，仿佛就能闻到那舞台特有的脂粉香气与历史的沉淀感。我本是略懂皮毛的戏迷，对京剧的喜爱更多停留在“听个热闹”的层面，那些行腔转韵中的精微之处，总感觉隔着一层纱看不真切。这本书的排版极为考究，纸张的质感也上乘，让人爱不释手。我尤其欣赏它对于不同流派创始人传记部分的叙述方式，没有采用枯燥的年表罗列，而是穿插了大量鲜活的舞台轶事和对手戏的精彩片段，仿佛让我置身于那个梨园风华正茂的年代，亲眼目睹了程派的幽咽婉转、荀派的轻盈灵动是如何在舞台上初次绽放光芒的。虽然我还没有深入研读每一个章节，但仅凭其外观和引言部分的文字功底，就能预感到这绝非一本泛泛而谈的普及读物，而是一部用心雕琢的、值得反复品味的艺术志。它成功地架起了一座桥梁，让像我这样心存敬畏却又缺乏系统知识的爱好者，能够踏入那座艺术殿堂的门槛。

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令我感到意外的是，书中对于“舞台调度与声腔的配合”这部分内容的探讨，其深度远超我的预期。我原以为这会是一本纯粹的“听觉”训练手册，但它却深入到了视觉与听觉的交融艺术。作者用极具画面感的语言，描述了当演员在特定位置，配合特定的手眼身法步时，声音如何被空间反射和舞台灯光所烘托，从而达到“声、色、艺”三位一体的震撼效果。比如，它分析了在“碰头”或“对枪”的激烈场面中，演员如何通过微调气息的强弱和音色的亮度，既要保证声音的穿透力，又要表达人物内心的冲突与挣扎。这种跨领域的分析，使得整本书的理论体系异常饱满和立体。读完这一章，我迫不及待地去重温了经典剧目的影像资料，那些过去只是“看戏”的瞬间，此刻在我的脑海中被赋予了全新的、被解码的听觉意义，仿佛重新学习了如何用耳朵“观看”京剧。

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翻开内页，最先吸引我的是其对“板式”与“腔韵”的解析部分。我过去听戏，常常能分辨出这是西皮还是二黄，但至于它们在不同剧目中如何根据人物心境和剧情需要进行细微的变奏和调性的拿捏，实在是一头雾水。这本书的处理方式可谓是化繁为简，又寓深奥于平易。它没有堆砌晦涩的专业术语，而是巧妙地引入了乐理中的“和弦”与“节奏型”概念，并结合具体的唱段进行对比示范。我印象深刻的是关于“哭腔”的细致描述，作者似乎用尽了所有的文字技巧，去描摹那份从胸腔深处挤压出来的、带有叙事性的哀伤。读到“一字一泪，一腔一叹”时，我不禁停下笔来，脑海中立刻浮现出某位名家的经典演绎场景，那份共鸣感是如此强烈，仿佛作者洞察了我对京剧艺术的全部向往与困惑，并一一给予了解答。这本书的魅力在于，它能让你在理解理论的同时，立刻将其与你脑海中那些经典的旋律连接起来，实现真正的“知音”体验。

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整本书读下来，给我最深刻的感受是其文字本身所蕴含的一种古典美学气质。它的遣词造句，既有文人的雅致，又不失梨园行话的生动与精准。比如，作者在描述某个高难度技巧时，会用“如玉石相击，清脆而不失温润”来形容，这种比喻既传神又充满诗意，极大地提升了阅读的愉悦感。它并非那种生硬的、教学导向的教科书，更像是一位技艺精湛的前辈，耐心地拉着你的手，在你耳边轻声细语地传授经验。阅读过程中，我发现自己不自觉地放慢了速度，生怕错过任何一个精妙的措辞。这本书的价值不仅仅在于它教授了多少京剧知识，更在于它成功地培养了读者一种“细听”和“深品”的艺术态度。它让人明白，京剧的魅力并非一蹴而就，而是千锤百炼、代代相传的文化积淀，值得我们以最虔诚的心去对待和欣赏。这本书，无疑是为每一个渴望真正走进京剧艺术世界的人，准备的一份厚礼。

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这本书的编排逻辑体现出一种高超的结构掌控力。它没有拘泥于传统的“声腔”或“表演”的简单二分法，而是采用了一种螺旋上升的叙事结构。初期铺陈的是历史背景与主要行当的概貌，这为不熟悉京剧历史的读者打下了坚实的基础。随后，笔锋转向具体的“味儿”——如何辨识不同流派的“韵”与“派”。我特别喜欢它对“念白”艺术的独立章节论述。在许多入门读物中，念白常常被视为唱腔的附属品，但本书却将其提升到了与唱腔同等重要的地位，并详细分析了“韵白”、“京白”的差异，以及在不同场景下如何通过气口和腔调的变化来塑造人物的性格深度。这种细致入微的观察，显示出作者绝非纸上谈兵，而是浸淫其中多年的大家。阅读过程中，我常常需要对照着老录音来反复品味作者所描述的细节，每体会一分，对舞台艺术的敬畏感便增加一分。这不只是一本书，更像是一本充满引导性的“听戏指南”。

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前半部分比较适合小白，虽然可以百度到，但在书里看总觉得更规整些，反正我觉得蛮有用，解决了很多我的疑惑。后半部分就很鸡肋了，有效用的部分大概50页吧

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