The Music of Benjamin Britten (Clarendon Paperbacks) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Peter Evans

出品人:

页数:602

译者:

出版时间:1996-06-27

价格:USD 95.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780198165903

丛书系列:

图书标签:

• Britten
• Music
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本杰明·布里顿的音乐世界 本杰明·布里顿（Benjamin Britten，1913-1976）是20世纪最杰出的英国作曲家之一，他的音乐以其深邃的情感、精湛的技艺以及对戏剧性叙事的独特把握而闻名于世。布里顿的创作领域极为广泛，涵盖了歌剧、管弦乐、室内乐、声乐作品以及合唱曲，几乎触及了所有重要的音乐体裁。他的作品不仅在英国本土产生了深远的影响，也在国际乐坛上赢得了崇高的声誉，至今仍被世界各地的乐团和演唱家广泛演奏和研究。 早期生涯与音乐启蒙 布里顿出生于萨福克郡（Suffolk）洛斯托夫特（Lowestoft）一个中产阶级家庭，父亲是一位牙医，母亲则是一位业余歌手，对音乐有着浓厚的兴趣。这种家庭环境为布里顿的音乐天赋提供了早期沃土。他自幼便展现出惊人的音乐才能，五岁开始学习钢琴，七岁开始学习中提琴，并展现出非凡的作曲天赋。他很早就开始尝试作曲，其早期的习作就已经显露出独特的个性和对音乐形式的敏锐感知。 1927年，年仅14岁的布里顿进入温彻斯特公学（Winchester College）学习，在那里他得到了更专业的音乐指导，并接触到了更广泛的音乐文献。他的音乐老师乔治·格里菲思（George Grefifths）给予了他极大的鼓励和支持，并为他提供了宝贵的创作实践机会。在温彻斯特公学期间，布里顿创作了大量的室内乐作品，其中包括他的第一部弦乐四重奏，这标志着他创作生涯的正式开启。 1930年，布里顿进入伦敦皇家音乐学院（Royal College of Music）深造，师从著名作曲家约翰·爱尔兰（John Ireland）和戈登·普莱斯（Gordon Jacob）。在皇家音乐学院的学习经历，不仅使布里顿的作曲技法得到了进一步的锤炼，也使他接触到了一系列20世纪的先锋音乐思潮，如新古典主义（Neoclassicism）和十二音体系（Twelve-tone technique）。然而，布里顿并未完全被任何一种风格所束缚，他逐渐形成了自己独特而包容的音乐语言，善于将古典主义的清晰结构与现代音乐的和声色彩巧妙地融合。 早期的重要作品与国际声誉 布里顿的早期作品，如《青年管弦乐团指南》（The Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34, 1946）和《彼得·格赖姆斯》（Peter Grimes, Op. 33, 1945），为他赢得了国际声誉。 《青年管弦乐团指南》是为了一部教育电影而创作的，乐曲以帕格尼尼（Niccolò Paganini）一首主题为主题，通过一系列精心设计的变奏，逐一介绍管弦乐队中不同乐器家族的音色和演奏特点。这首作品不仅是音乐教育的经典教材，也是一首充满活力和趣味性的管弦乐作品，充分展现了布里顿对管弦乐法的精湛掌握。 《彼得·格赖姆斯》是布里顿的成名作，也是20世纪最重要和最常演出的英国歌剧之一。该剧取材于乔治·克拉布（George Crabbe）的叙事诗，故事发生在东英吉利（East Anglia）的海边渔村，描绘了一个孤独、与世隔绝的渔夫彼得·格赖姆斯，他在社会环境的压迫和自身的性格缺陷下，走向了悲剧的结局。布里顿在《彼得·格赖姆斯》中，成功地将戏剧冲突、人物心理刻画以及具有浓厚地方色彩的音乐风格融为一体。他通过运用丰富的和声、生动的旋律以及对戏剧节奏的精准把握，成功地塑造了饱受争议但又令人同情的悲剧主人公。歌剧中的合唱段落尤其令人印象深刻，它们既描绘了渔村居民的群体形象，也反映了社会舆论的压力和对个体命运的无情审判。 歌剧创作的巅峰 布里顿被誉为“20世纪最伟大的歌剧作曲家之一”，他的歌剧作品不仅在数量上可观，更在艺术成就上达到了极高的水平。他对舞台的戏剧性有深刻的理解，能够将音乐、文本和戏剧表演完美地结合起来，创作出引人入胜、感人至深的故事。 除了《彼得·格赖姆斯》，布里顿的歌剧创作还包括： 《卢克雷齐亚的强暴》（The Rape of Lucretia, Op. 37, 1946）： 这部歌剧取材于古罗马历史，讲述了贞洁的贵妇卢克雷齐亚被暴君强暴后自尽的故事。布里顿在这部作品中探索了罪恶、贞洁和救赎的主题，音乐风格更加内敛和室内化，以小型乐队伴奏，强调歌唱家的内心世界。 《诺亚的方舟》（Noye's Fludde, Op. 59, 1958）： 这是一部为儿童和业余乐团创作的宗教剧，取材于圣经故事。作品结构简单，旋律朗朗上口，大量运用了童声合唱和打击乐，营造出一种节日般的欢乐气氛，同时又不失对宏大叙事的庄严感。 《格洛丽安娜》（Gloriana, Op. 53, 1953）： 为庆祝伊丽莎白二世女王加冕而创作的歌剧，描绘了都铎王朝的伊丽莎白一世女王的生平。虽然这部歌剧在首演时褒贬不一，但其宏大的音乐规模和对历史题材的深刻挖掘，使其成为布里顿歌剧创作中的一部重要作品。 《螺丝在拧紧》（The Turn of the Screw, Op. 54, 1954）： 改编自亨利·詹姆斯（Henry James）的同名小说，这部歌剧以其心理惊悚的氛围和含蓄的叙事而闻名。布里顿通过精巧的音乐动机和模进，营造出一种令人不安的悬疑感，成功地将小说的恐怖和象征意义呈现在舞台上。 《比利·巴德》（Billy Budd, Op. 50, 1951）： 改编自赫尔曼·梅尔维尔（Herman Melville）的同名小说，讲述了18世纪英国海军中的一个年轻水手的悲剧故事。布里顿在《比利·巴德》中，深刻地探讨了善与恶、权威与反叛、 innocence and corruption 等主题，音乐风格雄浑而富有戏剧张力。 声乐作品的辉煌 除了歌剧，布里顿在声乐作品领域也取得了卓越的成就，尤其是他的艺术歌曲和宗教音乐。 艺术歌曲： 布里顿是20世纪最伟大的艺术歌曲作曲家之一。他为各种声部创作了大量的艺术歌曲，尤其擅长与诗人合作，将诗歌的意境和情感通过音乐加以升华。著名的声乐套曲包括： 《圣尼古拉斯的颂歌》（A Boy Was Born, Op. 3, 1933）： 这是他早期的合唱作品，描绘了圣诞节的场景，充满童真和宗教色彩。 《彼得·格赖姆斯》中的《海港素描》（Sea Interludes from Peter Grimes）： 这几段管弦乐插曲，以其对大海景象和海边生活的生动描绘而著称，充满了戏剧性和画面感。 《一个男孩诞生了》（A Boy Was Born, Op. 3）： 这是一部早期创作的弥撒曲，充分展现了他对宗教文本的深刻理解和对合唱音乐的驾驭能力。 《春之颂》（Spring Symphony, Op. 44, 1949）： 为独唱、童声合唱、混声合唱和管弦乐队而作，集结了众多描写春天的诗歌，音乐欢快而充满生机。 《战争安魂曲》（War Requiem, Op. 66, 1962）： 这是布里顿最著名、也最具社会意义的作品之一。为纪念考文垂大教堂（Coventry Cathedral）在二战中被毁而创作，乐曲结合了拉丁语的安魂曲文本和威尔弗雷德·欧文（Wilfred Owen）的战争诗歌，深刻地反思了战争的残酷和人性的痛苦。作品以其宏大的规模、深刻的思想和感人至深的音乐，成为20世纪的音乐杰作。 宗教音乐： 布里顿的宗教音乐同样具有重要的地位。他创作了多部弥撒曲、圣歌和清唱剧，这些作品充满了深邃的宗教情感和精神力量。 《圣塞西莉亚颂》（Hymn to St. Cecilia, Op. 27, 1942）： 为无伴奏混声合唱而作，以其复杂的对位和优美的旋律而闻名。 《圣尼古拉斯的颂歌》（A Boy Was Born, Op. 3）： 这部早期作品，展现了布里顿对宗教题材的早期探索。 《仲夏夜之梦》（A Midsummer Night's Dream, Op. 64, 1960）： 这部歌剧改编自莎士比亚的同名喜剧，以其轻盈、魔幻的音乐风格，成功地营造出仙境的氛围。 《亚伯·拉撒路》（Abraham and Isaac, Op. 51, 1952）： 为男中音和钢琴而作，取材于旧约圣经故事，充满戏剧张力。 《三首圣母玛利亚颂》（Three Choruses from the Pilgrim's Progress, Op. 75, 1964）： 这几首合唱作品，展现了他后期创作中对宗教题材的持续关注。 管弦乐与室内乐 除了歌剧和声乐作品，布里顿的管弦乐和室内乐作品也同样丰富多彩，并且具有极高的艺术价值。 管弦乐作品： 《青年管弦乐团指南》（The Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34, 1946）： 如前所述，这是他最知名的管弦乐作品之一。 《海港素描》（Sea Interludes from Peter Grimes）： 这几段管弦乐插曲，以其对大海景象和海边生活的生动描绘而著称。 《简单的交响曲》（Simple Symphony, Op. 4, 1934）： 这部作品取材于布里顿童年时期的习作，以其纯真、活泼的旋律和流畅的结构而受到喜爱。 《交响曲》（Sinfonia da Requiem, Op. 21, 1940）： 为纪念父母而作，是一部深刻而充满悲剧色彩的作品，展现了布里顿对死亡与永恒的思考。 《诺夫的方舟》（Noye's Fludde, Op. 59, 1958）： 这部为儿童和业余乐团创作的宗教剧，音乐风格简朴而有力。 室内乐作品： 弦乐四重奏： 布里顿创作了三部编号的弦乐四重奏，以及一些非编号的早期作品。这些作品展现了他对弦乐四重奏这一体裁的深刻理解，以及他不断探索新的音乐语言的勇气。 小提琴协奏曲（Violin Concerto, Op. 15, 1939）： 这部作品以其丰富的情感和精湛的技巧，成为小提琴文献中的重要一员。 中提琴奏鸣曲（Viola Sonata, 1938）： 布里顿本人是一位优秀的中提琴演奏家，这部奏鸣曲充分展现了他对中提琴音色的理解和运用。 木管五重奏（Wind Quintet, 1932）： 这是他早期创作的一部重要室内乐作品。 晚期创作与艺术遗产 布里顿的晚期创作，在保持其音乐风格的特质的同时，也展现出更加成熟和内敛的艺术风格。他继续关注社会议题，创作了许多具有深刻人文关怀的作品。 《死亡陷阱》（Death in Venice, Op. 88, 1973）： 改编自托马斯·曼（Thomas Mann）的同名小说，这部歌剧是布里顿的最后一部歌剧，讲述了一位作家在威尼斯沉迷于一个少年而走向毁灭的故事。作品以其对衰老、欲望和死亡的深刻描绘，以及精巧的音乐构思，成为他艺术生涯的总结。 《奥斯丁的六首短诗》（Six Metamorphoses after Ovid, Op. 49, 1951）： 为单簧管而作，这是他为乐器独奏创作的经典作品之一，展现了单簧管多样的表现力。 本杰明·布里顿的音乐，以其深刻的情感、精湛的技艺、对戏剧性的敏锐感知以及对人性的深刻洞察，在20世纪音乐史上留下了浓墨重彩的一笔。他的作品至今仍然保持着旺盛的生命力，不断被演奏、研究和喜爱。他的音乐不仅是英国音乐的瑰宝，更是世界音乐宝库中的重要财富。通过他对不同音乐体裁的探索和创新，布里顿证明了音乐能够触及人类最深层的情感和思考，并为我们提供了理解世界和自身的一扇独特窗口。他的音乐遗产，将继续激励和启迪后人。

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这本关于布里顿音乐的著作，实在是太……厚重了。我得承认，我是在一个昏昏欲睡的周日下午，抱着“了解一下”的心态翻开它的。最初的几页，那些关于十二音体系在英国二十世纪音乐语境中的接受度讨论，简直让我差点把咖啡洒出来。作者的笔触极其学术化，仿佛在进行一场严谨的法庭辩论，每一个论点都堆砌了大量的历史脚注和音乐学理论术语。读起来，感觉自己不是在欣赏音乐，而是在进行一场艰苦的考古发掘，试图从层层叠叠的文献和乐谱分析中，找到一丝旋律的踪迹。不过，一旦你适应了这种节奏，就会发现它在结构上有着惊人的严密性。它对布里顿早年流亡经历如何塑造其对“他者”主题的音乐化处理，有着极其深入的剖析，特别是对《彼得·格赖姆斯》中环境意象的音乐心理学解读，虽然晦涩，但逻辑链条清晰得令人敬畏。总而言之，这是一本适合图书馆收藏、需要高度专注力的参考书，而不是一本能在舒适的沙发上轻松阅读的传记或乐评集。它更像是一把精密的瑞士手表，展示了内部无数零件的运作，却很少让你感受到它走在阳光下时的那种轻快感。

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坦白说，我期望能在这本书中找到一些关于布里顿创作时期的轶事，或者至少是关于录音棚实践的一些幕后信息，毕竟布里顿本人也是一位杰出的指挥家和钢琴家。然而，这本书几乎完全将重心放在了“纸上的作品”上，对音乐的“声音实体”——即它在真实世界中被演奏和聆听的方式——关注度极低。作者似乎对现场演出中可能出现的变数、或者布里顿本人在排练时对音乐意图的微调，不感兴趣。所有的分析都基于印刷出来的总谱，这使得即便是对和弦进行的复杂分析，也缺乏了一种“生命力”。我试图想象《比利·巴德》中那些宏大的海景场面是如何被乐队捕捉和呈现的，但书中提供的更多是关于音高集合和调性转移的数学式描述，而不是关于如何“描绘波涛汹涌”的艺术探讨。这本书，更像是在为一座宏伟建筑绘制技术图纸，而非赞美其宏伟外观的摄影集。

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我必须得说，这本书的装帧设计简直是一种折磨——那种略带粗糙的纸张和密密麻麻的字体，让人一打开就有种面对古老卷轴的错觉。我期待的是能感受到布里顿那些标志性的、如同英国乡村晨雾般清澈又略带忧郁的音乐特质，然而，这本书给我的却是冰冷的、几乎是解剖室般的冷静。作者似乎对布里顿的个人生活、他的情感世界，几乎采取了“非关我事”的冷漠态度。他把所有的笔墨都倾注在了对作品结构形式的拆解上，比如对《战争安魂曲》中不同体裁如何相互作用的详尽图解，简直像是建筑蓝图的文字版。我试着在阅读某个关于歌剧配器选择的段落时，脑子里努力想象那些铜管的爆发力，但文字本身太过抽象，缺乏感性的描绘。它像是一本优秀的教科书，教你如何制造一架钢琴，但却忘了告诉你弹奏钢琴时，声音是如何触动人心的。对于一个想要通过阅读来“重温”布里顿那些动人旋律的爱好者来说，这本书提供的帮助微乎其微，它更像是给作曲系学生准备的进阶读物。

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这本书的章节划分有一种强烈的、非线性的压迫感。它似乎并不遵循作曲家的人生轨迹或者作品创作时间顺序，而是以主题——比如“周期性结构”、“声音景观中的空间感”、“宗教主题的世俗化”——为核心进行划分。这使得读者必须不断地在布里顿的三十年创作生涯中来回跳跃，去对比早期作品和晚期作品在同一主题下的发展脉络。这种编排方式在展示其论点的连贯性方面确实有其独到之处，但对于习惯于叙事性传记的读者来说，简直是一场灾难。我花了很大的力气去梳理，到底某一特定的管弦乐配器技巧是他在五十年代末期发展出来的，还是继承自早期的德彪西影响。更令人费解的是，全书的论述风格极其分散，有时像一篇关于对位法的论文，下一秒又切换到了对特定乐谱版本差异的考据，缺乏一种一以贯之的、引导性的“叙事者之声”。它更像是一本汇编了多位专家论文的文集，而不是出自一位作者的完整构思。

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老实讲，我读这本书的体验，就像是参加了一场极其冗长、细节过多的学术研讨会。每隔几页，作者就会抛出一个新的理论视角，然后用至少三页的篇幅来佐证，让你感觉自己像是在迷宫里打转，而不是在一条清晰的道路上行走。特别是在谈及布里顿与W.H.奥登的合作关系时，作者更倾向于从符号学和后殖民主义的框架去过度解读，而不是关注两人在创作现场那种火花四溅的互动。我非常好奇，这本书是否有意忽略了布里顿作品中那些最容易被大众接受的、充满民间叙事色彩的元素？它几乎完全避开了对《青少年指南》中那些广受欢迎的小曲的轻松讨论，转而深挖那些鲜有人听的早期室内乐作品的晦涩和声语言。这种选择无疑保证了研究的深度，但牺牲了可读性。对于那些想了解布里顿“为什么伟大”的普通乐迷来说，这本书的门槛太高了，它要求读者自带一套深厚的音乐史背景知识，否则很容易在专业术语的汪洋中溺水。

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