具体描述
《中国绘画/》的特点是全方位、立体地讲述中国绘画艺术。作者采用了全球文明的大视角，首先对比着西方艺术阐述了中国绘画的基本特征。继之以美术史为纲，以时代为背景，欣赏历代名家名作，以美学的深度和权威的高度解析艺术流派和经典技法，做到徐悲鸿先生引为标准的“致广大、尽精微”。每一位受过高等教育的人都需要这样一部书，以全面而准确地了解中国绘画是什么；这也是美术专业的读者需要的一本有系统的大文化背景的中国绘画入门书，既有理论基础，又有实用价值，而不仅仅是理论或技法。
三百多幅中国画旷世杰作的彩图，细数中国绘画发祥至今的潮流、演变与大师风采，历述三千年中国绘画的动人故事，还有精要的知识栏目都安排在了新颖的版式之中。
作者简介
目录信息
读后感
图书内容充实，不是简单的图片罗列和寥寥几笔的介绍。能深入中国绘画发展史进行讲述和分析，图片的直观感受和文字的理性描述相结合，便于读者理解图书内容。
评分图书内容充实，不是简单的图片罗列和寥寥几笔的介绍。能深入中国绘画发展史进行讲述和分析，图片的直观感受和文字的理性描述相结合，便于读者理解图书内容。
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评分图书内容充实，不是简单的图片罗列和寥寥几笔的介绍。能深入中国绘画发展史进行讲述和分析，图片的直观感受和文字的理性描述相结合，便于读者理解图书内容。
用户评价
某一章节对于中国画“留白”艺术的深入解析，完全颠覆了我对“空白”的固有认知。我一直以为，“留白”只是为了让画面看起来不那么拥挤，或者是一种“偷懒”的表达方式。然而，书中却将其提升到了哲学的高度，将其解读为一种“虚实相生”的东方智慧。留白不仅仅是画面的缺失，更是画家有意为之的“存在”，它为观者提供了无限的想象空间，让画面具有了生命力，能够与观者的内心产生共鸣。这种“少即是多”的艺术哲学，让我开始思考，在我们的生活中，是否也需要更多的“留白”，去容纳更多的可能性，去体会更深层的意境。这本书让我意识到，中国画的精髓，往往就隐藏在那些看似“空无”之处。
评分初次翻开这本《中国绘画》，我纯粹是抱着一种旁观者的好奇心，甚至可以说是带着一丝先入为主的“看客”心态。我以为我会看到的是一幅幅静止的、被框起来的、属于历史博物馆里的丹青墨宝，是那些我一直以来理解的、被赋予了太多“经典”光环的、似乎遥不可及的艺术品。我设想中的中国画，是那些古朴的宣纸上，寥寥数笔勾勒出的山水，是工整细腻的人物，是意境深远的写意花鸟，它们或许是美的，但总感觉离我的生活有些疏远，像是隔着一层厚厚的玻璃，我能欣赏，却很难真正触碰到其灵魂。然而，这本书并没有给我一个简单的“浏览”过程，它像一位耐心而深邃的导游，带领我踏上了一条意想不到的探索之路。
评分在阅读的过程中，我被书中关于中国画媒材的讨论深深吸引。纸张、绢、墨、笔、颜料，这些看似平凡的材料，在古代画家的手中，却能幻化出无穷的艺术生命力。书中对不同材质的宣纸在吸水性、韧性上的差异，对不同种类墨的浓淡、光泽的细微区分，以及对不同毛笔在运笔时的不同质感和效果的详尽描述，都让我对传统绘画材料有了全新的认识。我过去只是将它们看作是创作的工具，但这本书让我意识到，这些材料本身就承载着丰富的历史信息和文化意义，它们与画家的技法、心境共同作用，共同塑造了最终的艺术品。这种对物质载体背后蕴含的文化力量的挖掘，让我对中国画的创作过程有了更深层次的理解。
评分读到关于中国画中的“诗书画印”四绝结合时，我被中国艺术家们跨领域的艺术造诣所折服。我一直认为，诗、书、画、印是各自独立的艺术门类，各自有其独特的审美体系和创作规律。然而，这本书却向我展示了它们在中国传统艺术中是如何有机地融合在一起，形成一种更加丰富、更加立体的艺术表达。一首诗可以引发一幅画的创作灵感，一幅画的意境可以通过书法来深化，而印章则作为画面的点睛之笔，赋予作品独特的个性和精神气韵。这种跨媒介的融合，让我看到了中国艺术的包容性与创造性，也让我对艺术家们全方位的艺术素养有了更深的敬意。
评分书中的某一章节，聚焦于中国古代绘画的色彩运用，这对我来说是一次全新的视觉冲击。我一直以来对中国画的印象，似乎都停留在水墨的黑白灰世界，浓淡干湿的墨韵变化。我对色彩的运用，更多地联想到西方油画那种浓烈、丰富、具有视觉冲击力的表现方式。然而，本书却让我看到了中国画在色彩运用上的独特魅力和深厚功底。无论是唐代仕女画中鲜艳却不失雅致的色彩搭配，还是宋代山水画中通过淡染来营造深远意境的色彩运用，都展现了中国画家对色彩的精妙把握。他们并非回避色彩，而是将色彩作为一种重要的表现手段，通过微妙的色彩变化来传递情感，烘托气氛，甚至暗示画作背后的文化内涵。这种对色彩的“克制”与“张扬”之间的平衡，让我看到了中国审美中一种独特的智慧。
评分关于中国画的构图方式，尤其是在山水画中的“散点透视”，给我带来了极大的启发。我习惯了西方绘画的“焦点透视”，那种严谨的、基于一点的观察视角。而书中对中国画“散点透视”的解释，让我明白了为何中国山水画能够展现出如此宏大、壮阔的景象。画家并非局限于一个固定的观察点，而是将不同时空、不同角度的景象巧妙地组织在一起，从而创造出一个既真实又超越现实的理想化的视觉空间。这种“移步换景”、“步移景异”的构图方式，不仅仅是一种视觉技巧，更是一种对自然观的体现，是对人与自然和谐关系的向往。我开始欣赏这种打破单一视角的自由与创造力。
评分在合上这本书的时候，我感到一种前所未有的满足，同时也带着一丝对未来探索的期待。这本书并非仅仅是一本关于中国绘画的“教科书”，它更像是一扇窗，让我得以窥见中国古代艺术背后博大精深的文化底蕴和哲学智慧。我不再是以一个被动的接受者，而是以一个积极的思考者，去理解、去品味、去感受中国绘画的独特魅力。那些曾经遥不可及的艺术品，如今在我心中变得鲜活起来，它们不再是冰冷的展品，而是承载着历史、情感、思想的生命体。我开始期待下一次的阅读，期待在更深入的探索中，发现更多关于中国绘画的惊喜。
评分当我深入了解了明清时期文人画的发展脉络，我发现中国画不仅仅是技巧的展示，更是一种生活态度的表达。以往我总觉得，文人画的“写意”二字，似乎有些虚无缥缈，是艺术家们在某种“意境”的驱使下随意挥洒的结果。但书中对文人画创作动机、哲学思想以及与时代背景之间紧密联系的剖析，让我看到了隐藏在笔墨背后更深层次的含义。那些看似“率性而为”的笔触，实则蕴含着艺术家们对人生、对自然、对社会的深刻思考。他们通过绘画来抒发情怀，排遣忧愁，寻求心灵的慰藉。这种将艺术与生活、与个人精神世界融为一体的创作方式，让我对“艺术即生活”有了更深的体会。我开始理解，为什么一些文人画作，看似简单，却能引起如此强烈的共鸣，那是因为它们触及到了人类共通的情感和对生命意义的追寻。
评分读到关于宋代院画的章节时，我被一种前所未有的细腻和真实所震撼。我一直以为中国画，尤其是古代绘画，多是以写意为主，追求的是一种“神似”而非“形似”，是精神气韵的传递，而不是对客观世界的精确复制。然而，书中对宋代宫廷画院画作的详细阐述，彻底颠覆了我的认知。那些描绘花鸟鱼虫的画作，其精细程度堪比现代显微镜下的观察，每一片叶子的脉络，每一根羽毛的纹理，甚至连昆虫翅膀上细微的光泽都栩栩如生。这让我开始重新审视“写实”在中国绘画中的位置和意义。我意识到，中国古代画家并非不擅长写实，而是他们将写实运用到了极致，并且在此基础上，通过对细节的极致追求，反而升华出了另一种更加动人心魄的“气韵”。那种对自然万物细致入微的观察和描绘，本身就是一种对生命的热爱和敬畏，传递出的不是冰冷的机械复制，而是对生命本质的深刻理解和尊重。
评分书中对中国古代绘画中人物画的描绘，尤其是在表现人物神情和内心世界方面，让我对“形神兼备”有了更深刻的理解。我曾经认为，要表现人物的神情，需要极其细腻的五官刻画和微妙的面部表情捕捉。然而，书中对古代人物画的分析，却让我看到，中国画家更侧重于通过人物的姿态、眼神、甚至是服饰的细节来传递人物的情感和性格。寥寥几笔，却能勾勒出人物的内心世界，那种“传神写照”的功力，让我惊叹不已。我意识到，真正的艺术，不仅仅是外在形态的模仿，更是内在精神的挖掘和表达。
评分中国的历史中国的美，真恨自己不是学富五车
评分通俗易懂，入门必备。
评分从源头开始讲起，走过历史，跨越千年，作为基础科普还是挺好的～忘了看的是不是这本了( ̀⌄ ́)
评分漫长的历史。只属于中国人的美。王希孟、吴伟、石涛、齐白石。
评分收图多而精致，扫盲读本。
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