现代剧场工艺例集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:169

译者:

出版时间:2009-6

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787560951522

丛书系列:

图书标签:

• 剧场设计
• 音响系统
• 舞台机械
• 灯光系统
• 毕设推荐参考书
• 戏剧
• 剧场工艺
• 舞台技术
• 现代戏剧
• 戏剧设计
• 舞台美术
• 灯光设计
• 音响设计
• 舞美
• 戏剧工程
• 技术手册

剧场艺术的无限疆域：跨越时代与媒介的探索 《舞台革命：从古希腊到数字时代的剧场演变》 书籍简介： 本书旨在为读者呈现一部宏大而精微的剧场艺术史诗，它不仅梳理了戏剧从诞生之初直至当代的完整脉络，更深入剖析了支撑每一次“革命”的工艺、技术与哲学思潮。我们拒绝将剧场视为静止的文献汇编，而是将其视作一种不断呼吸、自我更新的动态生命体。 第一部分：古典的基石与神圣的仪式 本部分将我们带回剧场艺术的源头。重点探讨古希腊悲剧与喜剧的社会功能、空间结构及其仪式性本质。我们考察狄俄尼索斯庆典的社会背景，分析合唱队在叙事中的核心作用，以及早期剧场建筑——如狄俄尼索斯剧场——如何通过其独特的坡度和声学设计，塑造了观众与表演之间的原始关系。随后的篇章聚焦于古罗马剧场的实用化和娱乐化倾向，对比其与希腊精神的内在张力。随后，我们将目光投向中世纪的欧洲，解读宗教剧和神秘剧如何将剧场艺术重新引入世俗生活，从教堂内部走向民间广场，揭示其作为道德教化工具的复杂性。 第二部分：文艺复兴与剧场空间的重构 文艺复兴时期是剧场艺术地理学发生根本性转变的阶段。本部分将详细论述意大利文艺复兴盛期，特别是帕多瓦的泰阿特罗·奥林匹科（Teatro Olimpico）和帕尔马的法尔内塞剧院（Teatro Farnese）的出现，如何确立了“封闭式”和“沉浸式”舞台概念。我们将深入研究透视法（Perspective）在舞台布景设计中的应用，探究其如何通过光学错觉创造出前所未有的深度感。同时，对舞台机械（Machinery）的精妙设计进行专题分析，包括升降台、机关布景的早期雏形，它们如何服务于巴洛克戏剧中对奇观（Spectacle）的极致追求。英国伊丽莎白时代环形剧场（如环球剧场）的“开放性”设计，将作为与欧洲大陆“镜框式”舞台的一种重要对照，分析其在不同文化土壤下的功能差异。 第三部分：启蒙运动与舞台的美学规范 十八世纪，随着启蒙思想的普及，剧场开始承担起更明确的社会批判和道德教化职能。本部分着重探讨哥尔多尼对即兴喜剧的革新，以及德国“狂飙突进”运动对舞台现实主义的早期呼唤。在技术层面，我们分析了灯光技术的进步——从蜡烛到油灯的过渡——如何开始实现对舞台氛围的精准控制，不再仅仅是简单的照明。这一时期的舞台设计趋于简化，强调“可信度”（Verisimilitude），为十九世纪现实主义的全面爆发奠定了美学基础。 第四部分：现实主义的诞生与工业革命的冲击 十九世纪下半叶，工业革命带来的社会剧变直接催生了对“真实”舞台呈现的迫切需求。本书将详尽剖析梅宁根剧团（Meiningen Ensemble）的革命性实践，他们如何以精确的舞台调度、统一的服装和群众场面设计，打破了以往明星式的表演模式，建立了现代意义上的“导演中心制”的雏形。对“第四堵墙”概念的形成与巩固进行深入阐释，并探讨在巴黎的“自由剧院”（Théâtre Libre）中，自然主义对环境细节的极致追求如何推动了对舞台空间、道具和人物服装材质的真实复刻。 第五部分：现代主义的解构与符号的回归 二十世纪初，对现实主义“过度写实”的反叛浪潮席卷欧洲。本部分将聚焦于象征主义、表现主义和未来主义对传统舞台的颠覆。我们研究阿道夫·阿皮亚（Adolphe Appia）和爱德华·戈登·克雷格（Edward Gordon Craig）关于空间、光线和“超物质”舞台设计的先驱性理论，探讨他们如何试图通过光影而非实物布景来构建戏剧的内在精神世界。表现主义舞台的扭曲、非对称设计，以及未来主义对机械美学的赞颂，展示了剧场如何成为探索人类潜意识和未来形态的实验室。 第六部分：后戏剧剧场与媒介的融合 进入后半叶，剧场艺术开始打破其对文本的绝对依赖。本部分将深入探讨彼得·布鲁克（Peter Brook）对“可见的空间”的追求，以及包豪斯对舞台空间与运动的几何化探索。重点分析“后戏剧剧场”（Postdramatic Theatre）的核心特征：对叙事的解体、表演者与观众边界的模糊，以及表演性（Performativity）本身的凸显。最后的章节将关注当代剧场对新兴科技的吸收：从多媒体投影、虚拟现实（VR）的介入，到对数字景观（Digital Scenography）的实验，揭示剧场如何在信息时代继续保持其作为人类集体经验发生地的核心价值。 总结： 本书并非一部简单的剧场技术手册，而是一部关于人类如何观看、理解和构建“真实”的文化史。它将引导读者穿梭于古老的祭坛、巴洛克的宫廷、十九世纪的咖啡馆，直至今日的沉浸式空间，理解每一次舞台革新背后的文化动因与美学追求，从而更深刻地理解剧场艺术作为社会缩影的永恒魅力。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，拿到手里就感觉分量不一般，那种沉甸甸的质感，仿佛在诉说着其中蕴含的深厚学问。我本来以为这会是一本偏向理论的枯燥读物，但翻开目录才发现，它竟然是一个详尽的、近乎百科全书式的“工具箱”。特别是关于舞台灯光和机械设计的那些章节，简直是为我们这些舞台技术人员量身定做的。比如，它对不同时代剧场技术变革的梳理，从早期机械转台到现代数字控制系统的演进，描述得非常清晰，配图也极其考究，让人很容易就能理解那些复杂的设计原理。我记得有一处专门讲了如何根据剧本情绪来设计追光灯的移动轨迹，那段分析深入浅出，结合了多个经典剧目的案例，读完之后我立刻想在下个月的排练中尝试那种手法。它不是简单地告诉你“怎么做”，而是告诉你“为什么这么做”，这种深度的剖析，远超我过去读过的任何一本技术手册。它更像是一位经验丰富的老匠人，坐在你身边，耐心地拆解他毕生的技艺精华，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

我一直对德国包豪斯学派在舞台设计中的影响抱有浓厚的兴趣，这本书里关于这一块的论述，着实让我眼前一亮。它没有停留在简单的介绍包豪斯美学风格，而是深入挖掘了其背后的结构主义和功能至上理念是如何渗透到剧场空间、服装乃至道具制作的每一个环节。作者的笔触非常细腻，尤其是在描述早期实验性剧场的布景概念时，那种对空间几何形体与光影互动的精准捕捉，读来令人心潮澎湃。我感觉作者对欧洲先锋戏剧运动的脉络把握得极准，清晰地勾勒出从先锋思潮到技术实现之间的完整链条。对于我们研究现代主义戏剧的学者来说，这本书提供了一个绝佳的视角，它将抽象的艺术理念转化为可以触摸、可以构建的实体工艺，真正做到了理论与实践的完美交融。那种对细节的执着和对创新精神的赞美，通过文字都清晰地传达了出来，让人读后充满了一种探索未知的冲动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它不像学术论文那样充满复杂的从句和晦涩的术语，反而带着一种工程师特有的精准和一丝不苟，但在描述那些开创性的技术突破时，又会流露出一种近乎诗意的赞叹。我尤其欣赏作者在介绍材料科学在剧场应用时的那段论述，他不仅列举了新型复合材料的拉伸强度和阻燃等级，还巧妙地结合了这些材料在实际演出中如何影响演员的表演自由度。这种将冰冷的物理数据与鲜活的剧场体验并置的写法，极大地提升了阅读体验。它避免了纯粹的技术手册可能带来的乏味感，同时也拒绝了纯艺术评论可能带来的空泛。整本书读下来，就像是完成了一次从基础物理定律到顶级舞台美学实现的完整知识旅程，每一个知识点都像一块严丝合缝的砖石，共同构筑起一个坚实可靠的工艺殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计风格，我个人非常欣赏，它透露着一种克制而高级的专业气质。它不像市面上很多技术书籍那样充斥着廉价的彩印和花哨的字体，而是采用了大量的黑白线条图和清晰的示意图，很多图例都是经过重新绘制和简化的，目的性极强。例如，它对舞台机械结构图的绘制，那些齿轮、滑轮和传动轴的连接关系，即便是不熟悉机械原理的人，也能通过那些简洁的线条图快速把握其运作逻辑。这说明编纂者深知，在工艺技术领域，有效的信息传递远比视觉上的炫目更重要。我特别喜欢它在介绍传统木工工艺时所采用的字体和留白处理，显得格外沉稳可靠，仿佛能闻到木屑的味道。它成功地做到了让厚重的技术内容变得易于消化，却又不失其应有的权威性，这在同类出版物中是相当难得的平衡。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初是被这本书“例集”的名称吸引的，我期待能从中找到大量可以直接复制套用的现成设计方案。但读到中后段我才意识到，这本书的价值远不止于提供“标准答案”。它更像是一本“思维定势打破器”。作者通过展示一系列不同历史时期、不同文化背景下的剧场工艺案例，实际上是在引导读者思考问题的多种可能性。比如，它对比了莎士比亚时代和布莱希特时代对于“空间”处理方式的根本差异，这促使我反思我们当下所处的剧场语境下，哪些“必须”的工艺限制其实是可以被打破的。它不直接教你如何做某一个灯光效果，而是让你理解灯光、机械、结构这三者之间是如何相互制约又相互成就的。这种宏观的、体系化的知识结构，对于培养一个真正具有创造力的舞台设计师来说，是无价的。它教会的不是技巧，而是方法论。

评分☆☆☆☆☆

很不错

评分☆☆☆☆☆

学习

评分☆☆☆☆☆

学习

评分☆☆☆☆☆

很不错

评分☆☆☆☆☆

我突然觉得。如果跟着三明哥学建筑声学会是很好的出路。啊~~都是后话。