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出版者:

作者:刘天礼

出品人:

页数:111

译者:

出版时间:2009-5

价格:15.00元

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isbn号码:9787509401873

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• 作曲
• 音乐
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音乐理论与实践：从基础到精通 书籍简介 本书旨在为所有对音乐理论和实践抱有浓厚兴趣的学习者提供一个系统、深入且实用的学习路径。我们深知，音乐的世界广阔而迷人，但其背后的逻辑和方法论往往令人望而却步。因此，本书的编写秉持“去神秘化”的原则，以清晰的结构、丰富的实例和循序渐进的讲解，带领读者从零开始，逐步构建起坚实的音乐知识体系，并将其有效地应用于创作、欣赏与演奏之中。 第一部分：音乐的基石——基础乐理精讲 本部分是构建所有音乐理解的基石，我们力求详尽而精确地阐述每一个基本概念。 第一章：音高、节奏与节拍的奥秘 音高与十二平均律： 详细解析音高的物理学基础，从赫兹（Hz）到音名（如C、D、E）的对应关系。深入探讨西方音乐体系的核心——十二平均律的构造原理、历史演变及其对现代音乐的影响。区分半音与全音，并介绍不同的音程（如大二度、纯五度）的听觉感受与数学比例。 节奏的结构： 系统讲解音符时值（全音符、二分音符、四分音符等）的精确划分。着重于节奏的层次感，解析附点、三连音等高级节奏元素的处理方法。 节拍与小节线： 详尽解释拍号（如4/4、3/4、6/8）的意义，如何通过节拍来组织时间流动。区分强拍、次强拍和弱拍，理解律动感（Groove）是如何从规则的强弱对比中产生的。 第二章：调式与和声的色彩 大调与小调的构建： 彻底解析大小调音阶的音程结构，并对比大小调在情绪表达上的差异。介绍关系小调、平行小调的概念，理解调性之间的内在联系。 调式（Modes）的探索： 突破传统大小调的限制，系统介绍七种调式（伊奥尼亚、多利亚、弗里吉亚等）的音阶构成、听觉特征和典型的和弦进行。通过大量实例展示如何利用调式为音乐增添独特的色彩感和氛围。 和弦的构造与功能： 详细讲解三和弦（大、小、增、减）的构成原理，并进阶到七和弦（属七、大七、小七等）的丰富音响。深入探讨和声功能（主功能T、属功能D、下属功能S）的概念，理解和弦进行如何推动音乐的张力与解决。 第二章：转调与和声进行的高级技巧 转调的艺术： 探讨不同转调技巧，包括平行转调、关系调转调、半音阶转调等，并分析每种转调方式带来的情绪变化。 借用和弦与副属和弦： 介绍如何从关系小调或平行大调中“借用”和弦，丰富和声语言。深入讲解副属和弦（Secondary Dominants）的运用，如何创造暂时的调性色彩变化，增加进行的新鲜感。 非功能性和声： 探讨现代音乐中不遵循传统功能和声规律的实践，如音高类集合（Pitch Class Sets）的应用，以及如何通过音响的并置而非连接来构建音乐结构。 第二部分：音乐的架构——曲式结构与配器基础 理解了音符和和弦的语言后，本部分关注如何将这些元素组织成宏大且有逻辑的音乐作品。 第三章：从动机到乐章的结构规划 音乐的“语法”——动机与乐句： 讲解音乐最小单位——动机（Motif）的提炼、发展与再现。分析如何将动机扩展为具有完整呼吸感的乐句（Phrase）。 常见曲式分析： 详尽分析复调音乐（如赋格的初步概念）、奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的逻辑框架，以及通俗音乐中常见的AABA、ABABC等结构模式。 对比与统一的原则： 探讨音乐作品中“变奏”与“重复”之间的平衡关系，这是保证作品既有新鲜感又不失连贯性的核心原则。 第四章：配器与音色的魔力 乐器家族的特性： 系统介绍管弦乐队中各声部（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域特点、音色质感和演奏技巧。深入分析钢琴、吉他等常用独奏乐器的表现力限制与优势。 和声的横向铺陈（织体）： 解析不同的复调织体，如主调音乐（旋律与伴奏）、对位法（如卡农）和自由复调。学习如何根据音乐情感选择合适的织体密度。 音色设计的技巧： 探讨如何通过不同乐器的叠加、演奏法（如弦乐的拨奏、弱音器）来创造独特的音响场景，理解“配器即是作曲”的深层含义。 第三部分：实践与应用——分析、欣赏与进阶 本部分将理论与实践紧密结合，培养读者的分析能力和审美判断力。 第五章：经典作品的解构 本章将选取巴洛克时期、古典主义时期以及浪漫主义时期的代表作片段，进行细致的“手术式”分析。重点剖析： 作曲家如何运用特定的调式或和声语言来描绘特定的场景或情感。 结构布局如何服务于作品的整体戏剧性。 节奏的微妙处理如何增强音乐的驱动力。 第六章：音乐的风格演变与鉴赏力提升 风格的坐标系： 梳理从文艺复兴到20世纪的音乐风格变迁，帮助读者建立起一个跨越时代的音乐史观。 批判性聆听： 教授一套系统性的欣赏方法，帮助听众超越“喜欢”与“不喜欢”的层面，去理解音乐家在特定历史背景下所做的选择和创新。 跨界融合的可能： 讨论民族音乐元素、爵士乐和电子音乐如何影响和丰富了当代音乐语言，拓展读者的音乐视野，激发对未来音乐可能性的思考。 结语：持续探索的旅程 音乐学习是一个永无止境的旅程。本书提供的知识体系是一个强有力的起点和支撑结构，但真正的理解来源于不断的实践、聆听和反思。我们鼓励读者将所学应用于实践，并保持对未知音乐领域的开放与好奇心。

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这本书真是个宝藏，特别是对于像我这种对音乐有热情但又不知道从何入手的“小白”来说。我最欣赏它的是它的结构安排，简直是教科书级别的清晰。作者没有一开始就堆砌那些晦涩难懂的乐理知识，而是巧妙地将基础乐理融入到实际的创作练习中。比如，在讲到和弦进行时，它不是枯燥地罗列公式，而是会立刻提供一个“听起来很舒服”的例子，让我立马就能感受到理论背后的美感。我记得有一次我被一个副歌的旋律卡住了，感觉怎么写都不够抓耳。翻到书里关于“动机发展”那一章，作者用了一个非常生活化的比喻来解释如何提炼和变化核心旋律，我茅塞顿开，当天晚上就把那个卡住的段落彻底解决了。更不用说那些大量的案例分析，从流行音乐到电影配乐，跨度很大，每次读完一个案例，我都会忍不住自己动手模仿着写一点东西，这种即时反馈的学习方式，远比单纯看书有效得多。它真的做到了把“创作”这件事，从高高在上的艺术殿堂，拉到了我们触手可及的实践层面，让人感觉学习过程充满了乐趣和持续的成就感。

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这本书给我最大的收获是建立了一种健康的创作心态，而不是被速成的幻想所裹挟。作者在开篇和结尾都反复强调，歌曲创作是一个需要耐心和大量迭代的过程，没有捷径可走，但好的方法能让你走得更稳健。我尤其欣赏其中关于“自我批判与修改”的章节。它不是简单地说“多修改”，而是给出了具体的检验标准，比如“你的主歌是否有效地导向了副歌？”、“听众在第X秒是否抓住了核心情绪？”这些都是非常实用的自检清单。通过这些清单的引导，我学会了如何客观地审视自己的作品，而不是沉溺于初稿的“自我感动”。这种工具性和引导性并存的特点，让这本书成为了我书架上常驻的参考书。每当我感觉自己的创作陷入瓶颈，或者对新作品缺乏信心时，我都会翻开它，不是为了学新东西，而是为了重新校准我的创作罗盘，确保我还在正确的、能通往高质量作品的道路上稳步前行。

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说实话，这本书的排版和视觉设计也值得点赞，虽然内容是核心，但好的呈现方式能大大降低学习的心理门槛。它不是那种密密麻麻全是文字的“砖头书”，而是留出了大量的空白和注释区域，非常适合边读边做笔记。我特别喜欢它在关键概念旁边的“小贴士”和“陷阱提醒”板块。比如，在讲到歌曲结构设计时，很多教程会告诉你“主歌-副歌-桥段”的标准格式，但这本书会特别指出在现代音乐中，如何“打破”这个结构而不显得突兀，甚至给出了一些非线性的结构范例。这对我来说太重要了，因为我一直觉得固定的结构限制了我的想象力。通过这本书，我学会了理解规则是为了更好地超越规则。它真正做到了与时俱进，没有停留在老一套的理论里，而是紧密结合当前听众的审美习惯来指导创作，这体现了作者深厚的行业洞察力。

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坦白说，我买这本书的时候其实是抱着试一试的心态，因为市面上很多所谓的“教程”要么过于学术化，要么就是流于表面，实用性不强。但这本《歌曲创作自学教程》让我眼前一亮，它最出彩的地方在于对“情感表达”的强调。作者非常清楚，一首好歌的灵魂永远是真挚的情感，而不是复杂的技巧堆砌。书里有一个章节专门探讨了如何将个人经历转化为歌词的画面感和冲击力，我读完后，立刻回去翻看我以前写的一些歌词，发现它们之所以平淡，就是因为少了“切身感受”的提炼。书中提供了很多启发性的写作练习，比如“用五种不同的感官来描述一个下雨天”，这些练习迫使你去调动更深层次的记忆和感受，从而让你的创作不再是空泛的堆砌词藻。我感觉自己不再是“写歌”，而更像是“讲述一个故事”，这让我的作品立刻有了一种独特的个人印记。对于那些希望作品能够真正打动人心的创作者来说，这本书提供的思维框架是无价之宝。

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我过去几年里断断续续学了一些音乐制作软件，也看了不少关于和声学的入门书籍，但总是感觉自己在“组装零件”，而不是在“创作”。这本书的出现，就像一个强大的“粘合剂”，把分散的知识点串联起来，形成了一个完整的创作流程。它最让我印象深刻的是对“旋律线条设计”的深度剖析。作者不仅仅是教你音符如何排列，更是深入探讨了“呼吸感”、“张力与释放”这些听觉上的微妙体验是如何通过节奏和音域的变化来实现的。我记得书中有一个关于如何利用“休止符”来增强旋律力量的论述，简直是振聋发聩。我立刻去尝试应用，发现原本平淡无奇的一段旋律，因为巧妙地加入了几秒的空白，瞬间拥有了更强的叙事感和呼吸感。这种将技术操作提升到艺术哲思层面的讲解方式，让我对音乐创作的理解上升到了一个新的维度，从“我知道怎么做”变成了“我理解为什么这么做更好”。

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对于爱写东西的我是个提升

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