李斯特钢琴全集-第二辑-共5册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:710

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出版时间:2009-5

价格:198.00元

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isbn号码:9787807512417

丛书系列:李斯特钢琴全集

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• 李斯特
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• 弗朗茨·李斯特
• 演奏与学习

好的，这是一份不包含《李斯特钢琴全集-第二辑-共5册》内容的图书简介，侧重于其他重要音乐作品与作曲家： --- 辉煌的交响诗篇与德奥浪漫主义的壮丽画卷：从贝多芬到勃拉姆斯的器乐史诗 本套丛书致力于探索十九世纪欧洲古典音乐中，从维也纳古典乐派的巅峰向浪漫主义思潮过渡及深化的关键时期，重点呈现了交响乐、奏鸣曲以及室内乐领域中那些奠定现代音乐基础的里程碑式作品。我们摒弃了对特定钢琴家或某一音乐流派的狭隘聚焦，转而将视野投向了那个充满变革与激情的时代，那里，音乐语言以前所未有的广度和深度被拓展。 第一卷：古典的余晖与浪漫的序曲——贝多芬的宏伟结构与舒伯特的抒情诗篇 本卷精选了路德维希·凡·贝多芬晚期作品中对后世影响至深的器乐典范。我们深入剖析了其最后三首钢琴奏鸣曲（降A大调，作品110；C小调，作品111）以及《庄严弥撒》的管弦乐配器逻辑，探讨了这些作品如何超越了传统奏鸣曲式的框架，预示了浪漫主义的自由精神。贝多芬的晚期创作，尤其是在和声的张力与对位法的运用上，为整个世纪的作曲家树立了难以逾越的标杆。 紧接着，本卷引入了弗朗茨·舒伯特在艺术歌曲与室内乐领域的开创性成就。着重分析了舒伯特在《冬之旅》和《美丽的磨坊少女》中如何将诗歌的意境与钢琴伴奏的叙事性完美融合，使钢琴不再仅仅是旋律的附庸，而成为描绘自然、刻画人物心理的独立声部。此外，我们还收录并详述了其最后几部四重奏，特别是《死与少女》，解析其在调性转换和对位处理上所流露出的对死亡主题的深刻沉思。 第二卷：异域的色彩与民族主义的觉醒——肖邦的钢琴诗学与德沃夏克的民谣叙事 本卷将焦点从德意志德语区转向了更广阔的欧洲舞台，特别是东欧的民族音乐元素如何被吸纳并提升至欧洲古典音乐的高峰。 弗雷德里克·肖邦的创作，虽然主要集中于钢琴独奏，但其核心在于其对波兰民族精神的提炼与对巴黎沙龙文化的细腻描摹。本卷并未涉及其协奏曲或奏鸣曲的完整钢琴谱，而是侧重于研究其夜曲（Nocturnes）的结构演变，特别是其如何将波兰舞曲（Mazurkas）的节奏复杂性与法国式优雅的旋律线条相结合。我们详细考察了肖邦对延音踏板的革命性使用，以及其和声语言中对色彩感的极致追求，这深刻影响了后来的印象派音乐。 随后，我们转向了捷克作曲家安东宁·德沃夏克。本卷集中展示了其交响曲中民族主义元素的运用，特别是对美国黑人灵歌和印第安旋律的借鉴，如《新世界交响曲》的第二乐章。分析的重点在于，德沃夏克如何将这些民间音乐素材，通过严谨的交响配器法，转化为具有普适性的艺术表达，而非简单的民间曲调拼凑。 第三卷：交响诗的诞生与瓦格纳的音乐戏剧——李斯特之后的管弦乐革命 第三卷是本套丛书对“交响诗”这一音乐体裁的深度探索。这一体裁的形成，与弗朗茨·李斯特的创新密不可分，但本卷的重点将放在其他继承者如何将这一理念付诸实践，以及理查德·瓦格纳对管弦乐法产生的颠覆性影响。 我们详细介绍了李斯特的管弦乐作品（如《前奏曲》）中对“主导动机”（Leitmotif）的初步运用，以及这种手法如何在后来的作曲家手中发展成熟。重点分析了理查德·施特劳斯在《唐璜》和《查拉图斯特拉如是说》中，如何利用极为复杂的管弦乐织体，将文学叙事与纯音乐结构相结合，创造出色彩斑斓的音画。 同时，本卷也探讨了理查德·瓦格纳对歌剧形式的彻底颠覆。我们聚焦于其“音乐戏剧”的核心理论，特别是对“无限旋律”的追求以及对管弦乐队的重新定义。通过分析《尼伯龙根的指环》中管弦乐的配器（如使用特制的低音大号和瓦格纳低音大号），展示了管弦乐队如何从伴奏角色转变为推动戏剧发展的主要叙事者。 第四卷：勃拉姆斯的“德意志精神”与室内乐的复兴 本卷是对约翰内斯·勃拉姆斯这位“古典主义的继承者”的专题研究。在浪漫主义思潮汹涌的时代，勃拉姆斯坚持了严谨的对位法和奏鸣曲结构，被视为德奥音乐传统的守护者。 本卷着重分析了勃拉姆斯在室内乐领域（特别是其钢琴五重奏与小提琴奏鸣曲）的成就。我们考察了他如何将舒曼的抒情性与巴赫的复调精神巧妙地结合，在既有的器乐形式内注入了深沉的浪漫主义情感。例如，在分析他的四部交响曲时，我们侧重于其赋格段落的运用以及主题发展过程中对动机的精细打磨，这些都体现了他对结构完整性的执着追求。 此外，本卷还包含了对勃拉姆斯晚期艺术歌曲的选析，展示了他在看似简洁的钢琴伴奏中，如何精确地捕捉诗歌中微妙的情感波动，这与他宏大的管弦乐作品形成了有机的对照。 第五卷：从德彪西的印象到马勒的末世交响——跨越世纪的音乐实验 本卷将时间轴推向十九世纪末至二十世纪初，探索了音乐语言的进一步解构与重构。 克劳德·德彪西的音乐被视为对德意志晚期浪漫主义的温和反叛。本卷集中分析了其对音色和氛围的偏爱，特别是在《前奏曲》（Préludes）中，如何通过对全音阶、五声音阶以及复杂的和声色彩的运用，营造出“印象派”的光影效果。我们探讨了德彪西如何利用管弦乐（如《大海》）中的和声模糊性来描绘自然景象，这与勃拉姆斯的清晰结构形成了鲜明对比。 最后，本卷以古斯塔夫·马勒的巨型交响曲作为浪漫主义交响乐的终结与过渡。我们深入研究了马勒交响曲中对人声的引入（如第二、第三、第四交响曲）以及其对“世界尽头”主题的探索。马勒的作品以其极端的动态对比、冗长的篇幅和对复杂心理状态的描摹，标志着传统调性体系在浪漫主义巅峰的最后一次辉煌绽放，并为二十世纪的现代音乐转型埋下了伏笔。 --- 总结： 本套丛书提供了一个多维度的视角，全面覆盖了十九世纪器乐艺术从古典主义的严谨结构向浪漫主义的自由表达演进的全过程，侧重于交响乐、奏鸣曲和室内乐领域，旨在为读者构建一个宏大、结构严谨的欧洲音乐史图景。

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这套书带给我最大的冲击，是李斯特在宗教音乐和世俗娱乐性作品之间展现出的巨大反差。一方面，我们有那些为沙龙和音乐会准备的、极度光彩夺目的作品，它们是那个时代社会精英文化需求的产物，充满了享乐主义的色彩和对“神童”崇拜的满足感。另一方面，你翻到后几册，会看到那些带着深刻忏悔意味的晚期作品，比如某些《山中之歌》的变奏，它们的和声进行常常游走在崩溃的边缘，仿佛李斯特已经对世俗的一切失去了兴趣，转而寻求一种更形而上的、更纯粹的艺术表达。这种对立和统一，在这五册书中得到了绝佳的体现。阅读这套全集，就像是观看一部关于李斯特内心挣扎的纪录片，他如何在公众期望与个人灵性之间来回拉扯。对于年轻的钢琴学子来说，领会这种情绪的层次感，远比单纯弹出正确的音符重要得多。这套书，是音乐史的教材，更是心理学的案例分析。

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我花了整整一个冬天来研读这套《李斯特钢琴全集-第二辑》。与其他出版的全集相比，这套书的纸张质量和装帧设计显得尤为朴素和实用，没有太多花哨的装饰，完全是以“工具书”的姿态出现的。我特别欣赏它对那些小型、不太为人注意的作品的收录。很多时候，人们一提到李斯特，就只想起《钟》、《匈牙利幻想曲》或者那些著名的练习曲，但在这五册中，穿插着许多精致的小品，它们虽然规模不大，但却体现了李斯特在处理小型室内乐感觉时的细腻笔触。比如他为某位贵妇创作的一段小奏鸣曲式的作品，它没有那些宏大的结构，但旋律线条的流畅和对钢琴音色的控制，达到了出神入化的地步。这套书教会我的最重要一课是：伟大并不总是体现在巨大的音响和复杂的结构上，有时，它潜藏在最不起眼的角落里，需要学习者付出耐心去挖掘和品味。这五册书，绝对是钢琴学习者案头必备的“圣经”之一，值得反复揣摩，每次都会有新的发现。

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说实话，我当初买这套《李斯特钢琴全集-第二辑》主要是冲着那些改编作品去的，特别是那些改编自舒伯特和贝多芬的作品，想看看这位“钢琴之王”是如何将管弦乐团的恢弘气势压缩到钢琴键盘上的。不得不说，李斯特的改编能力简直是鬼斧神工。他不仅仅是将旋律搬运过来，而是彻底重塑了音乐的骨架和血肉。在某些段落，你会发现他加入了很多原创的华彩，这些华彩的精彩程度，丝毫不亚于原作者的构思，甚至在某些方面，因为钢琴特有的延音和音色变化，更添了一层魔幻色彩。这五册书的内容跨度极大，既有他早年那些充满洛可可式优雅的“安魂曲”风格的小品，也有后期那些充满模糊、不协和音的“晚期作品”。尤其是那些晚期作品，简直是音乐史上的“异端”，它们不再迎合听众的耳朵，更像是李斯特晚年对自己生命、信仰和虚无的反思，那种尖锐和孤独感，在传统教材中是很难找到的。研究这套书，就像是进行了一次深入的音乐考古，挖掘出一位大师不为人知的心灵角落。

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这套《李斯特钢琴全集-第二辑-共5册》真是让人又爱又恨，爱的是能一网打尽那些宏伟的改编和充满激情的作品，恨的是面对如此浩瀚的曲库，每次翻开书本，都像要进行一场艰苦的攀登。我最先接触的是那些著名的练习曲，比如《帕格尼尼练习曲》的改编版，那份炫技的华丽和近乎变态的指法要求，简直是钢琴家们挑战自我的试金石。但仔细研究乐谱后，我发现李斯特的“炫技”从来不是目的，而是为了表达音乐更深层次的情感张力。比如在某些慢板乐章中，他如何用极其复杂的和声织体来营造出一种宿命般的悲怆感，这比那些单单追求速度的乐章更耐人寻味。这套书的编排上，对于不同时期、不同体裁的作品做了细致的区分，让学习者可以清晰地看到李斯特创作脉络的演变，从早期的浪漫主义激情四射，到后期对内心世界的深刻挖掘，那种从外放转为内敛的转变，通过这五册书得以完整呈现。只是，对于初学者来说，这本书的厚度和难度无疑是令人望而生畏的，它更像是一座需要常年累月才能征服的高峰，而非轻松散步的小径。

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我是一个比较注重乐谱版本的考据的演奏者，所以对这套《李斯特钢琴全集-第二辑-共5册》的注释和校订非常上心。总体而言，这个版本在细节处理上还是相当严谨的，特别是对于踏板的标记和力度记号的还原，力求贴近李斯特当年的手稿意图。然而，在我研究《西班牙狂想曲》这部分时，发现对于某些极快速的琶音部分，指法建议似乎过于“保守”了，这可能更适合十九世纪的钢琴构造，而非现代琴的共鸣和弦厚度。这套书的价值，很大程度上在于它系统性地呈现了李斯特在不同创作阶段对“钢琴表现力极限”的探索。他不仅仅是在写曲子，他是在定义一种新的演奏技术。比如，他如何利用连续的八度跳跃来模拟弦乐的齐奏效果，或者如何通过快速的音型转换制造出“音浪”而不是颗粒感的旋律线。如果你想深入理解浪漫主义钢琴艺术的巅峰成就，这五册书是绕不开的必修课，但同时，它也要求学习者必须具备扎实的基本功，否则稍有不慎，很容易沦为“指法模仿者”而非“音乐阐释者”。

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