韩敏教画竹(附VCD) (平装)

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出版者:上海人民美术出版社
作者:韩敏
出品人:
页数:32 页
译者:
出版时间:2001年1月1日
价格:25.0
装帧:平装
isbn号码:9787533226022
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 韩敏
  • 艺术
  • 书法
  • 绘画技法
  • VCD
  • 教学
  • 艺术类
  • 平装
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具体描述

本小册为全彩印教材,是初学画竹者必备的教科书,最大的特点是附有VCD牒片,将名家作画时的构图要点及步骤等记录的一清二楚。

翰墨丹青——中国传统绘画艺术精粹撷英 本书精选中国历代书画大家的经典之作,旨在为广大书画爱好者提供一部全面、深入、系统性的传统绘画艺术鉴赏与技法入门指南。 本书并非聚焦于单一的绘画主题,而是以更宏大的视角,勾勒出中国传统绘画波澜壮阔的发展脉络。内容涵盖了从魏晋风骨到宋元意境,再到明清世俗风貌的演变历程,力求展现中国画“写意”与“写形”交融的独特审美体系。 第一章 笔墨之源:中国画的哲学基础与材料学 本章深入探讨了中国画区别于西方绘画的核心理念——“气韵生动”。我们追溯了道家思想、儒家伦理以及禅宗美学对中国绘画精神内核的影响,解析了“以形写神”的哲学追求。 材料的艺术: 详细介绍了中国画特有的“文房四宝”的选取与特性。包括徽墨的松烟与油烟之分,宣纸的皮纸、熟纸与生纸的吸墨差异,以及湖笔、狼毫、兼毫在勾、皴、点、染中的具体应用。内容涉及笔锋的蓄墨技巧、墨色的浓淡干湿变化,以及如何通过水性控制达到“墨分五色”的境界。 基础技法: 重点解析了中国画的基础笔法,如“中锋出笔”、“侧锋铺毫”在勾勒轮廓中的运用。通过大量的图例,演示了“十八描”中几种核心描法,如铁线描、兰叶描、钉头鼠尾描在表现不同材质(如石头、树干、人物衣纹)时的准确性。 第二章 山水意境:天地之间的精神寄托 山水画,被誉为“无言的诗,无行的舞”,是中国绘画的最高成就之一。本章将中国山水画的发展划分为北派的雄伟壮丽与南派的秀润内敛两大体系进行剖析。 早期探索与唐代巨碑: 回顾李思训的金碧山水,探讨其对盛唐气象的描摹。重点分析了李昭道的设色技巧,以及如何用界画法构建严谨的宫殿楼阁。 宋代的巅峰: 详细研究了“范宽之斧劈”、“郭熙之云雾”、“李唐之大斧劈”等代表性皴法。每一类皴法都配有原作局部放大图,解析其如何表现特定地域的山石肌理与时代精神。例如,如何通过董源、巨然的披麻皴来表现江南的湿润与温和,以及如何利用米芾、米友仁的水墨点皴来营造朦胧迷离的雨后江景。 元四家的文人画追求: 重点阐述了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙如何将诗、书、画融为一体,将个人情感注入山水之中。倪瓒的“折带皴”如何传达出其高洁孤傲的性情,以及黄公望《富春山居图》中浑厚内敛的笔墨语言。 第三章 花鸟写生:生命的礼赞与象征意义 花鸟画是中国画中最具生活气息和象征意义的题材。本章不仅教授绘制技法,更深挖其背后的文化内涵。 写意与工笔的对话: 对比工笔重彩(如宋徽宗的院体花鸟)与写意花鸟(如徐渭、八大山人的作品)的创作思路。工笔如何追求形神的极致精确,写意如何通过夸张的造型和飞动的笔触来表达画家的主观感受。 重点花卉的墨法: 1. 梅花: 教授“一笔梅”的画法,如何利用焦墨、涨墨表现老干的苍劲,以及用花青、淡墨点蕊的层次变化。 2. 兰花: 深入解析兰花的“S”形用笔,以及“之”字形叶片的生长规律与墨色的渗透处理。 3. 竹子: 探讨如何通过不同浓度的墨色区分竹子的新老、向背,以及用侧锋画出的竹叶所带有的风动之姿。 4. 牡丹与荷花: 讲解重彩的晕染技巧,如何利用胭脂、洋红与汁绿的搭配,实现花瓣的晶莹剔透感。 禽鸟动态捕捉: 讲解鸟类头部的“点睛”技巧,以及如何利用细笔描绘羽毛的绒感,并通过翅膀的起落姿态,赋予画面以生命力。 第四章 人物叙事:历史的投影与世俗的缩影 人物画是中国画中最早发展起来的画科之一,承载着历史叙事和道德教化功能。 魏晋风度的飘逸: 考察顾恺之的“传神写照”,分析其线条的“春蚕吐丝”描法如何表现人物的精神气质。 唐代的雄健与丰腴: 剖析吴道子“吴带当风”的衣纹线条,及其对后世服饰描绘的影响。重点解析唐代壁画中人物的结构比例和色彩运用。 宋代的世俗化倾向: 研究张择端《清明上河图》中的界画技法与人物动态捕捉能力,以及苏汉臣的儿童题材作品中对生活细节的温情描绘。 文人画中的写意人物: 关注梁楷的“减笔人物”画法,解析其如何通过极简的几笔勾勒,传达人物的内心世界与禅宗境界。 第五章 创作实践与装裱艺术 本章提供了一系列循序渐进的临摹与创作练习指导,并介绍了传统绘画完成后的收尾工作。 构图法则: 讲解中国画的“三远法”(高远、深远、平远)在不同题材中的应用,以及如何运用“计白当黑”的原则来平衡画面虚实,达到疏密有致的视觉效果。 临摹的要义: 强调临摹不仅仅是复制,更是对古人笔墨意境的内化过程。指导读者如何通过“对题临摹”与“拆解临摹”相结合的方式,掌握不同流派的精髓。 装裱入门: 简要介绍传统书画装裱的步骤,包括托裱、镶边、配绫的重要性,以及不同装裱形式(如立轴、中堂、册页)对画作最终呈现效果的影响。 本书致力于提供一个扎实的传统绘画知识体系,让学习者不仅知其然,更能知其所以然,最终在笔墨之间找到属于自己的艺术表达之路。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这本画册的装帧设计确实很用心,拿在手里沉甸甸的,封面的墨韵和竹子的意境融合得恰到好处,让人一看就心生向往。我尤其欣赏它在色彩运用上的克制与精准,虽然主题是竹子,但作者似乎并未局限于传统的青绿或水墨,而是通过对不同光影和季节的捕捉,展现了竹子生命力的多重维度。内页的纸张质感非常棒,即使用普通的中性笔勾勒草稿,也不会有洇墨的困扰,这对于初学者来说简直是福音。我试着临摹了其中几页关于“风中竹”的画法,那些看似随意的线条背后,蕴含着深厚的笔法功力,尤其是对于竹节的虚实处理,简直是教科书级别的示范。光是翻阅这本书,我的心里就已经被那种清雅脱俗的气质浸润了。它不仅仅是一本绘画教程,更像是一次精神上的洗礼,让人在快节奏的生活中,找到一处可以沉静下来的角落,去体悟东方美学中“空”与“有”的哲学。如果说有什么遗憾,也许是部分章节的排版可以更加灵活一些,但瑕不掩瑜,整体而言,这是一本值得反复品读和收藏的佳作。

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这本书的叙事节奏和内容的层次感设计得相当巧妙。它不是按部就班地从“画竹子的一笔一划”讲起,而是巧妙地将理论知识融入到一系列充满诗意的案例解析中。比如,在讲解“墨色的浓淡变化”时,它会先展示一幅“雨后新竹”的图例,然后才回溯到如何调配出那种雨水浸润后的湿润感。这种“结果导向”的学习方式,极大地激发了我的学习热情,因为我能立刻看到学习某个技巧后能达成的视觉效果。特别是对于竹子不同姿态的描绘,如“迎风”、“听雨”、“傲雪”,每一个场景的讲解都配有详细的步骤图,而且步骤图的清晰度非常高,即使放大看细节,线条的走向依然清晰可见。我注意到作者在讲解中多次提到“气韵生动”这个概念,并将其与具体的操作步骤联系起来,这让我意识到,学画竹子,最终学的还是如何感知自然,如何将自己的心境融入笔端,这已经超越了单纯的绘画技能层面,上升到了一种审美修养的层面。

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从一个完全注重实用性的角度来看这本书的价值,它无疑是物超所值的。虽然书名和内容结构暗示了它可能包含辅助学习材料,但仅就平面内容而言,其详尽程度已经超越了我之前购买过的多本同类书籍。我特别欣赏其中关于“竹枝与竹叶的结构关系”的解剖图,它用近乎科学的精确度,描绘了竹子的生长结构,这对于那些追求写实基础的初学者来说,是一个巨大的帮助。很多画册只教你画“像”,却不教你“为什么”要这样画,而这本书则将解剖学和艺术表现力完美地结合起来。我尝试按照书中的指示,先用淡墨打底,再层层叠加浓墨勾勒脉络,效果立竿见影,竹子的立体感和层次感瞬间就出来了。整本书的编排逻辑非常清晰,就像一张精心绘制的地图,指引着读者从入门到进阶的每一步,让人感到学习过程是可控且充满乐趣的,而不是一片迷茫。

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我一直觉得,好的艺术教材不光要教你怎么做,更要教你如何“看”。这本书在这方面做得非常出色。它花了相当大的篇幅来讨论历代竹画大师的作品赏析,但这些赏析绝非简单的文献堆砌,而是紧密结合了绘画技巧的剖析。例如,在分析某位大家的“一笔竹”时,会细致到“此处的飞白是如何通过控制笔尖的干湿度实现的”,这种深度分析,让我在欣赏名家作品时,不再是走马观花,而是能够洞察到其背后的创作意图和技术秘密。这种“知其然,更知其所以然”的学习路径,对于想要建立自己风格的学习者来说,提供了非常坚实的理论基础。此外,书中对“文人画”精神的阐释,也让我对竹子在中国文化中的象征意义有了更深的理解,从“虚心”到“有节”,再到“气节”,这些文化内涵的渗透,使得我拿起笔时,不再是机械地复制线条,而是带着一种对中国传统精神的敬意去创作。

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说实话,我是一个对传统国画抱有敬畏心但又缺乏系统训练的爱好者,很多市面上的教程要么过于高深晦涩,要么过于浅薄流水账,让人摸不着头绪。这本书给我的感觉是找到了一个恰到好处的平衡点。它并没有直接抛出一个复杂的成品图让读者去模仿,而是非常耐心地从基础的“笔锋的提按顿挫”开始讲解,这一点对于我这种“手抖星人”来说至关重要。作者似乎深谙初学者的痛点,他会用非常形象的比喻来描述那些抽象的笔墨技巧,比如如何让竹叶显得“轻盈如蝉翼”,如何让竹竿透出“坚韧如铁骨”。我记得其中有一课专门讲了“侧锋破墨法”画竹梢,我以前总觉得竹梢画不好,不是太死板就是太软弱,看了这一部分的讲解后,豁然开朗。它强调的不是画出来像不像,而是“画出竹子的精神”,这种由内而外的引导,远比单纯的技法堆砌要有效得多。这本书更像是一个经验丰富的老友在身边手把手指导,让你在实践中不断修正自己的认知偏差。

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