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出版者:

作者:傅学斌

出品人:

页数:125

译者:

出版时间:2009-8

价格:29.00元

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isbn号码:9787530653609

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京剧脸谱：中国传统戏曲的视觉符号解读 《京剧脸谱》一书，并非关于一本名为“京剧脸谱”的实体书籍内容介绍，而是深入探究京剧脸谱这一独特艺术形式的起源、发展、构成、象征意义及其在戏曲表演中的作用。它将带领读者穿越历史的长河，走进京剧脸谱的斑斓世界，理解那些绘制在演员脸上的色彩与纹路所蕴含的丰富信息。 一、 脸谱的起源与历史演变：历史的印记与时代的烙印 脸谱的产生并非偶然，而是深深植根于中国古代戏剧的早期萌芽。在原始的祭祀歌舞、百戏表演中，为了突出神话传说中的人物、历史上的英雄豪杰，或者夸张表现人物的情感与性格，人们就开始在脸上涂抹颜色，以达到更强的视觉冲击力和象征效果。早期颜色的运用可能相对朴素，多以黑色、红色、白色等基本色彩为主，象征着人物的某种基本特质。 随着中国戏剧艺术的不断发展，特别是元杂剧、明清传奇的繁荣，脸谱的绘制技法和表现力也日益丰富。到京剧形成并成熟的时期，脸谱艺术达到了一个高峰。《京剧脸谱》将详细梳理这一历史脉络，从先秦的傩戏、汉代的百戏，到唐代的参军戏、宋代的杂剧，再到明清的戏曲，钩沉索骥，追溯脸谱艺术的源头。书中会引述大量史料、绘画、碑刻等考古发现，展现脸谱在不同历史时期、不同剧种中的演变痕迹。例如，早期脸谱的勾画可能较为粗犷，以块状色彩为主，而后逐渐发展出细腻的线条、复杂的图案，以及更加 nuanced 的色彩运用。 特别地，本书将聚焦于京剧形成过程中，脸谱艺术是如何被吸纳、融合并创新发展的。京剧融合了徽班和汉调的表演特色，其脸谱艺术也吸收了昆曲、秦腔等剧种的元素，并在此基础上形成了自己独特的风格。书中将探讨晚清至民国时期，名丑、名净等行当的艺术家们如何在实践中不断丰富和完善脸谱的绘制与运用，以及一批杰出的画师如何成为脸谱艺术的传承者和创新者。 二、 脸谱的构成要素：色彩、纹路与图案的语言 京剧脸谱的核心魅力在于其独特的视觉语言，这种语言由色彩、纹路和图案三部分有机结合而成。《京剧脸谱》将对此进行系统性的解读。 色彩的象征意义： 书中将逐一剖析京剧脸谱中不同色彩所代表的性格特征。 红色： 通常象征忠诚、英勇、正直、热情，例如关羽的红脸。但有时也可能表示冲动、鲁莽，如张飞的一些变体脸谱。 黑色： 常常代表刚毅、勇猛、公正、粗莽，例如包拯的黑脸，象征其铁面无私。有时也用于表现阴险、狡诈的人物，如曹操的一些变体脸谱。 白色： 往往象征奸诈、多疑、狡猾、残忍，如曹操的白脸，是“白脸奸臣”的典型代表。但也可能代表尊贵、圣洁，如一些神话人物的白色脸谱。 黄色： 通常代表勇猛、威严、暴躁，如一些大将的黄脸，或者用于表现野兽性的凶残。 蓝色： 象征刚强、勇猛、公正，有时也表示阴沉、固执，如一些猛将或判官的蓝脸。 绿色： 常用于表现莽撞、率直、勇猛，也象征着一种绿色（草原）的民族特征，如一些绿林好汉或游牧民族的脸谱。 紫色： 象征刚正、勇猛、稳重，有时也略带傲气，如一些正直的大臣或名将的紫脸。 金色与银色： 通常用于表现神佛、妖怪等超自然人物，以突出其神秘、非凡的身份。金色往往象征尊贵、神圣，银色则带有冷峻、神秘的意味。 纹路与图案的结构： 脸谱的绘制并非随意涂抹，而是遵循一定的章法和结构。书中将详细介绍脸谱的构成结构，包括： 勾画方法： 脸谱的绘制有其独特的技巧，包括勾、抹、填、点、掰等不同手法，以及线条的粗细、曲直、虚实变化，都承载着特定的含义。 基本图案： 许多脸谱拥有标志性的图案，如“满天星”、“豆腐块”、“十字门”、“仰月”、“卧瓜”、“花旦蝴蝶”等。这些图案并非装饰，而是有其象征意义，能够直接揭示人物的身份、性格、经历等。例如，眉毛的形状和走向，眼睛的形状，鼻子的结构，嘴巴的勾画，以及额头、脸颊、鼻子周围的纹路，都各有讲究。 部位划分： 脸谱的绘制往往将面部划分为不同的区域，如额、眼、鼻、口、下巴等，每个区域的色彩和纹路都有其特定的组合规律。 三、 脸谱的类型与分类：千变万化中的体系 京剧脸谱的数量庞大，种类繁多，为了便于理解和记忆，《京剧脸谱》将对其进行系统性的分类。 按人物身份分类： 整脸： 整个脸部都涂抹一种颜色，多用于表现地位尊贵、性格单一的人物，如老生、老旦等。 花脸： 脸部色彩斑斓，图案复杂，是脸谱艺术中最具特色和表现力的一类，通常用于表现性格鲜明、命运多舛或具有特殊身份的人物，如包公、李逵等。 三块瓦脸： 脸部被分为三块色彩区域，常用以表现勇猛、正直、鲁莽的人物。 十字门脸： 脸谱图案呈十字形，多用于表现勇猛、忠诚或奸诈的人物。 歪脸： 脸谱图案不对称，常用于表现变形、怪异或残疾的人物。 其他类型： 如“卦脸”、“谱胆脸”、“杂碎脸”等，每种类型都有其特定的构成特点和表现对象。 按色彩组合分类： 不同的色彩组合会产生不同的视觉效果和象征意义，如红黑相间、蓝白相间等。 按行当分类： 脸谱的绘制也与演员的行当密切相关，如生、旦、净、丑等行当的脸谱都有其各自的程式和规范。 四、 脸谱的象征意义与艺术功能：无声的语言，鲜活的画卷 脸谱并非单纯的色彩涂抹，而是承载着深刻的象征意义，是京剧表演中不可或缺的视觉符号。 人物性格的揭示： 脸谱是人物性格的“名片”，通过色彩和图案，观众可以在第一时间了解人物的身份、性格、品德。书中将通过大量经典脸谱的实例，如“红忠脸”、“黑正脸”、“白奸脸”、“黄暴脸”、“蓝刚脸”等，来阐释其象征意义。 情节的暗示与推动： 某些脸谱的变化，例如从原有的脸谱转变为另一种颜色或图案，往往预示着人物命运的转折或情节的重大发展。 表演程式的规范： 脸谱的绘制和运用遵循着严格的程式，是京剧表演艺术的重要组成部分，有助于统一演员的表演风格，形成程式化的舞台形象。 美学价值的体现： 脸谱本身也是一门独立的艺术，其色彩的搭配、图案的构思、线条的运用，都体现了中国传统绘画和工艺美术的独特魅力，具有极高的审美价值。书中将分析脸谱的色彩美、线条美、图案美，以及其在舞台视觉上的冲击力。 五、 脸谱的绘制工艺与传承：匠心独运，薪火相传 《京剧脸谱》还将深入探讨脸谱的绘制工艺，以及这项古老艺术的传承现状。 绘制工具与材料： 介绍绘制脸谱所需的颜料（如矿物质颜料、植物颜料）、画笔、以及绘制过程中的辅助工具。 绘制技巧与步骤： 详细解析绘制一张脸谱的完整流程，从脸部打底、勾勒轮廓、填色，到最后的细节处理，展现画师的精湛技艺。 传统与创新： 探讨在现代社会中，脸谱艺术如何在新时代背景下寻求发展与创新，例如在服装设计、现代绘画、动漫游戏等领域的跨界应用。 传承的重要性： 强调脸谱艺术作为中国传统文化的重要组成部分，其传承的重要性，以及对当代艺术家和观众的启示。 结语： 《京剧脸谱》将是一部集历史、艺术、美学、工艺于一体的深度探究。它不仅仅是对一种戏曲化装技巧的介绍，更是对中国传统文化中视觉符号、性格象征、以及艺术表现力的深刻解读。通过本书，读者将能够更全面、更深入地理解京剧脸谱的艺术价值，感受中华民族深厚的文化底蕴和独特的审美情趣。它将带领您打开一扇窗，窥见中国传统戏曲那丰富多彩、引人入胜的世界。

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这本《古韵流光：中国戏曲服饰的千年变迁》简直是为我这种戏曲爱好者量身定做的宝典！我原本对戏曲的了解仅限于舞台上的惊鸿一瞥，总觉得那些华丽的戏服和繁复的头饰遥不可及。然而，这本书以极其细腻的笔触，将服饰的演变历程娓娓道来。它没有停留在简单的图文展示，而是深入剖析了不同历史时期，如唐宋、元明清，社会审美和制度对戏服材质、色彩和样式的直接影响。比如，它详细介绍了“蟒袍”在不同朝代如何从皇家服饰逐渐融入戏曲舞台，成为帝王角色的标配，以及这种演变背后所蕴含的文化心理。更让我惊喜的是，作者对戏曲服饰的“功能性”也有独到的见解，比如水袖的长度和重量如何影响演员的舞蹈动作，以及髯口（胡须）的设计如何辅助角色性格的塑造。阅读过程中，我仿佛能闻到舞台上厚重的油彩味和เก่า的绸缎香。它不仅仅是一本关于“穿衣打扮”的书，更是一部透过服饰解读中国传统美学和历史变迁的另类史书。对想深入了解戏曲舞台艺术的深度学习者来说，这本书提供了坚实的理论基础和丰富的视觉参考，强力推荐！

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拿到《丝竹心经：中国传统音乐的韵律与哲学》这本书时，我本以为会是一本晦涩难懂的理论著作，但它的行文风格极其亲切流畅，完全颠覆了我的固有印象。作者似乎是一位极富激情的音乐教育者，他没有直接抛出复杂的五声调式或复杂的配器法，而是从最基础的“气”和“意”谈起，阐述了中国传统音乐中“中正平和”的审美追求。我特别喜欢其中关于“留白”艺术的探讨，作者认为，戏曲音乐中的休止符和间隙，其重要性不亚于敲锣打鼓的喧闹，这是一种“听不见的声音”，是引导观众进入角色内心世界的关键。书中穿插了大量生动的民间故事和老一辈艺术家的轶事，让那些看似严肃的乐理知识瞬间变得有血有肉。比如，他描述了某位老琴师如何在演奏中通过微小的速度变化来表达角色的哀愁，这种对“神韵”的捕捉，是任何机械录音都无法传达的。这本书的价值在于，它教会我如何去“听”，而不是仅仅去“听见”。它拓宽了我对“音乐”定义的边界，让我意识到中国传统音乐的魅力远不止于旋律的优美，更在于其背后蕴含的人生哲学。读完后，我重新去听那些熟悉的锣鼓点，感受完全不一样了，多了一层对生命哲思的体悟。

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《墨舞乾坤：中国书法艺术的意境探索》这本书，简直是一场视觉和精神的盛宴。我是一个业余的书法爱好者，长期在临帖的“形”上下功夫，却始终不得要领。这本书的独特之处在于，它将书法的“技”与“道”进行了完美的融合和阐释。作者没有罗列各种碑帖的笔画细节，而是着重探讨了“气韵生动”是如何通过笔墨的提按顿挫体现出来的。他用大量精妙的比喻，比如将运笔比作“舞蹈家在空气中的足迹”，将墨色的浓淡变化比作“云烟的聚散”，使得抽象的书法理论变得具象可感。尤其值得称赞的是，书中对不同书体背后所代表的文人精神气质的分析。比如，为什么狂放的草书往往是文人抒发愤懑的载体，而端正的楷书则是修身养性的体现。阅读这本书，我感觉我的眼光不再仅仅停留在纸面上那些黑色的线条，而是开始追寻线条背后那个挥毫者的心跳和呼吸。它极大地提升了我对书法作品的鉴赏力，让我明白，一件好的书法作品，是作者生命状态的直接投射。这本书无疑是所有想从“写字”迈向“写意”的书法学习者不可或缺的指南。

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《竹影清风：中国古典园林的空间哲学》这本书，与其说是介绍园林构造，不如说是在引导读者进行一场精神漫游。这本书的叙事节奏非常缓慢而富有诗意，仿佛作者本人正带着我们，在苏州的某处小径上缓缓前行。它没有采用标准化的建筑设计术语，而是侧重于“情景交融”的东方美学。作者对“借景”、“对景”等概念的阐释尤为精妙，他分析了如何通过精心设计的漏窗和花窗，将远处的山峦或近处的竹影“框”入室内，使人居环境与自然融为一体，达到“天人合一”的境界。书中详细描绘了亭台楼阁在不同天气和光线下的观感变化，比如雨中听松涛、雪后赏假山，这些细腻的感官体验，即便是通过文字也描摹得栩栩如生，让人心生向往。对于生活在钢筋水泥森林中的现代人来说，阅读此书如同进行了一次心灵的“归园田居”。它教会我们如何观察空间，如何体会建筑中的韵律和呼吸感。这本书不仅仅是知识的传递，更是一种生活态度的熏陶，它让我开始重新审视自己居住环境的设计逻辑，并渴望在日常生活中寻找那份“移步换景”的禅意。

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我对《锦绣中华：中国传统纹样的符号学解读》的阅读体验，可以用“大开眼界”来形容。原本以为这只是一本关于图案的图录，但它实际上是一部结合了民俗学、考古学和符号学的深度研究专著。作者以严谨的学术态度，对龙凤、蝙蝠、回形纹、万字纹等上百种传统纹样进行了系统性的梳理和解析。最让我震撼的是，书中揭示了这些纹样在不同历史时期、不同地域文化中的含义是如何微妙地发生偏移和演变的。例如，同一个“缠枝莲”纹样，在唐代的雍容华贵与在明代的世俗化应用，其背后的社会心态是截然不同的。作者通过大量出土文物和古代建筑的细节图片作为佐证，使得论证非常有力。我过去看到一些精美的刺绣或瓷器，总觉得美则美矣，但缺乏深入理解。这本书像一把钥匙，为我打开了一扇通往古代匠人内心世界的大门，让我明白每一个花纹的选择都不是随意的装饰，而是承载着对美好生活的祈愿、对宇宙秩序的认知。它让我对中国传统艺术的复杂性和层次感有了全新的认识，绝对是视觉文化研究的佳作。

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专著！！

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好的入门

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可惜印刷不精致

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