Photoshop CS4实例创意制作500例

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页数:548
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出版时间:2009-8
价格:68.00元
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isbn号码:9787894770745
丛书系列:
图书标签:
  • Photoshop
  • CS4
  • 图像处理
  • 设计
  • 实例
  • 教程
  • 创意
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  • 技巧
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具体描述

《Photoshop实例制作500例》内容简介:本手册系统全面地介绍了Photoshop在图像处理、平面设计、广告与包装、照片、网页等众多范围内的经典应用实例。手册共分为八章,分别介绍了Photoshop又字特效制作、图像创意特效、图像艺术处理、广告与平面设计、照片及图片处理、材质及纹理特效、手绘特效、网页及动画特效等内容。通过对海量实例的操作学习来掌握该软件的技能技法,帮助读者及时上手制作实例效果,是一本不可多得的更实用、更全面、更经典的实例制作大全。

本手册采用“全实例教学法”与多媒体教学光盘相结合的形式,把软件的知识原理、操作流程、应用范例有机地结合起来,以通俗的语言、直观的图片、一步一步的操作步骤,详细地讲解了电脑操作的全过程,并在其中穿插讲解“提示”、“注意”进行技巧点拨,力求做到系统、全面、直观,通过这种图文并茂的教学形式,让读者按步操作能够一学就会,会了就能用,达到学以致用的目的。

本手册适合电脑设计入门者与进阶者阅读;适合平面设计、广告设计、包装设计、产品造型设计、服装设计、手绘设计、网页设计、室内装璜设计、印刷制版等工作人员及电脑美术爱好者使用,同时也可以作为高等美术院校相关专业及社会相关培训班的配套教材。

创意设计与数字影像处理的进阶之旅:探索《高级数字艺术与视觉叙事》 图书名称:《高级数字艺术与视觉叙事》 图书简介: 本书《高级数字艺术与视觉叙事》并非专注于特定软件版本的操作指南,而是致力于构建一套全面、深入且富有前瞻性的数字创意理论框架与实践方法论。它面向那些已经掌握了基础软件操作,渴望将技术能力转化为独特艺术表达和高效视觉沟通能力的专业人士、资深爱好者以及艺术院校学生。本书的核心目标是超越“如何使用工具”,迈向“如何运用工具进行深度思考和创新表达”。 第一部分:数字艺术的哲学基石与创作思维(Conceptual Foundation and Creative Mindset) 本部分将从根本上探讨数字媒介作为艺术载体的独特性与潜力。我们不再讨论菜单栏的位置,而是深入剖析视觉语言的本质。 视觉叙事理论的解构与重建: 深入分析经典叙事结构(如三幕剧、英雄之旅)如何映射到静态图像和动态序列中。探讨“张力点”、“节奏感”和“情绪弧线”在二维平面设计中的构建技巧。重点剖析非线性叙事在信息图表和概念艺术中的应用。 符号学与意象心理学在设计中的应用: 讲解如何系统地运用色彩、形状、肌理和光影来触发观众特定的潜意识反应。内容涵盖不同文化背景下符号的歧义性处理,以及如何通过精心设计的视觉隐喻,深化作品的主题内涵。 美学范式的演变与跨界融合: 梳理从古典主义到现代主义,再到后现代主义和数字原生的美学思潮。探讨如何将建筑学的空间感、电影的景深概念、音乐的韵律结构融入到平面视觉创作中,实现真正的跨学科整合。 “发现式”创作流程的建立: 强调从灵感到概念验证阶段的系统性方法。引入“头脑风暴地图”、“关键词网格分析”等工具,帮助创作者克服“空白画布恐惧症”,确保创作过程的逻辑性和可追溯性。 第二部分:深度图像构建与高阶材质模拟(Advanced Image Construction and Material Emulation) 本部分将专注于超越标准层级操作的图像深层处理技术,侧重于真实感、氛围营造和非破坏性工作流程的极致运用。 光影的物理学模拟与艺术化处理: 详尽解析光线追踪、全局照明(Global Illumination, GI)的基本原理及其在数字合成中的应用。重点介绍如何模拟特殊光源(如丁达尔效应、焦散光、次表面散射)以增强材质的说服力。探讨如何通过对光线方向和强度的精确控制,引导观众的视线焦点。 复杂材质的解构与重构: 摒弃预设笔刷,转向基于物理特性的材质分解。研究金属、玻璃、有机物、半透明材料等在不同光照条件下的反射、折射、吸收特性。讲解如何利用程序化纹理生成(Procedural Texture Generation)技术,创造出永不重复、细节无限的表面。 高级复合技术与空间重构: 深入讲解蒙版、通道、混合模式背后的数学逻辑。重点教授“深度通道信息(Depth Map)”的创建与应用,实现精细的景深控制和后期环境光照的调整。探讨如何无缝地融合来自不同源头的元素,使其在三维空间感上保持绝对一致性。 动态锐化与纹理的“感知校正”: 不再是简单的“锐化滤镜”,而是基于人眼视觉系统的局部对比度增强技术。讲解如何针对不同频率的细节(如粗糙的岩石纹理与光滑的皮肤细节)应用定制化的清晰度算法,以达到最优的视觉冲击力。 第三部分:动态视觉语言与时间维度下的设计(Dynamic Visual Language and Time-Based Design) 本部分将跨越静态图像的边界,探讨如何在序列化和动画化的设计项目中运用相同的创意原则。 帧间叙事的张力控制: 分析关键帧之间的过渡设计。如何通过运动模糊的精确控制、加速与减速(Ease In/Out)的非线性运用,来表达速度、重量或情绪的变化。 信息动画的结构化表达: 教授如何将复杂的数据集转化为引人入胜的动态图表。重点关注“展示的逻辑顺序”如何影响观众对数据的理解和记忆。涉及动态排版(Kinetic Typography)的基本规律。 交互式界面中的视觉反馈机制: 探讨微动画(Micro-animations)在用户体验设计中的作用。如何设计快速、直观且符合品牌调性的状态转换动画,增强产品的操作感和亲和力。 延展性与适应性设计(Scalable Design): 讨论如何构建一套核心视觉资产,使其能高效地适应从移动端到大型展示屏幕,乃至AR/VR环境的多种媒介需求,确保品牌视觉语言在不同维度下的统一性与冲击力。 本书特色: 本书的重点在于“为什么”和“如何思考”,而非“点哪里”。它提供了丰富的案例分析,这些案例均来源于电影特效、高端广告和概念艺术领域,展示了创意如何被系统性地分解、实现并优化。读者将学会构建自己的“创意工具箱”,这个工具箱不依赖于任何特定软件版本(无论是当前还是未来),而是建立在对光线、结构、视觉心理学和叙事原理的深刻理解之上。通过本书的学习,读者将从一个熟练的“操作员”蜕变为一个具有强大问题解决能力的“数字视觉架构师”。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的语言风格非常接地气,读起来完全没有那种高高在上的技术专家腔调。作者在引导读者进行复杂操作时,常常会穿插一些诙谐的比喻,让原本可能令人望而生畏的专业术语变得亲切易懂。例如,在解释“曲线”调整层时,作者将其比喻为“指挥舞台灯光的导演”,不同的控制点就是对画面亮部、暗部和中间调的精确“布光”指令。这种拟人化的描述,极大地降低了初学者的学习曲线。而且,书中非常注重“试错”的重要性,它不像某些教程那样只展示完美的结果,而是会明确指出:“如果你在这里参数设置得太高,画面可能会出现死黑或过曝的风险,这时我们应该怎么挽救。”这种对常见错误的预警和补救措施的讲解,体现了作者对读者学习过程中可能遇到的真实困难的深刻理解。很多时候,我们从失败中学习到的比成功时更多,而这本书恰恰在“失败的艺术”方面给了我们充分的指导,让人感到自己不是在单向接收信息,而是在和一个经验丰富的伙伴并肩作战。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮,封面那种深邃的靛蓝色调,配上一些霓虹灯光效的拉丝处理,让人立刻感受到一种前沿的、充满活力的数字艺术气息。我本来是抱着试试看的心态买的,毕竟市面上关于老版本软件的教程汗牛充栋,真正能让人眼前一亮的少之又少。然而,当我翻开目录的时候,那种期待感就更强烈了。它没有陷入那种枯燥的工具介绍泥潭,而是直接将重点放在了“创意”和“实例”上,这正是我需要的。我尤其欣赏它对图层混合模式的讲解部分,不是简单地罗列功能,而是通过模拟自然光影和材质叠加的实际案例,将那些晦涩的数学原理转化为直观的视觉效果。比如说,它演示了如何利用“叠加”模式来模拟老胶片的颗粒感,那种细腻的处理,即便是现在用新版本软件,很多时候也需要自己摸索很久才能达到类似的效果。这本书的排版也十分考究,步骤图清晰明了,关键参数往往会用醒目的色块标出,即便是在光线不好的环境下阅读,也不会感到吃力。这种对细节的关注,体现了编著者在内容组织上的用心良苦,它不仅仅是一本技术手册,更像是一本精心策划的视觉实验记录簿,让人忍不住想立刻打开电脑,拿起鼠标,亲手去复刻那些令人惊叹的视觉魔术。

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我之所以对这本面向CS4时代的教程念念不忘,还有一个重要的原因是它在“非破坏性编辑”理念上的早期普及。在那个很多初学者还在习惯性地直接在原图上操作的年代,这本书坚定地将“智能对象”、“智能滤镜”和“调整图层”的使用放在了所有高级技巧讲解的首位。它反复强调,任何时候都要为未来的修改留有余地。我记得有一课是关于复杂的文字排版和特效合成,作者教导我们,即便是一个简单的阴影效果,也要通过智能滤镜来实现。这样做的好处是,当你发现当初选择的字体或颜色不再合适时,可以毫不费力地回溯修改,而不用重新开始整个流程。这种对工作流程规范的提前培养,对任何一个想要将爱好转向专业的人来说,都是至关重要的第一课。很多后来的教程只是把这些功能当作是工具之一,但这本书是从根基上确立了这种严谨的工作习惯,让我在后续接触更新版本的Photoshop时,能够更快速地适应其更强大的非破坏性编辑工具,这套基础思维模式的建立,可以说是这本书最长远、最无价的馈赠。

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这本书在处理老版本软件的局限性方面展现了极高的专业素养。我们都知道,CS4相比于现在的CC系列,在某些色彩管理、3D功能或是高分辨率处理上存在天然的短板。然而,这本书的作者似乎将这些“限制”转化成了创作的驱动力。在讲解人物精修的章节中,作者详细演示了如何通过精细的通道分离技术和低分辨率纹理的巧妙处理,来模拟出胶片时代那种特有的颗粒质感和柔和过渡,这在当时的环境下,可以说是避开软件瓶颈的一种高级智慧。我尝试用它教的方法去处理一些老照片的修复工作,效果出奇地好,那种怀旧的、略带瑕疵的美感,反而是新软件一键美化难以企及的。更让我惊喜的是,它还涉及到了一些当时比较前沿的脚本操作概念的介绍,虽然不是完整的功能讲解,但足以让有心人窥见自动化工作流的冰山一角。这对于我这种需要处理大量历史素材的业余爱好者来说,无疑是打开了一扇新的大门,让人看到了工具背后的无限可能性。

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我对这类“500例”性质的书籍一向持谨慎态度,总担心内容会过于碎片化,不成体系,买回来后往往束之高阁,沦为书架上的摆设。但这本书在内容组织上的巧妙之处在于,它虽然实例繁多,但每一组实例之间都有着微妙的逻辑关联,仿佛在构建一个从基础到高阶的技能树。比如,前几十个例子可能都在打磨基础的选区和蒙版技巧,但随着页码的推进,这些基础技能会无缝地被整合进更复杂的合成项目中,例如高动态范围(HDR)的模拟,或是光束和烟雾的逼真渲染。我印象最深的是关于“非主流”滤镜的运用那一章节,作者竟然能将那些常常被忽略的“艺术效果”滤镜,通过巧妙的参数调整和多重叠加,转化成非常现代和抽象的视觉表现。这说明作者不仅仅是机械地展示软件功能,更是在传授一种“发现美”和“重塑美”的思维方式。读完这部分内容后,我对待Photoshop的滤镜库的心态彻底改变了,不再是把它看作是快速效果的捷径,而是视为激发灵感的起点。这种深入骨髓的创作理念灌输,远比单纯的按部就班教学要宝贵得多。

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