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出版者:Carol Publishing Corporation

作者:Jami Bernard

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-05

价格:USD 15.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780806514024

丛书系列:

图书标签:

• 电影史
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史诗之光：穿越光影变迁的百年电影之旅 本书并非关于特定某一部电影的解析，亦非聚焦于某位导演的个人传记，而是一部宏大叙事的史诗，旨在梳理并呈现自电影诞生之初，直至二十世纪末，光影艺术如何在技术、美学、社会文化层面经历的波澜壮阔的演变历程。我们深入挖掘了电影作为一种新兴媒介，如何从最初的“奇观”转变为成熟的叙事工具，并最终成为影响全球文化景观的核心艺术形式。 第一部：黎明与萌芽（1895-1918） 本部分详细考察了电影的诞生背景及其早期的探索阶段。从卢米埃尔兄弟在巴黎大咖啡馆投下的第一束光影，到乔治·梅里爱对魔术与幻想的痴迷，我们展现了电影在技术初级阶段所展现出的惊人潜力。重点分析了爱迪生与卢米埃尔在专利与技术标准上的竞争，以及这种早期竞争如何塑造了电影的初期格局。 我们将目光投向美国，探讨了早期电影制片业如何从东海岸向加州转移，形成了最初的好莱坞雏形。这一时期，电影叙事从简单的“记录现实”逐渐转向复杂的“构建故事”。我们详细分析了D.W.格里菲斯的作品，尤其是《一个国家的诞生》和《残花碎影》，这些作品在镜头语言、蒙太奇手法上奠定了现代电影叙事的基石，尽管其内容本身充满争议，但其技术贡献无可替代。同时，欧洲大陆，尤其是法国的立体主义电影和德国的早期表现主义思潮，以其对视觉风格和心理深度的探索，为未来电影美学的发展埋下了伏笔。我们细致梳理了早期电影院的社会功能，探讨了这一新兴娱乐形式如何迅速渗透到工人阶级和普通民众的生活之中。 第二部：黄金时代的建立与全球扩张（1919-1939） 随着第一次世界大战的结束，电影迎来了爆炸性的发展期。这一时期的核心议题是“艺术的成熟”与“工业的定型”。 在好莱坞，制片厂制度（Studio System）的建立标志着电影工业化生产的巅峰。我们对米高梅、派拉蒙、华纳兄弟等“五大”制片厂的运作模式进行了深入剖析，解释了明星制度如何被系统化地培养和利用。这一阶段的类型片（Genre Film）——如西部片、犯罪片、歌舞片——的成熟，展示了好莱坞在满足大众娱乐需求方面的超凡能力。查理·卓别林、巴斯特·基顿等默片巨匠的喜剧艺术，是对社会变革和个体困境的深刻回应，其肢体语言和情感表达的穿透力至今无人能及。 同时，欧洲电影的“现代主义”浪潮达到了顶峰。德国表现主义（如弗里茨·朗的《大都会》）用扭曲的布景和强烈的明暗对比，映射出战后社会的焦虑与异化。苏联蒙太奇学派，以爱森斯坦和普多夫金为代表，将剪辑提升到了理论高度，探索镜头组合对观众心理的精确控制。法国印象派和超现实主义电影则挑战了传统叙事的逻辑，追求纯粹的视觉诗意。 1927年《爵士歌手》的问世，标志着有声电影的全面来临，这一技术革命彻底重塑了电影的制作流程、演员的表演方式以及观众的体验，为第三部的内容奠定了技术基础。 第三部：经典好莱坞的鼎盛与世界格局的重塑（1940-1960） 有声片时代成熟后，电影艺术在叙事深度和技术精进上达到了一个高点。本部分重点分析了二战及其后冷战时期，电影如何成为意识形态传播和文化反思的重要载体。 战时，电影成为国家宣传机器的重要工具，同时，它也开始探索战争的复杂人性。战后，美国电影的“黑色电影”（Film Noir）风格应运而生，以其宿命论的基调、对道德模糊性的刻画和独特的视觉美学，成为对战后社会幻灭感的深刻表达。奥逊·威尔斯《公民凯恩》的革命性叙事结构和摄影技巧，被视为电影语言的又一次飞跃。 国际影坛方面，意大利新现实主义（Neorealism）的出现，以其对普通民众日常生活的关注和对非专业演员的运用，对全球电影制作产生了深远影响，它主张回归真实，拒绝好莱坞式的虚假繁荣。同时，日本电影在黑泽明、小津安二郎等大师的带领下，形成了独树一帜的东方美学体系，开始在世界影坛占据重要地位。这一时期，电影审查制度（如美国的海斯法典）对创作自由的约束，也催生了创作者在隐晦表达上的精妙技巧。 第四部：新浪潮的冲击与电影语言的解构（1960-1980） 如果说前三部是关于“如何讲好一个故事”，那么这一部分的主题就是“如何颠覆讲故事的方式”。 欧洲的“新浪潮”（New Wave）运动——特别是法国新浪潮——对既有的电影语法进行了彻底的解构。特吕弗、戈达尔等人推崇“作者论”（Auteur Theory），将导演视为与作家同等重要的创作者，强调个人风格和主观体验。他们打破了连贯性的剪辑规则，大量使用跳切、现场同期声、手持摄影，使电影更具即时感和不确定性。 受此影响，全球范围内的青年导演开始挑战传统权威。德国的新浪潮（New German Cinema）、捷克斯洛伐克的“新浪潮”以及英国的“自由电影运动”，共同构筑了一个充满实验精神和政治批判的时代。美国电影也在这一时期迎来了“好莱坞新浪潮”（New Hollywood），以科波拉、斯皮尔伯格、马丁·斯科塞斯等“电影学院派”为代表的年轻导演，他们将欧洲的艺术野心与好莱坞的工业资源相结合，创作出既有深刻内涵又具备商业吸引力的作品。 第五部：技术革新与全球化的前夜（1980-2000） 进入八十年代，技术的进步开始以前所未有的速度改变电影的面貌。数字技术的萌芽、计算机生成图像（CGI）的初步应用，以及杜比立体声等音频技术的普及，为视觉奇观的创造提供了无限可能。 这一阶段，大片制作（Blockbuster）模式被进一步巩固，商业电影的规模空前扩大，特效成为吸引全球观众的关键要素。然而，艺术电影并未停滞。独立电影运动（Indie Film Movement）在美国悄然兴起，以更低成本、更具争议性的题材和更贴近生活的视角，对抗主流的商业化倾向。欧洲电影则在探索全球化背景下身份认同的复杂性，探讨后殖民主义和文化融合的主题。 本书最终定格于新千年伊始，此时的电影工业正站在数字化革命的门槛上，传统胶片时代的辉煌与局限已然定型。我们回顾了这百年间，从化学显影到电子剪辑，从默片到立体声，光影艺术如何不断自我超越，完成了从一项技术发明到世界主流艺术形式的伟大蜕变。本书旨在提供一个完整的脉络，让读者得以清晰理解，每一部今日之电影，都承载着这段复杂而光辉的历史积淀。

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这本书对于技术细节的剖析达到了令人发指的程度，简直是技术宅的福音。我是一个对早期摄影机构造和冲洗工艺特别感兴趣的人，这本书完全满足了我对“硬核”内容的所有渴求。它没有回避那些晦涩难懂的术语，反而用一种近乎自豪的语气，将早期电影工作者们在资源匮乏的情况下，如何利用物理定律和化学反应来创造奇迹的过程，一一解构。例如，它详细对比了不同厂商早期镜头的光学差异对画面景深的影响，以及早期感光乳剂配方对最终色调的决定性作用，这些内容在很多泛泛而谈的电影史上是绝对看不到的。每一次阅读，都像是在上大师级的化学课和物理课，但因为背景是光影艺术，所以丝毫不会觉得枯燥。它让我深刻理解到，那些看似简单的“黑白画面”，背后凝结了多少工程师和艺术家的心血与智慧。如果你想从根本上了解电影是如何诞生的，而不是停留在故事层面，这本书提供的视角是无价的。

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我发现这本书在某种程度上，更像是一本关于“勇气”的教科书，而非单纯的电影史读物。它探讨的“第一部作品”，其核心意义在于“打破常规的勇气”。作者通过对比不同地域、不同文化背景下的第一批电影人所面对的审查制度、市场偏见以及技术瓶颈，提炼出了一个共通的主题：真正的创新者总是在与既有秩序对抗。我尤其欣赏它对一些被主流历史轻易忽略的、但具有开创性意义的短片或实验性作品的深度挖掘，这些内容很少在其他资料中被提及。这种“抢救性”的发掘工作，使得整本书的视野非常开阔，它让我们看到电影语言的萌芽并非单一线索，而是多点同时爆发的壮观景象。这本书让我重新审视了“原创性”的价值，它提醒我们，每一次成功的开篇，背后都是对未知的坚定投身，其价值远超作品本身带来的艺术成就，而在于它为后来者开辟了新的道路。

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这本书简直是把我带回了那个黄金年代，那种纯粹的、对电影艺术的执着追求扑面而来。我通常对这种回顾性作品不太抱有太大期望，总觉得会是流水账式的叙述，但《First Films》完全颠覆了我的认知。作者的笔触细腻得像老旧胶片扫描出的每一个噪点，把那些开创性的导演们在那个百废待兴的年代里，如何用最简陋的设备和最澎湃的热情，去完成他们脑海中宏伟蓝图的过程描绘得淋漓尽致。我特别喜欢其中关于早期灯光和布景处理的章节，简直是一场视觉的盛宴。它不只是在讲“他们拍了什么”，更是在挖掘“他们为什么这么拍”，那种根植于时代土壤的创作冲动，被挖掘得入木三分。读完后，我对很多经典片段的理解都上升到了一个新的层次，不再是简单的审美欣赏，而是对电影语言发展史的一次深刻致敬。这本书的厚重感，不在于页数，而在于它承载的电影记忆和开创精神，让人读完后久久无法平静，仿佛自己也参与了那场伟大的光影革命。我强烈推荐给所有热爱电影制作幕后故事的影迷，它提供的不仅仅是知识，更是一种情怀的注入。

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我得说，这本书的行文风格非常大胆和前卫，完全不像传统的回顾录那样循规蹈矩。它更像是一系列散文诗的集合，充满了跳跃性的思维和意象的碰撞。作者似乎并不满足于简单的历史梳理，而是试图捕捉那种“初次尝试”时独有的，那种带着瑕疵却又无比珍贵的美感。我尤其欣赏它在结构上的实验性，有时候会在一页纸上用极短的句子探讨一个宏大的命题，下一页又会突然插入一段近乎哲学思辨的冗长段落，这种节奏的起伏，恰恰模拟了早期电影创作中那种摸索前行、灵感迸发的不可预测性。坦白说，对于习惯了线性叙事的读者来说，可能需要一些时间来适应这种跳跃感，但这正是它的魅力所在——它要求读者主动去参与到文本的意义构建中。读这本书就像是在一个充满未解之谜的地下室里寻宝，每一次翻页都可能发现一个意想不到的惊喜，那种被挑战后的满足感是其他同类书籍无法给予的。

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这本书最打动我的地方在于，它成功捕捉到了“新人”特有的那种焦虑与狂热的混合体。作者似乎非常擅长捕捉人物的心理侧面，笔下那些第一部作品的导演们，不是高高在上的艺术大师，而是一群在黑暗中摸索，既害怕失败又极度渴望被世界看见的年轻灵魂。书中穿插了大量据称是当时制片人、演员甚至灯光师的访谈片段，这些片段往往充满了矛盾和不确定性，比如对一个新拍摄手法的质疑，或者对某位年轻导演不切实际的野心的嘲讽。正是这些“不完美”的声音，构筑了一个极其真实、有血有肉的创作生态。它让我意识到，伟大的作品并非凭空出现，而是诞生于无数次的自我怀疑、外部压力以及内部驱动力的激烈碰撞之中。阅读体验是极其沉浸的，仿佛我成了那个年代的旁观者，见证了他们从忐忑不安到最终释放出惊人创造力的全过程。

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