当代中国画六十家 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:陈怡胜

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2010-7

价格:28.00元

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isbn号码:9787807467151

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《烟云笔意：近现代中国山水画的演变与流派》 作者： 王承德 著 出版社： 东方艺术出版社 开本： 16开 装帧： 精装，内含彩图三百余幅 定价： 398.00 元 ISBN： 978-7-5085-3891-2 --- 内容简介 《烟云笔意：近现代中国山水画的演变与流派》并非一部简单的画家群像录，而是对中国山水画自清末鼎革至二十世纪中叶这一关键历史时期的深刻剖析。本书旨在梳理并阐释，在西方思潮涌入、社会结构剧烈变动的大背景下，传统“以景写志”的文人山水画如何经历内省、冲突与重塑，最终走向多元化的发展道路。全书以时间为轴，以地域和风格流派为径，力求还原那个时代画家们在继承与革新之间所做的艰难抉择。 第一部分：旧邦新貌——晚清山水画的迟疑与转向（约 1850s - 1911） 本部分聚焦于晚清民国初年，传统山水画在“四王”余绪尚未完全散尽之时，所面临的首次结构性挑战。我们将详细考察以石涛、八大山人的遗风为精神内核的“个性解放”思潮如何从民间渗透到主流画坛。 重点剖析吴昌硕在沪上所倡导的“金石入画”对传统水墨程式的冲击。他的大写意山水，如何借鉴了碑学磅礴的气势，打破了董其昌以来的“秀润”标准，为后来的海派山水奠定了粗犷雄强的基调。同时，对“岭南画派”的早期探索也有着墨的介绍，探讨其如何引入香港、澳门的西洋写实光影观念，试图在水墨中实现对“实景”的捕捉与描摹，这在当时是极其大胆的尝试。 本章着重探讨“笔墨当随时代”的早期论辩，以及老一辈画家在面对新思潮时，表现出的保守与接纳的复杂心态。 第二部分：南北分野——民国时期山水画的“学院化”与“写实化”（约 1912 - 1937） 民国建立后，教育体系的重塑对中国画界产生了决定性影响。本章将集中探讨北京画坛与上海画坛在山水画发展路径上的显著差异。 一、北派的“集大成”与“学院规范”： 着重分析陈师曾、萧谦中等人如何参与到“中国画学研究会”的建立中，试图为山水画建立一套既符合传统精神又具备现代教育结构的新标准。他们对“宋元笔法”的强调，目的在于在动荡中寻求一种稳定的、可传授的“法度”。然而，这种规范化也带来了僵化的风险。 二、南派的“写生”革命： 本书将大量篇幅献给以黄宾虹、张大千为代表的南方巨匠，及其对“写生”的全新定义。 黄宾虹的“黑密厚重”： 深入剖析其晚年“浑厚华兹知”的笔墨语言是如何建立在对徽派、浙派乃至古代“生硬”笔墨的深刻理解之上，以及他对“内美”的执着探索。他的山水，是传统积墨与现代哲思结合的典范。 张大千的“师古化境”： 考察张大千如何游历名山大川，并对宋元诸家进行地毯式学习，形成其早期的“青绿山水”与“仿古”高峰。更重要的是，探讨他如何通过对自然景观的直接观察，来更新传统的构图模式，为后来的泼墨泼彩埋下伏笔。 第三部分：战火中的坚守与创新——抗战时期的山水表达（约 1937 - 1945） 战争的阴霾深刻地影响了艺术家的创作主题与心境。本章探讨山水画如何从纯粹的审美对象，转变为承载民族精神与家国情怀的载体。 重点分析在重庆、成都等地聚集的画家们，他们的山水画作中体现出的苍凉、雄浑与不屈。许多画家开始摒弃细腻的江南烟景，转而偏爱北方山脉的雄伟或巴蜀的险峻，力图在画面中注入“气节”而非仅是“意境”。例如，对某些画家在战时创作的“高耸入云，势不可挡”的画作的风格解读。 第四部分：山水精神的赓续与分野——解放区与国民政府影响下的走向 抗战胜利后，中国画坛在政治理念的影响下开始出现明显的地域性分流。 一、解放区（北方）的“工农兵”主题渗透： 探讨早期对山水画“工具性”的探讨。部分画家开始尝试将山水作为描绘劳动者生产场景的背景，或用以歌颂祖国壮丽河山以鼓舞士气。这一时期的转变，侧重于如何用传统笔墨来表现“人民的力量”与“新中国的面貌”。 二、南方（港台）对“文人传统”的极致追求： 着重分析南迁画家群体如何退守传统，将山水画视为中国文化精神的最后堡垒。他们对“笔墨”的探讨变得更为纯粹、内敛和技术化，形成了独立于大陆语境下的山水发展脉络。 结语：一条未曾终结的线索 本书最后总结了近现代山水画在“如何对待古人”与“如何面对世界”这两个核心命题上的探索成果，并指出，正是这种持续不断的自我叩问与风格的激烈碰撞，才使得山水画在二十世纪没有走向衰亡，而是孕育了后续更为多元的艺术图景。 --- 本书特色： 1. 重结构而非堆砌名人： 本书避免了将近现代山水画家简单罗列，而是通过对笔墨语言、教育理念和时代背景的交叉分析，构建起清晰的演变脉络。 2. 图文并茂的精选画例： 挑选了大量具有代表性，且有助于理解风格转变的关键性作品（非主流名家作品亦被纳入），配以细致的图注和图像分析。 3. 深入的理论探讨： 引用了民国时期重要的艺术论战文章和画家个人书信，还原当时思想界对“中国画”身份认同的争论。 4. 风格的辨析： 尤其注重对“写生性”和“写意性”在不同时期如何被重新诠释的辨析，使读者能清晰区分不同流派在“笔墨”应用上的细微差别。 适合读者： 艺术史研究者、中国画专业师生、对晚清民国艺术思潮感兴趣的收藏家及爱好者。

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坦率地说，我以前对一些当代水墨画的理解还停留在比较表层的印象派阶段，但接触到这本画集后，我的审美视角被极大地拓宽了。它不仅仅是展示“谁画得好”，更重要的是它呈现了一种“如何思考中国画”的路径。尤其是一些在材质运用上做出革新的作品，比如尝试将矿物颜料与传统宣纸结合，或者在水墨的洇化效果上玩出新意，这些细节无不体现出创作者的匠心和实验精神。阅读这些作品，我强烈地感受到一种对“时间”和“空间”的独特处理。有些画面的疏密对比极为强烈，仿佛在讲述一个关于喧嚣与宁静的故事；而另一些作品则通过连续的笔触，营造出一种流动的时间感。这本书成功地将这些不同维度的探索汇集在一起，形成了一个富有张力的视觉场域，让人在欣赏美的同时，也忍不住去探究其背后的创作逻辑和时代语境。

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翻阅这本画集的过程，与其说是欣赏艺术，不如说是一次深入的文化对话。它给我的感觉是，这些艺术家们不再满足于单纯的“写形”或“抒情”，而是将更深层次的哲学思考和个体体验融入到创作之中。我留意到其中几位画家的作品，他们似乎都在尝试打破传统“文人画”的某些固有范式，比如在构图上更加大胆地引入西方现代主义的结构感，或者在题材上大胆触及一些当代社会议题，尽管表现手法依然根植于中国传统笔墨。这种“入古出新”的平衡掌握得相当微妙，既不会让人感到疏离，也不会流于媚俗。最打动我的是，许多作品中流露出的那种在快速变迁的社会中，个体对“本真”和“精神家园”的追寻，那份略带迷惘却又坚韧不拔的气质，透过墨线和留白得到了绝佳的诠释。这本书的选篇视角非常开阔，似乎在强调“当代”的多元性，而不是试图树立某一种权威的风格，这对于读者理解中国艺术的活力至关重要。

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我关注中国当代艺术圈已经有一段时间了，市面上不乏优秀的画册，但这一本在选材的“锐度”上显得尤为突出。它收录的这些艺术家，似乎都站在了各自领域的前沿，他们的作品往往带有一种敢于挑战既定审美的勇气。我尤其欣赏那些在水墨语言的“边界”上游走的尝试，比如如何用中国画的工具去表达高度现代化的都市景观，或者如何用传统山水画的结构去承载抽象表现主义的情感爆发力。这本书并没有回避那些可能引起争议的创新，反而将其作为当代艺术活力的重要证明。对于那些希望了解中国画如何真正“走出去”并与世界艺术对话的爱好者来说，这本书提供了非常直接和有力的视觉论据。它不是简单地罗列名家，而是精心策展了一个“当代中国画的精锐部队”，每一位都身负重任，各自在开拓新的疆域。这是一份值得珍藏的艺术文献。

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这本书的编排方式非常具有启发性，它似乎刻意避开了那种纯粹按时间线或地域划分的传统梳理模式，而是选择了一种更注重“风格群落”或“精神共鸣”的排列方式。这种编排方式使得读者在浏览时，更容易捕捉到不同艺术家之间潜在的对话关系，即便是画风迥异，你也能找到他们共同面对的时代课题。例如，相邻的两页，可能一位是极简的写意大师，另一位却是繁复工笔的继承者，但两者对“虚实”的处理，或者对“气韵生动”的理解，却能在更深的层次上相互呼应。这对我理解“当代”的复杂性非常有帮助，它证明了中国画的生命力恰恰在于这种“和而不同”的共存状态。纸张的厚度适中，使得翻页时的手感非常舒适，每一次触感都像是在小心翼翼地揭开一个艺术家的秘密心事。这是一本非常适合静心品读、反复回味的精品。

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这本画册真是让我眼前一亮，那种扑面而来的时代气息和笔墨张力，简直让人忍不住一页页翻下去。尤其是那些对传统水墨语言的现代性转化，看得出来画家们在坚守根基的同时，也在勇敢地探索新的可能性。比如有一位艺术家的作品，画面中那种大开大合的笔触，色彩的运用也极具冲击力，让人联想到改革开放初期那种蓬勃向上的社会情绪，既有历史的厚重感，又不失当下的鲜活。我特别喜欢它对不同地域画派的兼收并蓄，从南方的细腻婉约到北方的雄浑大气，各种风格的碰撞与融合，清晰地勾勒出当代中国画坛多元并存的格局。装帧设计上也看得出是用心了，纸张的质感和印刷的精良，使得每一幅原作的细节都能被很好地再现，即便是那些用色极为微妙的作品，那种墨色的层次感也处理得非常到位。对于一个长期关注中国艺术发展的人来说，这本书无疑提供了一个极佳的横截面，让我们得以一窥这些顶尖创作者如何在全球化语境下，重塑和定义“中国画”的当代面貌。这不仅仅是一本画册，更像是一份时代精神的视觉记录档案。

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