具体描述
《中国画艺术专史:山水卷》这部分的作者，尽管还可以攀登最高点，但至少已经把攀登百丈高崖的困难征服了。作者把思维活力投入这门学科中，而且起到了对史的融合、转化的效果，这就是胜利，这就是硕果。撰写花鸟画史，仅从对描绘对象的客观存在中，反映出不同时代、不同人对客观世界的不同认识，从而寻求人在生活中率真的审美情操。其难易之处，在于归结到这门艺术所要表现的笔墨形态。而这种表现，正体现在东、西方以至五大洲人们的共同语言与不同习惯上。
作者简介
王璜生，博士，广东美术馆馆长，中国美术家协会理事，广东省美术家协会副主席，中国美术馆专家委员会委员，厂州美术学院、南京艺术学院特聘教授，匡务院政府特殊津贴专家，一级美术师。获意大利总统颁发的“骑士勋章”和法国政府颁发的“骑士勋章”。
出版美术史论专著《中国明清国画大师研究丛书——陈洪绶》(吉林美术出版社1995年版)，出版《王璜生／天地悠然》(辽宁美术出版社1996年版)、《王璜生——生活与艺术》(海南出版社1998年版)、《日常心情——王璜生大花系列》岭南美术出版社2005年版)、《天地／悠然——王璜生水墨艺术》(岭南美术出版社)。
胡光华，美术学博士，历任华南师范大学美术学院教授、华南师范大学首批特殊岗位和特聘岗位教授、上海大学艺术研究院教授、博士生导师，美术史研究中心主任。
专著《中华民国美术史》获第二届全国普通高校人文社科研究优秀成果三等奖和江苏普通高校人文社科研究优秀成果一等奖；《中国明清油画》获湖南省第六届图书评比二等奖；《澳门绘画史》获澳门特别行政区政府学术研究奖学金；主编《海外藏中国历代名画·六》获第四届国家图书奖，在《美术》《文艺研究》《美术研究》《美术观察》《装饰》和《美术与设计》等国家级艺术类核心期刊发表论文80余篇。
目录信息
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读后感
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用户评价
这本书的印刷质量和纸张选择，简直是为艺术鉴赏而生的典范。每一张彩页的色彩还原度都达到了惊人的高度，尤其是那些需要仔细分辨墨色层次的晚明作品，细节清晰可见，完全没有廉价印刷品常见的偏色或模糊感。这对于研究那些依赖微妙光影和层次变化的作品至关重要。我花了好几个下午的时间，对比着书中的图例和自己记忆中在博物馆看到的实物照片，发现作者对某些原作的微小细节把握得非常精准。更值得称赞的是，作者在论述到特定媒材（如绢、麻纸或特定矿物颜料）对画风形成的影响时，总能将技术层面的讨论融入到对画家创作心境的描绘中。这使得技术分析不再是冰冷的科学报告，而成为理解艺术家情感表达的钥匙。这本书的开本设计也非常人性化，便于在书桌上摊开对照阅读，体现了出版方对深度学习者的尊重。
评分我是一个对中国传统文化有深厚情感，但专业知识相对匮乏的业余爱好者，拿到这本书时，起初有些担心晦涩难懂，没想到它在讲解复杂的艺术理论时，展现出了惊人的清晰度。它没有堆砌那些令人生畏的术语，而是用非常生活化、甚至有些诗意的语言，引导我们进入画家的内心世界。例如，书中对宋代院体画中“界笔”的运用与“写意”精神的张力进行剖析时，作者没有止步于技法描述，而是深入挖掘了这种矛盾统一背后所反映的士大夫阶层对秩序与超脱的复杂心态。读到文徵明和唐寅那段关于“吴门画派”的论述时，我仿佛置身于苏州的园林之中，感受着文人之间那种既相互切磋又暗含较劲的微妙关系。这本书的价值在于，它教会了我如何“看”一幅画，而不仅仅是“认出”一幅画。那些对钤印、题跋、装裱形制的细致讲解，也让我明白了中国画的完整体验是一个多维度的过程，而非仅仅是纸上的图案。
评分这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面那墨色晕染开来的山峦，仿佛真能让人嗅到松针与湿润泥土的气息。初翻阅时，我立刻被那种沉静而有力的笔触所吸引，它不仅仅是一本图录，更像是一次穿越时空的对话。作者对不同历史时期画派风格演变的梳理，细致入微，绝非那种泛泛而谈的教科书式叙述。比如，讲到唐代山水画的雄浑气象时，文中对李思训父子与王维、吴道子之间技法与意境的对比分析，简直是鞭辟入里，让我对“青绿山水”和“水墨丹青”的哲学根源有了更深层次的理解。特别是作者引用了大量罕见的、很少被主流出版物收录的壁画和卷轴局部特写，这些细节的呈现，极大地丰富了我的视觉体验。我尤其欣赏它在探讨“留白”艺术时所采用的类比手法，将中国传统哲学中的“虚实相生”概念，巧妙地融入到水墨的运行轨迹中，使得即便是初涉中国艺术史的读者，也能被这种东方美学的精髓所感染。整体来说，这本书的文字功底深厚，学术性与可读性达到了一个完美的平衡点。
评分我个人最看重的是这本书在处理艺术史“断裂”与“传承”问题上的微妙平衡。许多著作倾向于强调某个时期的突然崛起或崩溃，但本书却像一位高明的织工，将看似不相关的艺术节点巧妙地编织在一起。它花了相当大的篇幅来探讨隋唐之际道家思想对山水画空间构图的影响，并清晰地勾勒出这种影响是如何通过宋代的理性化，最终在明代文人画中以一种内敛的方式得以体现的。这种宏大的叙事视角，让我彻底摆脱了将中国画视为一系列孤立风格的碎片化认知。更让我感到震撼的是，作者在结尾部分对近现代中国画的转型进行了冷静而客观的评述，没有陷入民族主义情绪的窠臼，而是从艺术本体语言的演化角度进行了深入剖析。读完此书，我感觉自己拿到了一张前往中国艺术精神高地的通行证，它提供了一种完整而有生命力的历史观，而不是一套僵化的知识点序列。
评分说实话，市面上关于中国艺术史的书籍汗牛充栋，大多疲于奔命地追赶朝代更迭，结构松散，缺乏内在的逻辑主线。然而，这本书给我的感觉是脉络清晰，结构如同精心构建的园林，步移景异，却又不失整体的和谐统一。它最大的创新之处，在我看来，是对“地域性”与“气候影响”在绘画风格形成中的作用进行了大胆的探讨。比如，它将元末明初的“四僧”艺术风格，放在江南地区特定的文人社会背景和气候多变的环境下进行解析，解释了为何他们的作品中常有一种苍茫、孤绝的气质。这种跨学科的视角，让我对艺术史的理解一下子拓宽了。我特别欣赏作者在引用前人评论时所展现出的批判性思维，他既尊重传统评价体系，又敢于提出新的解读角度，比如他对于“笔墨当随时代”这一论断在不同历史节点下的具体表现，就提出了令人耳目一新的见解。这本书的学术深度足以支撑起一篇博士论文的参考文献，但阅读体验却异常流畅。
评分基础资料。有些地方的却做足了文献功夫。
评分比较基础，归纳的比较全
评分比较基础，归纳的比较全
评分结合具体画作，对画面分析细致入微、语言丰富流畅，是此书最大特点。一本史书有自己的特点，就已经不错。不可吹毛求疵，强求太多。
评分结合具体画作，对画面分析细致入微、语言丰富流畅，是此书最大特点。一本史书有自己的特点，就已经不错。不可吹毛求疵，强求太多。
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