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出版者:

作者:四川美术学院招生委员会 编

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2010-1

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787229017224

丛书系列:

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• 设计原理
• 设计入门
• 基础知识
• 视觉传达
• 平面设计
• 色彩理论
• 排版设计
• 设计思维
• 构图
• 设计元素

现代艺术史纲：从印象派到后现代的演变 本书聚焦于19世纪中叶至今的西方艺术思潮、流派更迭及其社会文化背景的深度剖析。 它不仅仅是一部简单的艺术史罗列，更是一部关于“视觉革命”如何重塑人类认知和表达方式的编年史。我们探究的不是艺术的永恒法则，而是其在特定历史语境下的颠覆与创新。 第一部分：现代性的黎明与视觉的解放（1860s – 1914） 本部分深入解析了现代艺术的起源，一个挑战学院派僵化教条、拥抱都市生活和科学发现的时代。 第一章：光影的革命——印象主义与后印象主义的兴起 本章详述了莫奈、雷诺阿等人如何将目光从历史叙事转向日常瞬间，对光线和色彩的科学观察如何转化为对“可见世界”的革命性捕捉。我们仔细考察了孟塞和德加在捕捉现代都市人动态中的贡献。随后，视角转向对印象派松散笔触的反思，探讨了塞尚对结构和体积的回归（立体主义的萌芽）、梵高对内在情感的极端表达（表现主义的先声）以及高更对原始和象征的追求。这些“后印象派”巨匠如何为后续的艺术实验奠定了方法论基础，是本章的核心。 第二章：本能的爆发——野兽派与早期表现主义 艺术开始走向内在的“吼叫”。野兽派（Fauvism）以其大胆、非自然的色彩运用，宣告了形式服从情感的宣言。马蒂斯如何用色彩构建和谐与张力，成为本章的焦点。紧接着，德国的表现主义团体“桥社”（Die Brücke）和“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）如何以扭曲的形体和阴郁的色调，反映出20世纪初欧洲社会深刻的焦虑感和精神危机。我们分析了克尔希纳、蒙克（作为先驱）和康定斯基早期抽象探索的路径差异。 第三章：空间的解构——立体主义与未来主义的理性风暴 这是对文艺复兴以来“透视法”的彻底颠覆。我们细致剖析了毕加索和布拉克如何通过“分析立体主义”将物体分解、重组到二维平面上，探索多视点并置的可能性。随后的“综合立体主义”如何引入拼贴（Collage）技术，模糊了艺术与日常材料的界限。同时，本章对比了意大利未来主义对速度、技术和暴力的崇拜，他们如何试图将艺术完全融入动态的现代生活之中，尽管其政治倾向存在争议。 第二部分：动荡年代的多元实验与对“何为艺术”的拷问（1914 – 1945） 两次世界大战不仅重塑了全球政治版图，也彻底动摇了艺术家对理性、进步和既有美学体系的信心。 第四章：非理性的胜利——达达主义与超现实主义 一战的残酷催生了达达主义，一种反逻辑、反艺术的运动。从杜尚的现成品（Readymade）到科隆达达的政治讽刺，本章探讨了“观念艺术”的雏形是如何通过“去美学化”来挑战艺术机构的权威。紧随其后，超现实主义者（如达利、马格利特）如何借用弗洛伊德的精神分析理论，探索潜意识、梦境和非理性逻辑，试图构建一个比表象世界更真实的“超现实”。 第五章：回到秩序与绝对性——新造型主义与纯粹主义的探索 与浪漫化的表现主义相对，一些艺术家转向了对最基本视觉元素的提纯。荷兰的“风格派”（De Stijl），以蒙德里安为代表，致力于通过水平线、垂直线和三原色来表达宇宙的普遍和谐（Neoplasticism）。这是一种极端的几何抽象，旨在去除一切个人情感和自然形态的干扰。本章分析了这种对“纯粹形式”的追求，以及它如何影响了后来的设计美学。 第六章：集体与国家的艺术意识形态 本章探讨了艺术如何被纳入宏大的社会工程之中。一方面，苏联的构成主义（Constructivism）如何试图将艺术融入工业生产和社会功能，服务于无产阶级革命。另一方面，我们考察了德国的包豪斯（Bauhaus）如何尝试融合艺术、工艺和技术，实现“为大众设计”的理想，尽管最终因政治压力而终结。同时，我们也分析了极权主义政权（如纳粹德国和斯大林治下的苏联）如何定义和强行推行官方艺术，以及这对现代艺术家的流亡和创作产生了何种影响。 第三部分：战后的主导地位与全球视野的拓展（1945 – 2000） 二战后，艺术的重心转移至美国，一系列挑战了传统媒介界限的运动席卷全球。 第七章：抽象表现主义——美国艺术的崛起 纽约取代巴黎成为世界艺术中心。本章深度剖析了“行动绘画”（Action Painting，如波洛克）如何强调创作过程本身的神圣性，以及“色域绘画”（Color Field Painting，如罗斯科）如何通过色彩的沉浸式体验来唤起崇高感。我们探讨了这些艺术家如何继承了欧洲的表现主义精神，并将其转化为一种宏大、个人化的美国叙事。 第八章：对媒介的审视——波普艺术与极简主义的对立 波普艺术（Pop Art）是对抽象表现主义精英主义态度的强力反弹。安迪·沃霍尔和李奇登斯坦如何利用大众文化符号、商业印刷技术，模糊了“高雅艺术”与“低俗文化”的界限，是本章的重点。与之形成鲜明对比的是，极简主义（Minimalism）艺术家（如贾德、莫里斯）如何回归物质本身，拒绝任何隐喻、情感或叙事，只关注物体的空间存在性、材料属性和观众的感知关系。 第九章：观念的胜利与媒介的消解 从极简主义发展出的观念艺术（Conceptual Art）将艺术的重点从“作品”（Object）彻底转移到了“想法”（Idea）。约瑟夫·科苏斯和索尔·勒维特的作品如何质疑了艺术品的商业价值和审美属性，将艺术理论置于视觉呈现之上。本章还涵盖了大地艺术（Land Art）对艺术品在画廊空间之外的探索，以及表演艺术（Performance Art）对身体作为媒介的开创性使用。 第十章：多元主义与全球视角的整合 本书的收尾部分探讨了后现代主义语境下艺术的复杂性。女权主义艺术（如芭芭拉·克鲁格）如何利用挪用和符号学手段批判父权结构；摄影和录像等新媒介如何被主流艺术所接纳并深化；以及全球化进程中，非西方艺术家的声音如何开始挑战西方主导的艺术史叙事。我们总结了20世纪末艺术领域对“真实性”、“原创性”和“中心性”的持续解构和反思。 总结： 本书旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解从对可见世界的科学描绘，到对内心世界的极度释放，再到对艺术本身边界的彻底拷问的完整历程。它强调了艺术史是不断被历史情境、技术进步和哲学思辨所驱动的、永不停歇的对话过程。

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这本《设计基础》的排版简直是灾难，拿到手的时候我就忍不住皱起了眉头。纸张的质感粗糙得让人联想到上个世纪八十年代的教科书，油墨的味道还挺冲，放在书桌上总觉得有点刺鼻。更让人抓狂的是，里面的插图和图示简直是故意的——像素化严重，色彩搭配像是从一个老旧的CRT显示器里截出来的，很多重要的概念图，线条模糊不清，我盯着看了半天，愣是没搞懂作者到底想表达哪个几何关系。比如讲到负空间的概念时，那张图简直就是一团模糊的黑影，我费了好大力气才在脑子里拼凑出那个概念，但这本书本身完全没帮上忙。内容组织上也乱七八糟，前一页还在讲色彩理论，下一页突然跳到排版网格，跳跃性太大，完全没有一个循序渐进的学习路径。我真不明白，在现在这个时代，出版一本设计类的书籍，怎么能对视觉呈现和阅读体验如此敷衍了事？这根本不是一本“基础”读物，更像是一份未完成的草稿，让我这个初学者看了都感到无比沮丧，完全找不到学习的动力和方向。

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如果说有什么优点，可能就是它占用的书架空间挺大的，物理重量也足够扎实。但从内容上来说，我真的找不到可以称赞的地方。这本书的结构松散得令人发指，章节之间的逻辑跳跃性非常大，让我感觉像是在一个堆满了各种设计资料的仓库里乱翻。比如，讲到“图形构成”时，它突然插进来一段关于版权法的冗长讨论，虽然版权重要，但放在这个位置，完全打断了学习图形构成的思路。而且，全书几乎没有提供任何可以自我检验的练习或小测验，设计学是实践的学科，这本书却完全忽略了这一点。你读完了一页又一页的理论，但你不知道自己是否真正理解了，也没有地方让你去应用和测试。这种单向灌输知识的方式，对于需要动手能力的设计学习者来说，简直是一种折磨。它只告诉你“是什么”，却从来不教你“怎么做”，读完后我只能空手而归，急需找另一本更实用的书来补课。

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最让我感到不值的一点是，这本书在探讨“创意”和“灵感”时，其表达方式显得极其空洞和说教。它反复强调“设计需要创新”，但随后给出的建议却是诸如“保持开放的心态”和“多观察生活”这类毫无信息量的陈词滥调。它没有提供任何启发性的思考框架来引导读者如何将这些模糊的“灵感”转化为具体的视觉方案。所有的论述都停留在非常高的抽象层面，缺乏将理论与实际设计流程对接的桥梁。对于我这种需要明确方法论的初学者来说，这种“心灵鸡汤式”的理论指导完全没有操作价值。我期待的是能看到设计师如何从一个模糊的需求出发，通过结构化的步骤，最终形成一个可行的设计方案，但这本书里全是空泛的口号，没有一步到位的操作指南，更没有展示不同设计风格背后的思维逻辑。它似乎更像是一本关于设计哲学思考的散文集，而不是一本实用的“基础”教材。

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这本书在探讨设计原则时，那种年代感简直要穿透纸面。里面的例子，比如关于版式布局的讨论，完全基于上个世纪中叶那种非常严格的、网格至上的主义，对于当今多元化、响应式和移动优先的设计趋势，这本书里只字未提。我试图从中寻找一些关于用户体验（UX）或界面设计（UI）的影子，但很遗憾，这些现代设计思维的核心内容在这本书里完全是缺失的。它好像停留在石版印刷时代，对数字媒体的兴起视而不见。更让我匪夷所思的是，关于设计史的梳理，它也仅仅是走马观花地提了几个名字，缺乏深入的背景分析和风格演变脉络，读完之后，我并不知道不同设计流派之间是如何相互影响和继承的。对于一个想了解当代设计全貌的人来说，这本书提供的知识框架实在太狭隘、太滞后了，它更像是一件博物馆里的展品，而不是一本能指导实践的工具书。

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我本来是冲着“基础”这两个字来的，想找一本能系统梳理设计思维的书，结果这本书给我的感觉就像是某个大学教授把自己的课堂笔记一股脑地塞进了这本书里，然后随便找了个印刷厂付印了事。它的论述风格极其学术化，充满了晦涩难懂的专业术语，而且常常是用了很长一段话去解释一个非常简单的概念，读起来非常累。比如，它对“形式追随功能”的阐述，洋洋洒洒写了将近三页，引用的案例陈旧到我根本不认识那些设计师是谁，更别提理解他们的时代背景了。如果一个设计导论读起来比阅读黑格尔的哲学著作还费劲，那它显然就失去了作为“基础”书籍的价值。这本书更像是一本供少数高阶研究者翻阅的文献集，而不是给渴望入门的新手准备的入门指南。它没有提供任何实用的案例分析，更别提指导读者如何动手实践了，读完之后，我感觉自己对设计的理解并没有提升，反而多了一些困惑。

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