具体描述
A history of dance's pathologization may startle readers who find in dance performance grace, discipline, geometry, poetry, and the body's transcendence of itself. Exploring dance's historical links to the medical and scientific connotations of a "pathology," this book asks what has subtended the idealization of dance in the West. It investigates the nineteenth-century response, in the intersections of dance, literature, and medicine, to the complex and long-standing connections between illness, madness, poetry, and performance. In the nineteenth century, medicine becomes a major cultural index to measure the body's meanings. As a particularly performative form of madness, nineteenth-century hysteria preserved the traditional connection to dance in medical descriptions of "choreas." In its withholding of speech and its use of body code, dance, like hysteria, functions as a form of symptomatic expression. Yet by working like a symptom, dance performance can also be read as a commentary on symptomatology and as a condition of possibility for such alternative approaches to mental illness as psychoanalysis. By redeeming as art what is "lost" in hysteria, dance expresses non-hysterically what only hysteria had been able to express: the somatic translation of idea, the physicalization of meaning. Medicine's discovery of "idea" manifesting itself in the body in mental illness strikingly parallels a literary fascination with the ability of nineteenth-century dance to manifest "idea," suggesting that the evolution of medical thinking about mind-body relations as they malfunction in madness, as well as changes in the cultural reception of danced representations of these relations, might be paradigmatic shifts caused by the same cultural factors: concern about the body as a site of meaning and about vision as a theater of knowledge.
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用户评价
这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它最成功的地方在于，它将那些晦涩的运动生理学和心理学概念，转化成了一种引人入胜的故事讲述方式。我作为一个非专业人士，一开始有些担心那些术语会让我望而却步，但作者的行文风格极其具有穿透力，他总能在关键时刻插入一个鲜活的舞者访谈片段，瞬间拉近了理论与实践的距离。比如，书中对比了不同文化背景下对“柔韧性”的病态追求，从东方的体能训练体系到西方的审美标准，这种跨文化的比较分析，极大地拓宽了我的视野。阅读过程中，我常常需要停下来，回味那些关于“身体记忆”和“创伤重演”的论述。它不仅仅是在描述疾病，更是在探讨舞蹈作为一种高度程式化的行为艺术，是如何在无形中重塑甚至扭曲个体的存在方式。这本书绝对是研究身体政治学和表演艺术史绕不开的一部力作，观点独到且极具启发性。
评分我必须承认，起初我对这本书的期待是偏向于理论探讨的，但它远比我想象的要更具冲击力。它挑战了传统文化中对“舞者”这一形象的浪漫化滤镜，直接把我拽入了冰冷、残酷的现实。作者似乎对每一个流派的“内部黑话”都了如指掌，对那些常年在外人看来“潇洒自如”的表演者，揭示了他们如何与自己的身体进行一场永无休止的战争。书中有一段关于现代舞即兴创作中的“精神耗竭”的分析，那种描述仿佛能让人直接感受到表演者在舞台上精神被抽空的瞬间。这本书的叙事节奏把握得极好，时而像一位冷静的观察者，时而又像一位愤怒的控诉者，情绪的张弛有度，让阅读过程本身就变成了一种紧张的体验。我尤其欣赏它对“超越痛苦”这一概念的解构，作者认为，很多时候我们赞颂的“超凡脱俗”，不过是身体发出的求救信号被艺术光环有意无意地掩盖了而已。这本书迫使我重新审视我对所有“完美艺术品”的审美标准。
评分这本书的叙事结构非常大胆，它采用了非线性的手法，将历史上的著名舞蹈悲剧与当代舞者的个人日记片段交织在一起，营造出一种强烈的时空错位感。这种手法让读者仿佛置身于一个巨大的、不断重复的悲剧循环之中，让人感到无力，却又不得不一页一页地读下去，去探寻每一个“病灶”背后的文化根源。我对其中关于“舞台魔咒”的分析特别感兴趣，作者探讨了舞台聚光灯如何成为一种精神折磨的放大器，以及舞者如何主动或被动地沉溺于这种高压环境。它不像一本教科书，倒更像是一部由多个独立但又相互关联的短篇故事构成的集子，每个故事都聚焦于舞蹈领域中的一个特定“禁忌话题”。我强烈推荐给所有对表演艺术背后的真实成本感兴趣的人，它会彻底颠覆你对舞台上那些光鲜亮丽的“天使”的想象。
评分这本书简直是打开了我对舞蹈世界的新认知！我一直以为舞蹈就是那种优美、和谐的肢体表达，但这本书深入挖掘了那些不那么光鲜亮丽的“病理”层面。作者的笔触非常犀利，毫不留情地剖析了舞者在追求极致过程中所付出的身心代价。比如，书中对“芭蕾舞者综合征”的描述，那种对完美的偏执，以及由此带来的骨骼、内分泌系统的连锁反应，读起来让人既心疼又震撼。我特别喜欢作者用近乎人类学的视角去观察那些看似光环背后的牺牲，从饮食失调到长期的疼痛管理，每一个细节都像是被放在显微镜下仔细审视。它不是一本教你如何跳得更好的书，更像是一本关于“舞者生存困境”的深度报告文学。我花了很长时间消化其中关于职业倦怠和身份认同危机的章节，它让我意识到，艺术的创造力往往与巨大的内在冲突相伴而生。这本书的论证结构非常严谨，引用了大量的临床案例和历史文献，使得那些抽象的“病态美学”变得有血有肉，让人无法回避。
评分读完这本书，我有一种被“清洗”过心灵的感觉。它不是那种读完后会让你心情愉悦或充满希望的书，相反，它会带来一种深刻的、近乎哲学的忧郁。作者对于“艺术的本质是否必须建立在牺牲之上”这个问题进行了极其深刻的拷问。书中的文字密度非常高，每一句话似乎都承载着沉重的分量。我最受触动的是关于“年龄歧视”和“职业寿命终结”的讨论，很多舞者在巅峰期过后，如何面对身体机能的衰退，以及社会价值的迅速贬值，这些社会学层面的探讨，使得这本书的格局超越了单纯的医学范畴。我感觉作者不是在写一本关于“病”的书，而是在写一本关于“人”在极端压力下如何维持尊严和完整性的史诗。那种对逝去青春和无法挽回的身体损伤的细腻描摹，让我的情感体验非常复杂，既有对艺术的敬畏，也有对系统性压迫的无声抗议。
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