戏剧影视形体表演基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国传媒大学

作者:杨扬

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2010-5

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787811278446

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《舞台的身与魂：形体表情的深度解析》 本书并非《戏剧影视形体表演基础》的简单翻版，而是从一个全新的视角，深入探究身体作为戏剧表现核心的无限可能。我们摒弃了将形体表演视为技巧堆砌的传统观念，转而强调形体与情感、空间、乃至观众心灵的深度连接。 第一章：身体的觉醒——解放与感知 在这一章，我们首先回归表演的原点：身体本身。这不是关于如何摆出某个造型，而是关于如何“感知”你的身体。我们将引导读者进行一系列的身体探索练习，目的是唤醒那些长期被忽视的感官，例如： 内在触感： 感受肌肉的张弛，骨骼的支撑，关节的自由度，以及呼吸在身体内部的流动。这是一种“由内而外”的感知，是理解身体表达的基础。 空间意识的拓展： 并非简单地认识到自己所处的空间大小，而是要体会身体与空间的关系。空间是拥抱你的，还是压迫你？空间是有形的，还是可以被你的情绪所塑造？我们将通过一些非语言的互动练习，让读者体会空间的“质感”和“重量”。 情绪与身体的共振： 探索情绪如何自然地转化为身体的信号。我们将讨论一些常见的，但常常被忽略的身体语言，例如：细微的面部肌肉颤动如何泄露内心的不安；肩膀的轻微下垂如何暗示疲惫或沮丧。我们会引入一些心理学上的概念，例如“镜像神经元”，来解释观众如何通过观察身体语言来共情表演者。 第二章：生命的脉动——节奏与能量的注入 表演的生命力源自于身体内部的脉动。本章将深入探讨如何为身体注入生命力，让每一个动作都充满意义和能量。 内在节奏的发现与运用： 我们的身体本身就拥有丰富的内在节奏——心跳、呼吸、血液流动。如何将这些自然的节奏放大，并与角色的情感和故事情节相融合，是本章的核心。我们将学习如何通过调整呼吸的深浅、快慢来塑造角色的状态，如何让肢体的每一次舒展都伴随着内在能量的涌动。 能量的传递与接收： 表演不仅是输出，也是接收。我们将探讨如何通过身体向外传递能量，吸引观众的注意力，并与对手演员产生真实的连接。同时，我们也会关注如何“接收”来自对手演员、空间甚至观众的能量，并做出有机的回应。这是一种能量的“对话”，是构成真实戏剧张力的关键。 静默的力量： 在喧嚣的舞台上，静默同样拥有强大的力量。本章将引导读者体会“有意义的静默”，即不是简单的停止，而是在静默中蕴含的思考、期待、回忆或压抑。我们将分析经典戏剧片段中，演员如何通过精准而富有张力的静默来制造戏剧冲突和情感冲击。 第三章：世界的映射——形体与环境的对话 身体并非孤立存在，它总是与所处的环境发生着千丝万缕的联系。本章将探讨形体表演如何成为映射内心世界与外界环境的桥梁。 空间的“性格”与身体的“回应”： 不同的空间（宏伟的宫殿、狭窄的巷道、荒凉的旷野）会激发表演者不同的身体反应。我们将分析演员如何通过身体的尺度、姿态、移动方式来回应空间的“性格”，使身体成为空间的有机组成部分。例如，在宽阔的空间中，身体需要更 expansive 的表达来填补；在逼仄的空间中，身体则需要收敛和内在的张力。 物质的触感与情感的联想： 舞台上的道具、服装，甚至地板的材质，都拥有其独特的触感。本章将引导读者去“感受”这些物质，并将这种物质的触感转化为角色内在的情感体验。例如，粗糙的麻布可能象征着贫困和挣扎；光滑的丝绸则可能暗示着奢华或脆弱。 不可见的“力量”： 除了看得见的空间和物质，还有许多不可见的“力量”影响着我们的身体——重力、风、甚至是时间。我们将探讨如何利用这些不可见的“力量”来丰富表演。例如，如何用身体去“对抗”重力，来表现角色的顽强；如何用身体去“回应”风的吹拂，来营造氛围。 第四章：人性的微光——细节的雕琢与情感的呈现 戏剧的核心在于人，而人的灵魂往往体现在那些最微小的细节之中。本章将聚焦于如何通过形体表演来雕琢细节，呈现复杂而真实的人性。 微观表情的解读与运用： 我们的面部表情是极其丰富的，但很多时候，细微之处才最能揭示角色的内心。我们将深入分析眼角眉梢的颤动、嘴唇的轻微牵动、鼻翼的翕张等微观表情，并探讨如何将它们精准地运用到表演中，以传达角色的微妙情绪。 习惯性动作与角色的“骨骼”： 每个角色都有其独特的习惯性动作，这些动作是角色“骨骼”的一部分，它们塑造了角色的行为模式，并透露出角色的个性和背景。本章将指导读者如何观察、提取并运用这些习惯性动作，让角色变得更加立体和可信。 情感的“层次”与身体的“流动”： 真实的情感并非一成不变，而是具有丰富的层次和微妙的流动。我们将探讨如何用身体来表现情感的渐变、转折和冲突，例如，从压抑的愤怒到爆发的狂喜，再到瞬间的失落。这需要表演者能够灵活地调动身体的各个部分，使之与情感的变化同步。 第五章：跨越边界——创造与融合 表演是一种创造性的艺术，它需要不断地跨越边界，将不同的元素融合在一起。 身体的“语言化”： 形体表演并非简单的模仿，而是将抽象的情感和思想转化为一种可视化的“语言”。本章将探讨如何构建属于角色的身体语言，使其能够清晰有效地与观众进行沟通。 想象力的解放与身体的延展： 舞台上的空间可以是无限的，角色的可能性也是无限的。我们将鼓励读者充分释放想象力，用身体去“创造”不存在的物体，去“体验”不曾经历的感受，让身体成为想象力的延展。 “我”与“非我”的融合： 每一个角色都是一个独立的生命体，表演者需要将自己“融入”角色之中，同时又不失自身的创造性。本章将探讨演员如何在表演中找到“我”与“非我”之间的平衡点，实现真正的角色塑造。 本书旨在成为您探索身体表演奥秘的指南，引导您发现身体的潜能，释放内心的情感，用生命去触碰舞台，用身体去讲述故事。它不是一个固定不变的公式，而是一扇开启您自身创作可能性的门。

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这本书的阅读体验是相当“沉浸式”的，读完某个章节后，我常常会关上书本，对着镜子反复尝试书中描述的那些微小调整。它没有给出任何“万能公式”，而是像一位资深的导演在旁边细声指导你找到身体的“盲点”。最让我感到醍醐灌顶的是关于“身体的记忆”那一节。作者认为，演员的每一次肌肉记忆都不是孤立的，而是承载着过往角色的残余能量。书中介绍了几种训练方法，旨在帮助演员“清理”或“激活”特定身体层面的记忆库，从而使表演更加富有层次感和历史厚重感。这种深入到生理和心理层面的探讨，让我意识到形体表演远非简单的模仿，它是一种深度的自我挖掘与重塑过程。虽然这本书对读者的基础知识有一定的要求，但它的启发性毋庸置疑。它成功地将身体训练的实践性与艺术哲学的思辨性完美地融合在了一起，真正做到了“知行合一”的引导。

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我抱着极大的期待翻开了这本书，原以为它会提供一套立即可用的“表演工具箱”，能直接指导我如何在舞台上或者镜头前做得更出色。然而，这本书给我的感受却更像是一次关于“观看”的哲学思辨之旅。它似乎并不专注于教授“如何动”，而是引导我们去思考“为什么这样动”。书中大量引用了现象学和符号学的理论框架，试图解构演员身体在表演过程中所携带的文化代码和潜意识信息。举例来说，它花了很大篇幅讨论“凝视”的力量——镜头对准角色的瞬间，角色的目光如何回馈这个凝视，以及这种眼神交流如何在叙事中构建权力关系。其中对于“非语言沟通的断裂性”的探讨尤其精彩，作者指出，在高速剪辑的现代影视作品中，形体语言的连贯性往往被碎片化的情绪所取代，这要求当代演员必须具备极高的瞬间爆发力和精确度。这本书的结构非常清晰，从宏观的文化背景到微观的身体肌理分析，脉络分明，尽管学术性很强，但它促使我跳出表演技巧的表层，去触碰表演背后的存在论意义。

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说实话，这本书的排版和印刷质量，远超出了我作为一本专业教材的预期。它不是那种干巴巴的理论汇编，更像是一本精心策划的影像艺术画册。我特别喜欢它在关键概念旁附带的那些高清剧照和分镜图解。比如，当它讨论到“身体的重心与情绪的起伏”时，书中竟然配上了某部经典电影中，角色从坐姿到站立过程中，重心转移轨迹的精确线条图示，并配以详细的解说，说明重心是如何暗示角色的心理防线崩溃。这使得抽象的理论变得异常具象化，极大地提高了学习效率。此外，书中对不同地域、不同文化背景下的身体表达差异进行了细致的比对，比如东方古典戏曲中对“写意”的推崇，与西方斯坦尼斯拉夫斯基体系中对“真实体验”的强调，是如何体现在演员的身体形态上的。这本书的价值在于，它打破了单一的表演理论霸权，提供了一个多元的、跨文化的视野，让我开始用更开阔的眼光审视自己接触过的所有表演形式。

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这本书的装帧设计着实吸引人，封面是那种略带复古的深蓝色调，配上烫金的标题字体，散发出一种沉静而专业的质感。我本来以为这是一本偏向理论研究的学术专著，但翻开目录后，惊喜地发现它对影视艺术的审美变迁有着深入的剖析。它详细梳理了从默片时代到数字媒体兴起的各个阶段，导演们是如何通过镜头语言来塑造人物的“形体”——不是单纯的肢体动作，而是包括面部微表情、身体姿态在光影中的微妙变化。比如，书中用大量的篇幅对比了特定历史时期下，不同流派的演员（如布莱希特戏剧影响下的表演与好莱坞古典派表演）在镜头前如何调度他们的身体能量，以达到与观众潜意识的连接。尤其是关于“空间感知”的一章，作者提出了一个很有趣的观点：在二维的银幕上，演员的“形体”实际上是在和观众的想象空间进行对话，而不是仅仅填充画面。这一点对我理解电影场面调度和景别选择之间的关系，提供了全新的视角。这本书的文字功底非常扎实，逻辑层层递进，虽然涉及不少专业术语，但作者总能找到绝妙的比喻来阐释复杂的概念，读起来既有挑战性又不失乐趣。

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坦率地说，这本书的文字风格非常具有个人色彩，甚至有些许的偏执，但这种偏执正是其魅力所在。作者似乎对“矫揉造作”的表演深恶痛绝，全书贯穿着一种对“诚实身体表达”的极致追求。它批判了许多在商业影视中流行的、过度依赖特效或剪辑掩盖表演功底的现象，并旗帜鲜明地提倡回归到演员自身身体作为主要信息载体的时代。书中对特定动作的分析达到了“病态”的细致程度，比如一个角色拿起水杯的动作，作者可以从手腕的轻微颤抖、手指的张开角度、手臂的抬升速度，分析出其内在的焦虑等级和社交压力。这可能让某些追求速成的读者感到枯燥或晦涩，但对于我这种痴迷于表演细节的爱好者来说，简直是宝藏。它提供了一种近乎于科学研究的方法论，来解剖艺术的瞬间，让人不得不重新审视每一个被我们忽略的身体信号背后所蕴含的巨大信息量。这本书无疑是为那些愿意慢下来、深入骨髓去探索表演本质的严肃学习者准备的。

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有详细的形体训练说明

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