具体描述
《三维动画基础实例教程》精选国内外优秀的三维动画实例，讲解三维动画基础知识。书中的概念清楚，图文并茂，操作步骤详细准确，实例设计的思路清晰，设计流程规范。通过实例设计的学习，读者可以很快地进入到三维动画设计领域。对于有一定三维动画设计基础的读者，本教材的实例也很有启发。
本教材结构严谨，内容丰富，通俗易懂，并配有大量的习题，可供普通高等和中等院校的相关专业作为二维动面基础课程的教材使用。也可供相关领域的工程技术人员参考。
雕塑的呼吸：现代艺术中的材料与形式探索 本书深入剖析了自印象派以来，雕塑艺术在材料运用、空间观念以及与观众互动方式上所经历的深刻变革。它并非一部单纯的艺术史编年史，而是一部聚焦于“物性”与“观念”如何相互缠绕、共同塑造现代雕塑面貌的深度研究。 第一章：从纪念碑到“非纪念碑性”：雕塑语境的转移 本章追溯了19世纪末期，雕塑如何开始摆脱其传统上服务于纪念碑叙事或宗教表达的藩篱，转向对自身物质性和空间存在感的探索。 1.1 罗丹的“未完成”与触觉的复兴： 探讨奥古斯特·罗丹作品中强烈的肌理感与内在精神的涌动，分析他如何利用材料的粗糙和残缺性来表达人类经验的复杂性，而非追求古典雕塑的完美光洁。我们重点分析《地狱之门》中的个体群像，以及它们如何预示着现代主义对主体内在世界的关注。 1.2 意象的消解与形式的解放： 分析立体主义对雕塑的影响。布拉克和毕加索如何通过平面化、多视角的碎片重组，打破了传统雕塑必须是实体块面的限制。本节详述了拼贴（Assemblage）技法如何首次将“现成品”（Found Objects）合法引入到雕塑的创作领域，挑战了艺术品必须由艺术家亲手“塑造”的传统观念。 1.3 原始主义的回响： 考察高更、马蒂斯以及更早的非洲面具和古代雕塑对欧洲艺术家产生的震撼。重点分析原始主义如何提供了一种更直接、更具仪式感的表达途径，使得雕塑语言摆脱学院派的束缚，回归到材料最本质的象征意义和表现力。 第二章：工业时代的物质哲学：金属、木材与新材料的介入 进入20世纪，工业革命带来的新材料和新的制造技术极大地拓宽了雕塑的可能性。本章关注艺术家如何驾驭这些新物质，并赋予其哲学意义。 2.1 钢铁的理性与野性： 深入研究立体派之后的结构主义雕塑，尤其是巴斯库（Constantin Brancusi）如何提炼形式至其最纯粹的几何本质，例如《空间中的鸟》系列中对光滑表面的极致追求，体现了对速度与动态的抽象表达。随后，转向卡尔德（Alexander Calder）的动态雕塑（Mobile），分析他如何利用轻质金属（如铝片）和平衡原理，将雕塑从静止的物体转变为在空气中不断变化的关系系统。 2.2 焊接与构造： 重点分析“构造主义”（Constructivism）在俄国和后来的欧洲发展中，如何将焊接、铆接等工业技术视为合法的雕塑语言。对如冈萨雷斯（Julio González）的作品进行细致的剖析，探讨他们如何用“负空间”（Negative Space）——即被金属骨架界定出的空气——来构建作品的实体感，这与传统的堆砌式雕塑形成了鲜明对比。 2.3 有机与合成： 探讨塑料、树脂、玻璃纤维等合成材料在战后雕塑中的应用。分析这些材料如何使雕塑可以被塑造成前所未有的透明度、色彩饱和度或巨大的体量，同时又保持轻盈。研究如尼基·德·圣法勒（Niki de Saint Phalle）如何利用工业涂料和合成材料创作出色彩鲜艳、充满女性主义色彩的巨型雕塑。 第三章：环境与身体：互动、时间性与场域特定性 20世纪中叶后，雕塑的边界被彻底打破，它开始与环境对话，甚至邀请观众进入其中，成为一种体验而非纯粹的观看对象。 3.1 环境艺术与大地雕塑的兴起： 本章深入探讨大地艺术（Land Art）的先驱，如史密森（Robert Smithson）的《螺旋防波堤》。分析这些作品如何超越了画廊或博物馆的限制，将雕塑的尺度扩展至地理尺度，并强迫观众以时间（季节、侵蚀、地质变化）作为衡量作品的维度。探讨这种介入对自然景观的伦理影响。 3.2 偶发艺术与“去物质化”： 考察“偶发艺术”（Happenings）和表演艺术（Performance Art）对雕塑定义的冲击。重点分析伊夫·克莱因（Yves Klein）的“人体测度”系列，其中身体本身成为了工具和材料，使得作品的物质性被暂时性地悬置。 3.3 空间介入与装置艺术的诞生： 阐述装置艺术（Installation Art）如何继承并发展了雕塑的空间观念。分析艺术家如何利用现有的建筑空间、光线和声音，构建一个完整的、沉浸式的叙事环境。探讨这些作品如何要求观众的身体移动和感知参与，从而完成了从“雕塑”到“空间体验”的转变。我们详细分析特定场域艺术（Site-Specific Art）的理论基础，即作品的意义与其发生地点的不可分割性。 第四章：后现代的回归与材料的再语境化 面对抽象表现主义和极简主义对形式的过度提纯，后现代雕塑家选择了一种更具批判性、更富叙事色彩的材料运用方式。 4.1 极简主义的逻辑： 细致分析唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）如何通过重复的几何单元和对工业材料的直接呈现（如裸露的钢板、砖块），来消除作品中任何暗示性的、主观的情感表达。分析他们如何通过严格的“特定对象”（Specific Object）理论，挑战艺术与家具、建筑之间的界限。 4.2 挪用与拼凑的批判： 探讨后现代雕塑对传统“原创性”观念的颠覆。分析如杰夫·昆斯（Jeff Koons）如何利用高度抛光的、俗艳的材料（如不锈钢、充气玩具的形态）来探讨大众文化、消费主义和艺术价值之间的悖论。 4.3 纺织品、软性与易腐性： 关注那些挑战雕塑“永恒性”的材料。分析克拉斯·奥尔登堡（Claes Oldenburg）如何用柔软的乙烯基和帆布来解构日常物品的坚硬结构，赋予其幽默和脆弱感。同时，探讨使用有机物、食物或易腐材料进行创作的艺术家，他们作品中的时间性焦虑和对保存行为的反思。 结语：雕塑的边界：技术与伦理的未来 本书最后一部分展望了数字技术对传统雕塑实践的影响，包括三维打印、参数化设计等前沿技术如何被用于创作具有复杂内部结构或难以传统方式实现的形态。同时，也反思了在材料日益多元化的今天，雕塑作为一种艺术实践，其核心价值——对物质世界、空间关系以及人类身体体验的深刻捕捉——将如何持续演进。本书旨在为读者提供一套完整的工具和视角，去解读和欣赏那些不断挑战“何以为塑”这一根本问题的现当代艺术实践。
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