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出版者:

作者:罗杨 编

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2010-5

价格:38.00元

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isbn号码:9787806638422

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跨越山河的千年对话：中国古典园林艺术的诗意与哲思 本书聚焦于中国古典园林这一独特的艺术门类，深入剖析其从萌芽、发展到鼎盛时期的历史脉络、美学原则、营造技艺及其所蕴含的东方哲学思想。它并非一部单纯的建筑技术手册，而是一部带领读者走进“可行、可望、可游、可居”的微缩宇宙的文化之旅。 第一章：天地玄黄，山水入怀——园林理念的哲学根基 中国古典园林，是人与自然关系哲学思考的物化体现。本章首先追溯了中国传统文化中“天人合一”思想的源头，从先秦时期的道家“道法自然”到魏晋时期的玄学对自然隐逸的推崇，为园林的诞生奠定了思想基础。我们将探讨“咫尺之内再造乾坤”的理念如何从山水诗、山水画中汲取养分，最终凝练为一种可供人居、可供观赏的空间艺术。重点分析了儒家入世情怀与道家出世思想如何在园林布局中巧妙地寻求平衡点，形成既有秩序感又不失自然野趣的独特风格。 第二章：烟雨江南，雄浑北方——地域风格的物质呈现与精神差异 园林艺术并非铁板一块，其风格深受地域气候、物产和文化心理的影响。本章将分两大板块进行细致的比较研究： 1. 江南私家园林：精巧雅致的“心性之所” 聚焦苏州、扬州等地的私家园林（如拙政园、留园）。分析其如何利用有限的空间，通过叠山理水、花木配置和建筑的虚实处理，营造出“移步换景”的动态美学。重点剖析对水体的运用——水榭、曲池、月洞门，如何将江南的烟雨灵动融入日常起居。探讨文人士大夫阶层在园林中寄托的闲适情怀、对艺术的追求以及对士林雅集的实践。 2. 北方皇家园林：威仪恢弘的“皇权象征” 以北京的颐和园、承德避暑山庄为代表，研究皇家园林在体现权力与秩序方面的特征。分析其宏大的轴线布局、对北方山系（如燕山）的借景手法，以及如何通过多民族建筑元素的融合（如“山万寿”与“汉地规制”的结合）来彰显“普天之下莫非王土”的政治理念。 第三章：叠山理水：无声的交响乐章 “山为骨，水为脉”。本章深入探讨园林设计中最为核心的两大要素——假山与水体。 1. 叠山艺术的精髓： 追溯宋代米芾“米家山”的理论，解析“劈、琢、嵌、搭”等技法在不同朝代的发展。研究如何通过太湖石、黄石等不同石材的选择，模拟自然山峦的肌理和气势，实现从“自然之山”到“艺术之山”的转化。 2. 水的哲学与技法： 探讨水在园林中作为动态元素的作用，包括水池的形状设计、水流的引入与处理（瀑布、溪涧）。分析水面如何通过倒影、声响（听泉）来扩展空间的深度与广度，并揭示水与园中亭台楼阁的相互映衬关系。 第四章：建筑的诗意与空间的叙事 园林中的建筑并非单纯的遮蔽之所，而是引导观者体验和思考的媒介。本章侧重于分析亭、台、楼、阁、轩、榭的功能分化与艺术价值。 亭与轩： 探讨它们作为“观景点”和“暂歇处”的设计哲学，如十字亭、六角亭如何应对不同方位的景观。 漏窗与月洞门： 深入剖析这些“框景”构筑物的空间魔术。研究它们如何通过有限的开口，将外部的景致截取、组织并引入到室内或游廊，实现“隔而不塞，通而不露”的境界。 “藏”与“露”的艺术： 分析园林路径的设计如何运用障景、曲径通幽的手法，制造悬念和期待感，使人在游览过程中体验到一种不断发现新景的愉悦过程。 第五章：花木林石：生命的媒介与季相的流转 园林中的植物配置是营造特定氛围、体现季节更替的关键。本章将超越简单的植物图鉴，探讨植物的象征意义。 “花朝月夕”的布局： 研究松、竹、梅（岁寒三友）在园林中表达的文人操守；牡丹、芍药如何烘托富贵气象；以及如何通过季相变化（春花烂漫、夏荫浓密、秋色斑斓、冬雪挂枝）来配合不同节日的游园活动。 意境的烘托： 分析植物的形态、色彩如何与建筑的体量和颜色相呼应，共同完成对特定意境的渲染，如幽篁深处带来的清幽感。 第六章：园林与文学艺术的交融：诗、画、戏的载体 中国园林是集诗词歌赋、绘画艺术和园林建筑于一体的综合性艺术殿堂。本章探究园林如何成为文人雅集的场所，以及其艺术生命力是如何通过其他媒介得以延续和升华的。 题咏匾额的意义： 分析匾额、楹联在点明园林主旨、赋予空间精神内涵方面的作用。 诗意的空间化： 考察山水诗歌如何直接转化为园林景观的蓝图，以及园林设计如何反过来启发诗人的创作灵感。 戏台与曲水流觞： 探讨在特定园林空间中上演的昆曲、地方戏曲，如何使园林从静态的观赏对象转变为动态的文化体验场域。 结语：传承与当代语境下的反思 本书最后将目光投向当代，反思在城市化进程中，我们应如何从古典园林的智慧中汲取营养，以应对现代人对自然回归的深层需求，探讨如何在当代景观设计中重构人与环境之间和谐、富有诗意的共生关系。 本书适合所有对中国传统文化、建筑史、景观艺术、园艺美学以及东方哲学感兴趣的读者深入研读与品鉴。

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我总觉得，中国画是一种沉静的艺术，是一种需要静下心来慢慢品味的。但《中国画市场》这本书，却像一把火，点燃了我对这个领域的好奇心，让我看到了它另一面的“热情”和“活力”。它没有给我灌输任何关于“如何鉴赏”的知识，而是将我直接抛入了一个充满“买卖”和“竞争”的真实场景。书中对画廊、拍卖会、艺术博览会等交易场所的描绘，让我仿佛身临其境，看到了那些为了争夺一件作品而暗流涌动的气氛。我尤其对书中关于“当代水墨”的论述非常感兴趣，作者似乎在试图解释，为什么那些看似传统的元素，却能在当下这个时代，被赋予如此高的市场价值。它让我看到了，艺术家的“才华”需要与“市场”的机遇相结合，才能爆发出惊人的能量。书中对不同收藏家群体的分析，让我明白，原来不同的收藏家，有着不同的动机和偏好，他们收藏的目的，可能是为了投资，可能是为了彰显身份，也可能是纯粹的艺术热爱。这本书给我带来的，不是一种艺术上的“启蒙”，而是一种对市场规律和社会现象的“洞察”。它让我意识到，中国画，作为一个文化符号，也作为一个商品，它的价值，是艺术本身、市场需求、社会认同以及资本运作共同作用的结果。

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这本书简直把我对中国画的认知彻底颠覆了！我一直以为中国画就是文人墨客笔下的梅兰竹菊，或者就是博物馆里那些古老的作品，虽然欣赏，但总觉得离我的生活有点遥远。然而，《中国画市场》这本书，用一种我从未想过的方式，将中国画从“象牙塔”拉回到了现实世界。它没有像很多艺术评论那样，沉浸在笔墨技法和历史渊源的考究中，而是像一个经验老道的市场分析师，或者一个充满好奇心的投资者，深入探究了中国画在当下的流通、价值和未来走向。读到关于当代中国画的拍卖纪录，看到那些年轻艺术家作品的价格飙升，我才意识到，原来中国画并非只是过去时，它是一个充满活力、甚至可以说是“炙手可热”的领域。书中对市场背后的推手，比如画廊、拍卖行、收藏家群体，以及资本的介入，都有非常细致的描述。我尤其对其中关于“新水墨”的讨论很感兴趣，作者似乎在试图解释，为什么传统的水墨元素能够被当代艺术家赋予新的生命，并且在市场上获得如此高的认可。这本书不是教你如何画画，也不是教你如何鉴赏，它更像是一张地图，指引着我这个门外汉，去理解中国画这个庞大而复杂的生态系统。我甚至开始思考，那些在市场上屡创佳绩的作品，它们究竟是艺术本身的价值，还是市场炒作的结果？这种疑问，正是这本书带来的最大魅力之一。

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我一直以为，中国画的价值，应该是永恒不变的，是那些经过时间检验的经典。但是，《中国画画市场》这本书，狠狠地刷新了我的三观。它让我看到，中国画的市场价值，其实是不断变化、充满不确定性的。作者似乎在用一种非常直接的方式告诉我，你看到的画作，它现在的价格，它未来的走向，都受到很多非艺术因素的影响。比如，艺术家本身的“名气”有多大，他所在的画廊“实力”有多强，他最近有没有被重要的“藏家”收藏，甚至他有没有“包装”自己的能力。书中对一些当代艺术家的案例分析，让我觉得，原来艺术的“成功”，有时候跟“会营销”比“会画画”更重要。我看到了一些非常年轻的艺术家，他们的作品在市场上受到了追捧，价格也水涨船高，但同时，也有一些传统的、大家熟知的艺术家，他们的作品价格却出现了波动。这种“冷热不均”的现象，让我开始反思，我们究竟是在追逐艺术的“真谛”，还是在追逐“流行”的趋势？这本书给我带来的，不是一种简单的“喜欢”或“不喜欢”，而是一种强烈的“好奇”和“探究”的欲望。我开始想要了解，是什么在驱动着这个市场？是资本吗？是潮流吗？还是人们对“财富”和“身份”的追求？它让我意识到，艺术品，尤其是中国画，不仅仅是挂在墙上的装饰，它更是资本运作、文化符号和市场需求的集合体。

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说实话，我当初拿起《中国画市场》这本书，纯粹是出于一种“凑热闹”的心态。我一直对国画有些莫名的好感，但仅限于欣赏，从未想过要去了解它的“市场”到底是怎么回事。结果，这本书的内容，比我想象的要“硬核”得多，也“精彩”得多。它没有那种故弄玄虚的理论，而是像一个经验丰富的“老司机”，带你闯入中国画这个光鲜亮丽又充满角力的市场。书中对拍卖行的运作模式，画廊如何“孵化”艺术家，以及收藏家群体的心态，都做了非常细致的剖析。我最惊讶的是，原来一幅画的“身价”，受到如此多因素的影响，不仅仅是画本身的技巧和意境，更包括了画家的“背景故事”，作品的“稀缺性”，甚至是画作能否“讲好一个故事”，能否引发收藏家的“情感共鸣”。书中对一些“天价”画作的拆解，让我觉得，艺术品市场，有时候比股票市场还要复杂和充满“戏剧性”。我看到了艺术的“价值”如何被“价格”所定义，也看到了“名气”如何一步步催生“财富”。这种视角，让我对中国画的理解，从单纯的艺术欣赏，上升到了对商业运作、文化价值和社会现象的观察。这本书让我觉得，原来中国画，不仅仅是笔墨的挥洒，更是资本、文化和欲望交织的复杂游戏。

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我一直是个对商业运作毫无概念的人，对艺术品市场更是知之甚少，总觉得那是少数人玩的“高雅游戏”。《中国画市场》这本书，像一剂猛药，直接把我从“无知”的舒适区里“踢”了出来。作者用一种非常接地气，甚至可以说是“赤裸裸”的语言，揭示了中国画背后隐藏的商业逻辑。我从未想过，一幅画的价值，不仅仅在于它的艺术性，更在于它是否被“包装”，是否被“推崇”，是否能够迎合某些藏家的“口味”。书中对不同价位画作的分析，对不同类型艺术家的市场策略，都让我大开眼界。我看到了那些默默无闻的艺术家，如何通过参加展览、与画廊合作，一步步走向市场；也看到了那些曾经辉煌一时的大家，他们的作品又是如何在时间的洪流中，重新定价。让我印象深刻的是，书中并没有简单地将市场行为定性为“好”或“坏”，而是呈现了一种复杂的、多维度的视角。它让我理解了，为什么有些作品可能在艺术史上的地位并不算特别高，却能在市场上卖出天价，这其中牵扯到了文化符号、社会认同、甚至一些我从未意识到的“潜规则”。读完这本书，我不再仅仅用“美”或“丑”来衡量一幅画，而是开始思考它背后所承载的经济价值和社会意义。这是一种全新的观看方式，让我觉得，原来艺术品市场，也可以如此“真实”和“刺激”。

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