大型展示中的新媒体艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:同济新媒体艺术国际中心

出品人:

页数:228

译者:

出版时间:2010-9

价格:90.00元

装帧:

isbn号码:9787560844268

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图像的复兴：数字时代视觉叙事的嬗变 本书聚焦于二十世纪下半叶至二十一世纪初，在科技浪潮的推动下，视觉艺术领域所经历的一场深刻的范式转移。我们不再将“图像”视为对现实的单纯模仿或记录，而是将其视为一种具有能动性、可塑性、并与社会、文化、乃至个体心理结构紧密交织的“信息载体”和“体验生成器”。 本书的叙事主线，是对媒介本身的物质性、编码逻辑以及观看方式的解构与重构。我们深入探讨了那些在传统艺术史叙事中常常被边缘化的领域，例如早期计算机图形学、模拟电视的失真美学、以及早期网络环境中的视觉符号系统。 第一部分：模拟的终结与数字的诞生 本部分追溯了战后欧洲和北美在电子媒介技术爆炸性发展背景下的艺术探索。重点关注了光影、时间与空间的重新定义。 一、电视的幽灵：电子屏幕与观看习惯的重塑 我们首先考察了电子图像的早期形态——特别是黑白与彩色电视技术对公众审美的影响。这不是简单地讨论电视艺术的成就，而是深入分析“扫描线”这一基本结构如何影响了人脑对连续性、运动和画面的感知。米兰·古利克（Milan Grygier）在1960年代提出的“图像疲劳理论”被重新审视，将其置于大众信息过载的早期语境中。探讨了 Nam June Paik 等先驱者如何利用电视机的物理形体和内部电路的故障，制造出具有本体论意义的视觉噪音。这些噪音并非无意义的干扰，而是对媒介自身局限性的有力反抗。 二、矩阵的预言：算法与编码的早期美学 在计算机图形学萌芽的阶段（1960s-1970s），艺术家们如何理解和运用“像素”这一基本单位？本章详细分析了早期计算机生成的几何抽象作品，如 A. Michael Noll 和 Georg Nees 的作品。我们关注的不是其结果的“美观度”，而是其背后的“生成逻辑”。这些艺术家通过编写代码，使机器成为了一个前所未有的创作伙伴。代码本身即是艺术的“蓝图”和“时间表现”。本章尤其关注了“伪随机性”在艺术创作中的哲学意义——机器的随机性是否比人类的直觉更接近某种终极的秩序？ 三、光盘的迷思：交互性的萌芽 激光视盘（LaserDisc）和早期多媒体实验代表了对线性叙事的首次重大挑战。本章探讨了“分支叙事”和“用户输入”如何初次介入视觉艺术的体验流程。这些实验性的装置，尽管技术上粗糙，却预示了未来数字互动体验的核心——即观看者不再是被动的接收者，而是激活作品的必要条件。我们分析了早期概念艺术家如何将“选择权”本身视为一种批判性的艺术行为。 第二部分：身体、空间与介质的边界消融 进入1980年代，随着个人电脑的普及和数字采样技术的成熟，视觉艺术开始大规模地侵入和重塑我们对现实身体和物理空间的感知。 四、数字拓扑学：身体的重塑与去中心化 数字技术如何改变了我们对“身体”的理解？本章聚焦于数字身体的构建与解构。从早期虚拟现实的雏形（如 Ivan Sutherland 的“达摩克利斯之剑”）到后期对身份认同的探索，我们审视了艺术家如何利用三维建模、运动捕捉等技术，创造出既非完全虚构也非完全写实的“数字替身”。重点分析了身份的碎片化和多重性，这些在网络社会中变得愈发显著的现象，在技术萌芽期就已经被视觉艺术家所捕捉。 五、时间的碎片化：采样、循环与非线性叙事 视频艺术在数字时代获得了新的语言工具：采样（Sampling）。本章深入研究了数字采样如何影响了对“原创性”和“时间连续性”的传统认知。通过对循环结构（Looping）和高速剪辑的分析，我们发现艺术作品开始模仿人类记忆的非线性、跳跃式特征。视频艺术不再讲述一个从A到B的故事，而是构建一个可以无限循环、任一瞬间都可被深入观察的“时空胶囊”。 六、屏幕之外：环境与沉浸的张力 当屏幕不再是唯一的观看载体，视觉艺术如何进入公共空间和生活环境？本章考察了大型投影、环境媒介装置以及早期可穿戴技术的艺术应用。讨论的核心在于，艺术作品如何从“框定的对象”转变为“渗透性的环境”。例如，利用传感器和反馈系统构建的装置，它们对观众的在场做出实时反应，这种“双向交流”的建立，是数字美学区别于传统装置艺术的关键。 第三部分：意义的浮动与后媒介时代的批判 本书的最后部分探讨了进入千禧年前后，随着互联网成为主要的文化基础设施，视觉艺术如何应对信息爆炸和“后真相”时代的挑战。 七、万物皆可数据化：信息可视化的美学潜力与陷阱 随着数据量的激增，如何将抽象的数字信息转化为可感知的视觉形式？本章分析了信息可视化（Data Visualization）从工具理性向艺术表达的转变。艺术家利用复杂数据集进行创作，揭示了隐藏在表面之下的社会结构和权力关系。然而，我们也警惕了过度依赖数据的倾向——当可视化本身成为一种炫技，其背后的批判性往往被削弱。 八、网络即画布：去中心化与协作的生成 互联网的结构本身成为了一种艺术媒介。本章关注了早期 P2P 网络、博客文化以及后来社交媒体界面在艺术实践中的运用。重点探讨了协作创作（Collective Creation）的模式，以及视觉符号如何在高度分布式的网络中快速演变、复制和变异。这种去中心化的传播机制，对传统艺术品的“光环”构成了根本性的挑战。 九、算法的偏见与视觉的伦理 最后，本书回归到技术与伦理的交汇点。随着机器学习和深度学习开始参与到图像的生成过程中，艺术家们不再仅仅是输入指令，而是开始“训练”系统。本章深入分析了训练数据集中的固有偏见如何被算法放大并固化在视觉输出中。探讨了艺术家如何通过反向工程和“对抗性样本”来揭示这些隐藏的偏见，从而使技术工具本身成为批判的对象。这是一种对“机器之眼”的审慎凝视，试图理解我们正在创造的下一个视觉世界将基于何种预设。 本书旨在为读者提供一个多维度的分析框架，用以理解当代视觉文化是如何被编码、计算和体验的。它是一部关于技术如何重塑了观看的“方式”和“对象”的历史考察，而非对某种特定风格或流派的歌颂。

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我发现这本书最有趣的地方在于它对“场域”概念的重新界定。它没有将“大型展示”视为一个被动的容器，而是将其视为一个主动的、具有能动性的参与者。作者通过一系列复杂的空间理论引用，将展厅本身转化成了一个动态的文本。这种视角转变，极大地拓宽了我对艺术环境学的理解边界。我过去总是关注屏幕本身的技术参数，但这本书让我开始思考，当一个巨大的屏幕被放置在某个特定的建筑开口处时，它所产生的环境张力是如何被计算和利用的。虽然我对某些章节中引用的早期现代建筑理论感到略微吃力，需要反复查阅背景资料，但这恰恰说明了作者试图将当代艺术置于一个更宏大、更具历史纵深感的语境下进行考察的努力。它在努力证明，新媒体艺术的展示，本质上是一场关于空间政治和感知驯化的复杂博弈，这种深刻的洞察力令人赞叹，即便缺乏具体的新媒体个案支撑，其理论高度也足以令人深思。

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读完前几章，我有一种强烈的直觉，作者对“展示”这个行为本身有着近乎哲学的思辨深度。他似乎在探讨的，并非是艺术作品“是什么”，而是作品在特定空间序列中“如何被感知”以及“如何构建意义场域”。这种叙事策略显得非常高明，它超越了单纯的媒介技术讨论，触及了展览空间作为一种权力结构和认知框架的作用。我特别喜欢那种层层递进的论证方式，仿佛作者在搭建一个精密的思维迷宫，引导读者不断质疑既有的观看习惯。举个例子，他对光线如何成为叙事主体的那段论述，简直是精彩绝伦，完全颠覆了我以往对照明设计的理解。唯一的遗憾是，我本以为能找到一些关于数字归档和虚拟策展的深度分析，但目前看来，重心似乎更偏向于实体空间中的物理临场性。尽管如此，这本书在构建一个分析“展示”现象的理论框架方面，已经做到了极高的水准，为理解当代艺术的传播路径提供了全新的视角。

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这本书的行文风格有一种独特的疏离感和精准度，就像一台运转良好的精密仪器在进行数据采集。作者的用词极其考究，每一个术语的选用都像是经过了千锤百炼，精确地卡在它应该在的位置上，毫不拖泥带水。这种冷静的笔调，反而使得当他偶尔流露出对某种艺术现象的赞叹时，显得尤为有力。我感觉作者不是在“告诉”我们什么，而是在“展示”给我们看，他如何通过他的分析工具来解剖这些复杂的艺术实践。如果说有什么可以挑剔的，那就是这种极度的克制有时会让我感觉有些“抽离”，我渴望能多一些艺术家访谈的片段，或是更具个人色彩的感性介入，来打破这种纯粹的学术结构。不过话说回来，这种非个人化的叙述方式或许正是它试图探讨的“去主体化”展示语境的内在要求。对于那些追求纯粹理论架构的读者来说，这无疑是一本不可多得的宝典，它构建的知识体系坚固而自洽。

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这本书的编辑排版简直可以作为一本视觉设计范例来研究。尤其是在处理那些需要大量图示和概念图的部分时，设计师展现了非凡的智慧，他们没有让图片仅仅成为文字的附属品，而是让图文之间形成了一种相互指涉、互相阐释的对话关系。有些跨页的设计，仅仅通过图像的排列和色彩的渐变，就成功地传达了一个复杂的空间关系模型，这一点远比冗长的文字描述来得直观有力。这种对“视觉思维”的重视，本身就是对“新媒体艺术”的一种积极回应。不过，我个人更偏向于那种能够揭示创作幕后故事的叙事，比如艺术家是如何克服技术限制、如何与空间设计师斡旋的那些“人”的故事。这本书目前更像是一部关于“展示机制”的纯粹理论白皮书，虽然其对机制的解剖刀法精准无比，但偶尔会让人怀念那些在严密结构下闪烁着的、充满人性的光芒和挣扎。

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这本书的装帧设计实在是一绝，从封面到内页的排版，都透露着一种对视觉体验的极致追求。那种深邃的色彩搭配，配合着巧妙留白的处理，让人一上手就感受到了作者在美学层面的深厚功力。我尤其欣赏它对不同媒介材料特性的细腻捕捉，文字描述中仿佛能触摸到那些LED屏幕的冷光，或者投影仪光束的微粒感。阅读的过程，更像是一场精心策划的沉浸式展览的导览，文字的流动性与艺术品的物质性找到了一个绝佳的平衡点。虽然我期待的内容是关于特定技术在艺术领域应用的前沿探讨，但这本册子在宏观层面构建的这种“在场感”和“空间感”，无疑为后续的深入理解打下了坚实的基础。它成功地将一个原本可能略显冰冷的学术主题，转化成了一种触手可及的感官体验，这种对媒介的本体论层面的关注，即使不涉及具体案例，也足以引人入胜。我希望接下来的篇幅能更进一步地探讨技术如何解构和重塑观众的感知结构，而不仅仅停留在对“展示”这一行为本身的描述。

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枯燥说教，数据罗列，真心失望，不过觉得王小慧真是个奇女子，学建筑，搞摄影，现在又在弄新媒体~

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