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出版者:岳麓书社

作者:陈师曾

出品人:

页数:138

译者:

出版时间:2010-8

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787807614265

丛书系列:民国学术文化名著丛书

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中国绘画史：意境与笔墨的千年流转 中国绘画，作为中华文明璀璨星河中一颗耀眼的明珠，其发展历程漫长而辉煌，凝聚了数千年来无数艺术家的智慧、情感与对世界的独特体悟。它不仅仅是线条与色彩的组合，更是民族精神、哲学思想、社会风貌的生动写照。本书《中国绘画史》并非一本枯燥的史料堆砌，而是一次穿越时空的深度对话，旨在带领读者走进中国绘画的宏大叙事，领略其意境的深邃，感受笔墨的无穷魅力。 本书将中国绘画的发展脉络置于宏观的历史背景之下，从远古时期的萌芽，一路梳理至近现代的演变。我们追溯那些湮没在历史长河中的早期壁画、陶器纹饰，它们虽然简朴，却已隐约显露出中国绘画的早期基因——对自然形态的模仿与装饰性趣味的结合。随着奴隶社会的兴起与发展，绘画开始承担起更多功能，无论是祭祀场合的宗教图像，还是陵墓壁画中的生活场景，都展现出早期绘画的实用性与叙事性。 本书将重点篇幅献给中国绘画史上的第一个高峰——魏晋南北朝时期。这是一个思想解放、文化融合的时代，佛教的传入为中国绘画注入了新的生命力，也带来了新的题材与表现手法。顾恺之这样的大师，他的《洛神赋图》不仅是中国绘画史上的里程碑，更是对情感与精神世界的细腻描摹。我们还将探讨那个时期山水画的雏形，以及人物画中对传神写意的追求，这为后世绘画的发展奠定了坚实的基础。 隋唐时期，中国绘画迎来了其鼎盛时期。在强盛的国力与开放的社会风气下，绘画题材空前丰富，技法也日臻完善。从阎立本的《步辇图》中你能看到严谨的写实功底与帝王气度，到吴道子的“吴带当风”展现出的雄浑奔放的线条，再到张萱、周昉笔下雍容华贵的宫廷仕女，唐代绘画将现实生活、宗教信仰、历史故事描绘得淋漓尽致。本书将深入分析唐代绘画在人物、山水、花鸟等各个领域的成就，以及其对外传播对日本、朝鲜等国绘画产生的深远影响。 五代十国至宋代，是中国绘画从具象走向意象，从注重描摹转向注重抒情的关键时期。这个时代，文人阶层崛起，他们将自身的学养、情怀融入绘画创作，山水画成为士大夫阶层表达心志的重要载体。范宽的《溪山行旅图》与郭熙的《早春图》，以其雄浑壮阔或清新秀丽的笔致，展现了中国文人对宇宙人生、自然造化的深刻体悟。本书将详细阐述宋代绘画的“格”与“韵”，分析董源、巨然的“平远”构图，李唐的“雄浑”风格，马远的“一角”山水，以及南宋宫廷绘画的工致典雅。此外，花鸟画在宋代也达到了前所未有的高度，赵昌、崔白、宋徽宗等人的作品，无论是对花鸟神态的捕捉，还是对季节气候的渲染，都达到了极高的艺术水准。 元代，蒙古族的统治带来了新的文化碰撞，汉族绘画在传统基础上吸收了一些新的元素，但整体而言，元代绘画更多地被视为宋代绘画的延续与变革。元四家——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇——以其笔墨简练、意境高远的特点，开创了文人画的新境界，他们的山水画不再仅仅是对景物的描摹，更是对艺术家内在精神世界的抒发。本书将探讨元代绘画的时代背景，以及文人画在这一时期的发展特点，分析其师承关系与各自独特的艺术风格。 明清两代，中国绘画进入了一个更为多元化、个性化的发展阶段。明代中期，沈周、文徵明、唐寅、仇英等“吴门画派”的艺术家，在继承宋元传统的基础上，创造出各具特色的面貌，他们或温润闲雅，或疏朗简淡，或纵横恣肆。明代后期，董其昌提倡“南北宗论”，对后世绘画观念产生了巨大影响。清代绘画更是呈现出百花齐放的局面，王石谷、王原祁等“清初四王”在摹古的同时，也注入了自己的理解；扬州八怪——郑燮、金农、罗聘等——则以其不落俗套、个性鲜明的创作，打破了传统画坛的藩篱，展现了极强的生命力。本书将重点分析明清绘画在文人画、宫廷画、市民趣味绘画等方面的演变，以及海外绘画对中国绘画产生的早期影响。 近代中国绘画，面临着前所未有的西方文化冲击。从19世纪末20世纪初开始，一部分艺术家开始探索中西绘画的结合，他们将西方写实技法、色彩理论引入中国画，同时也在努力保留中国画的民族精神与笔墨韵味。徐悲鸿、刘海粟、林风眠等一代宗师，他们或倡导写实主义，或追求艺术革新，为中国画的现代化进程奠定了基础。本书将梳理这一时期的重要变革，探讨写实主义、印象主义、现代主义等艺术思潮对中国绘画的影响，以及老一辈艺术家们在东西方艺术对话中的探索与贡献。 本书的写作并非止于对绘画史料的罗列，而是力求深入挖掘每幅作品背后的文化内涵、时代精神与艺术家的人生哲学。我们将通过对重要画作的细致解读，例如对《韩熙载夜宴图》的场景叙事与人物刻画的分析，对《千里江山图》色彩的运用与空间的处理的探究，以及对文人画中“逸笔草草”所蕴含的“书写性”的阐释，让读者能够更直观地理解中国绘画的独特魅力。 本书的另一条重要线索是笔墨。笔墨是中国绘画的灵魂，是艺术家情感与思想的载体。我们将从线条的粗细、刚柔，墨色的浓淡、干湿，以及皴法的变化等方面，深入浅出地解析笔墨在中国绘画中的表现力与艺术价值。从顾恺之的“高古游丝描”，到吴道子的“兰叶描”，再到董源、巨然的“披麻皴”，以及元四家的“解索皴”、“云头皴”，我们将带领读者领略不同时代、不同风格的艺术家是如何运用笔墨来塑造意境，表达情感的。 本书还将触及绘画的载体，如绢、纸、丝织品等，以及绘画的种类，如人物画、山水画、花鸟画、界画等，并详细介绍其各自的发展脉络与艺术特征。同时，我们也将简要介绍与绘画相关的工艺，如装裱、鉴赏等，以便读者更全面地了解中国绘画的艺术生态。 《中国绘画史》相信，每一次对中国绘画的深入了解，都是一次对中华民族文化基因的重温。我们希望通过本书，能让更多读者跨越时空的阻隔，与那些伟大的艺术家进行一场心与灵的交流，去感受中国画那份含蓄内敛、意境悠远的独特东方美学，去领略笔墨线条中蕴含的无限生命力与哲学智慧。这是一场关于美、关于历史、关于文化的视觉盛宴，一次对中国绘画精神内核的深度探寻。

评分☆☆☆☆☆

陈师曾的画作，原作只看过三两幅，可能是在中华艺术宫近代绘画的展览上。印象并不深刻，总体的感觉是中规中矩，严肃，刻画认真，但并不特别打动我，对他更近于“学者”的印象，品性应当是拘谨端肃的。写作这篇书评时，为了对此人有些文字之外的亲近，我去看了他的两本小画册。...  

评分☆☆☆☆☆

我一直认为人天生就具有审美的能力，尽管他没接受过专业的艺术理论，比如，一个农民看到翻滚的麦浪在阳光下闪烁着金光，心中涌动着喜悦和感激，眼前的情景对于他就是一幅画，一首诗；一个哭泣的婴儿看到母亲微笑的面庞就会停止哭喊，因为从母亲的脸庞上，他读到了依靠和温柔。...  

评分☆☆☆☆☆

11岁开始学习画画，在小学三四年级的时候起步开始一个兴趣爱好对于现在的我们来说好像太晚了一点，似乎从接触了学校开始，即使是幼儿园规律的学习时间就意味着假期里不能闲着看电视，瞎胡闹，没有邻里好友，没关系可以去兴趣班里找，童年太无趣，兴趣班那么多，只是没找准方向...

评分☆☆☆☆☆

陈师曾又名陈衡恪，祖父为湖南巡抚陈宝箴，父亲为著名诗人陈三立，弟弟为史学大家陈寅恪，而他，则以绘画名世。齐白石初到北京，受他提携指引，终身感激不尽。作者家学渊源既深，绘画在当时亦称高妙，所作画史，虽然简略，自有存在的价值。  

评分☆☆☆☆☆

这本寂寞的小书，藏身在一群又笨重又精美的美术史研究书籍之中，显得很没有存在感。 要不是粉红色的封皮在一群或白或棕的封面中招手，还有一位老先生的头像作陪，断然不会拿在手里。 但信手翻了两页，就决定带回家。 这本小书的作者陈师增，是陈寅恪的兄长，即湖南巡抚陈宝...  

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我首先注意到的是它对媒介多样性的强调。我原本对某个特定流派，比如印象派后期对色彩和光线的革命性处理，抱有极大的热情，尤其关注莫奈后期对光影瞬息万变的捕捉，或者塞尚对几何形体的结构性重塑。我期待看到的是大量关于画布肌理、颜料配方以及光照条件对色彩饱和度的影响的细致分析。然而，这本书的叙事线索却完全围绕着绢帛、纸张和各种矿物颜料展开，其重点似乎更多地放在了不同历史时期士人阶层审美趣味的流变之上，以及文人士大夫在特定社会背景下，如何通过书写性的笔法来表达他们的“胸中丘壑”。这使得我原先对色彩科学和透视法等西方绘画基础理论的探究兴趣，不得不暂时搁置。它更像是一部梳理思想脉络的艺术史籍，而非一本侧重于技法突破的艺术理论参考书。尽管如此，书中对于几种特定矿物颜料的来源和历史记载的考证，还是展现了极高的学术严谨性，这点倒是值得肯定的。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的画册刚拿到手，我就被它那充满历史厚重感的封面设计给吸引住了。装帧典雅，纸张质地温润，一看就是用心制作的精品。我原本是想找一本关于文艺复兴时期油画技法演变的深度研究，希望能从中汲取一些古典写实主义的精髓，学习一下伦勃朗光影的运用或者达芬奇素描的严谨性。然而，这本书的开篇就将我带入了一个完全不同的审美领域，那种用墨线勾勒、晕染渲染的独特韵味，与我期待中的油彩的浓烈和厚重截然不同。我花了相当的时间去适应这种以“气韵生动”为核心的视觉逻辑，试图理解那些山水、花鸟是如何通过笔触的疾徐变化来传达作者的心境和宇宙观的。虽然内容并非我最初预期的目标，但那种对线条力量的极致探索，以及对自然意境的抽象表达，也确实给我带来了耳目一新的冲击，让我开始重新审视“绘画”这个词汇本身的广义性。这本书的排版布局颇具匠心，留白的处理非常到位，这反而更凸显了画作本身的张力，让人在欣赏之余，也能感受到一种东方哲学的宁静与空灵。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书时，我正处于一个渴望学习现当代前卫艺术运动的阶段，比如达达主义的荒诞性、超现实主义对潜意识的挖掘，或者波普艺术对大众文化的挪用与反思。我关注的焦点在于艺术如何突破传统媒介的限制，探索装置艺术、行为艺术的可能性，以及艺术品在工业化时代如何重新定义其价值和功能。这本书的取向却非常“内敛”和“传统”。它详尽地记录了几个世纪以来，艺术家们如何在相对固定的题材和材料范围内，追求笔墨的微妙变化和意境的深远。这就像一个醉心于精雕细琢的工匠，而我却在寻找一位打破传统工艺的革命者。阅读过程中，我时常会去查阅网络资料，试图将书中所描述的某些意境与我熟悉的西方抽象表现主义（比如罗斯科的色块）进行类比，但最终发现这种跨文化的比较往往难以深入，因为两者背后的文化语境和审美目标相去甚远。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格和行文节奏，对我一个习惯了西方艺术史那种严谨的、带有清晰论点的学术写作风格的读者来说，起初有些不太适应。我更倾向于那种结构清晰、论据充分、结论明确的论述方式，以便快速抓住核心观点。而这本书的文字，更像是散文与史料的混合体，行文舒缓，夹杂着大量的典故和引文，仿佛一位老者在缓缓讲述一段悠远的历史。我原本期待的是对文艺复兴盛期透视法精确度的量化分析，或是对巴洛克时期明暗对比的科学解释。这本书里找不到这些精确的、可量化的数据和分析框架。它更多地引导读者去“感受”和“体会”画面背后的哲学思考和时代情绪。我需要放慢阅读速度，反复咀嚼那些富有韵味的描述，才能勉强跟上作者的思路，这对于追求效率和即时知识获取的现代阅读习惯来说，是一个不小的挑战，但也是一次强迫自己慢下来的审美训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排出乎我的意料。我本意是想深入研读19世纪末现代主义艺术如何一步步解构传统，特别是关于立体主义如何从根本上颠覆了三维空间的再现方式。我希望能看到大量关于毕加索和布拉克早期作品的几何切割分析，以及对欧洲古典学院派规范的批判性探讨。然而，这本书却用大量篇幅讲述了不同朝代文人雅士之间如何通过诗歌、书法和绘画进行精神交流，以及这种交流如何影响了艺术主题的选择和风格的演变。那种“诗中有画，画中有诗”的阐释方式，虽然富有诗意，但对于一个渴求看到清晰的“主义”发展谱系和理论框架的读者来说，显得有些过于浪漫和模糊。我花了好一番功夫，才试图在其中梳理出一条清晰的技术或风格演进的路线图，结果发现，这本书的内在逻辑更多地是基于文人精神层面的传承与断裂，而非纯粹的视觉语言革新。

评分☆☆☆☆☆

篇幅简短，书后附有较多彩图，但是纸张是普通纸。

评分☆☆☆☆☆

作者对于明朝的绘画评价有点高，居然说明朝几位皇帝的绘画水平可以和宋朝的皇帝相提并论，另，没有配图的绘画史必须是一种流氓行径啊。

评分☆☆☆☆☆

简要清晰，民国文章行文雅畅。

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简要清晰，民国文章行文雅畅。

评分☆☆☆☆☆

简要清晰，民国文章行文雅畅。