音乐欣赏学导论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:柳良

出品人:

页数:201

译者:

出版时间:2011-8

价格:25.00元

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isbn号码:9787541132223

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《声海拾贝：走进音乐的奇妙世界》 （一本不曾提及《音乐欣赏学导论》的音乐入门指南） 在浩瀚的音乐星海中，你是否曾感到迷失？那些跳跃的音符、流淌的旋律，究竟蕴含着怎样的情感与故事？你是否渴望拥有一把钥匙，能够开启通往音乐深处的大门，从而理解那些被奉为经典的旋律，或是被无数人传唱的歌谣？《声海拾贝》正是这样一本为你精心准备的指南，它将带领你踏上一段奇妙的音乐探索之旅，让你在聆听中收获感动，在理解中感受魅力。 本书并非枯燥的理论堆砌，而是一场充满发现的冒险。我们将从最基础的“听”开始，引导你辨别声音的色彩，感受节奏的力量，捕捉旋律的起伏。你将学会如何像一个敏锐的听众一样，去倾听音乐中的每一个细节，从中品味出作曲家想要传达的细微情感。我们将拆解那些看似复杂的音乐元素，用通俗易懂的语言，为你揭示它们是如何组合在一起，共同构建出宏伟的音乐画卷。 第一章：耳朵的苏醒——聆听的基础 想象一下，音乐就像是一片色彩斑斓的海洋。而我们的耳朵，则是潜入这片海洋的潜水艇。但在这之前，我们需要学会如何操作这艘潜水艇，让它能清晰地捕捉到海洋深处的细微之处。《声海拾贝》的第一章，便是帮助你的耳朵“苏醒”。 音高与音色：区分色彩的微妙 我们常常会形容音乐“高亢”、“低沉”，或是“明亮”、“柔和”。这些描述，正是对音乐“音高”和“音色”的感知。本章将详细讲解音高是如何由声波的频率决定，以及不同的乐器（如小提琴的清澈、大提琴的浑厚、钢琴的圆润、长笛的空灵）是如何通过其独特的发声方式，创造出丰富多彩的音色。你将学会如何通过声音的“明暗”来区分不同的乐器，从而在聆听交响乐时，能够准确地辨别出每个乐器组的贡献。 节奏与节拍：音乐的心跳与呼吸 音乐的律动，就像是人体的脉搏与呼吸，给予它生命力。节奏是音乐的骨架，而节拍则是它的韵律。我们将从简单的鼓点开始，让你感受到节奏带来的驱动力和能量。你会了解不同的拍号（如4/4拍的稳定、3/4拍的优雅、6/8拍的跳跃）是如何影响音乐的整体感觉，以及切分音等节奏变化如何为音乐增添趣味和活力。通过实际的聆听练习，你将能够随着音乐的节奏自然地摆动身体，甚至在心中描绘出音乐的运动轨迹。 强弱与力度：情感的起伏跌宕 音乐的强弱变化，是表达情感的重要手段。从轻柔的耳语到磅礴的呼喊，不同的力度能够唤起我们内心深处不同的情感共鸣。本章将探讨力度记号（如p、f、crescendo、diminuendo）的含义，以及它们如何在乐曲中被运用，来塑造音乐的动态和表现力。你将学会如何通过音乐的“高潮”与“低谷”，来感受作曲家想要传达的紧张、舒缓、激动或平静。 第二章：旋律的轨迹——音乐的灵魂之线 旋律，是音乐中最容易被我们记住的部分，它就像是一条蜿蜒流淌的河流，承载着丰富的情感和故事。《声海拾贝》的第二章，将带你走进旋律的创作世界，理解它为何如此动人。 乐句与乐段：音乐的语言单位 如同句子组成段落，段落组成篇章一样，音乐中的旋律也由乐句（musical phrase）和乐段（musical period）组成。我们将通过分析一些耳熟能详的旋律片段，让你明白乐句是如何构成一个完整的音乐“想法”，以及乐段又是如何将这些“想法”组织起来，形成一个更宏大的音乐结构。你将学会识别乐句的起点和终点，从而更好地理解音乐的呼吸和发展。 音程与音阶：构建旋律的基石 音程（interval）是两个音之间的距离，它们是构成旋律的基础。我们将介绍大小调音阶（major and minor scales）的构成原理，以及不同的音程组合如何产生不同的色彩和情感。你将了解为什么某些旋律听起来“快乐”，而另一些则“忧伤”，这很大程度上取决于它们所使用的音程和调式。 动机与主题：旋律的种子与成长 许多伟大的乐曲都围绕着一个简洁的“动机”（motive）或“主题”（theme）展开。我们将通过分析经典作品，让你看到这些“音乐种子”是如何在乐曲中不断变形、发展，从而构建出复杂而迷人的音乐结构。你将学会识别乐曲中反复出现的核心旋律片段，并理解它们在整个作品中的重要作用。 第三章：和声的交响——声音的色彩与深度 如果说旋律是音乐的线条，那么和声（harmony）便是赋予音乐色彩和深度的画笔。《声海拾贝》的第三章，将带你领略和声的奇妙之处，理解它如何让音乐变得更加丰富和立体。 和弦与协和/不协和：和谐与张力的对话 和弦（chord）是由三个或三个以上音按照一定规则同时发声形成的。我们将介绍最基本的和弦结构，如三和弦（triad），并解释协和（consonant）与不协和（dissonant）和弦的区别。你将理解为什么某些和弦组合听起来“悦耳”，而另一些则会产生“紧张感”，以及这种张力如何被用于制造音乐的戏剧性。 调性与转调：音乐的归宿与迁徙 调性（tonality）是音乐的“中心”，它为音乐提供了一个稳定的听觉焦点。我们将探讨主调（tonic）和属调（dominant）等重要概念，以及它们在音乐中扮演的角色。同时，你也将了解“转调”（modulation）是如何让音乐摆脱单调，进入新的情绪和色彩领域，如同在旅途中变换风景。 织体：旋律与和声的编织方式 织体（texture）是指音乐中不同声部（旋律、和声、节奏等）是如何组合在一起的。我们将介绍几种主要的织体类型，如单音织体（monophonic）、主调音乐织体（homophonic）和复调音乐织体（polyphonic）。你将学会如何辨别是只有一条旋律线在歌唱，还是多条旋律线交织缠绕，或是旋律与伴奏和谐共存。 第四章：曲式的蓝图——音乐的结构之美 一首完整的音乐作品，就像一座精巧的建筑，拥有其独特的结构和布局。《声海拾贝》的第四章，将为你揭示音乐的“曲式”（form），让你理解音乐是如何组织起来，从而形成一个有逻辑、有层次的整体。 重复、对比与变奏：构建音乐的逻辑 音乐的结构往往建立在重复、对比和变奏这三种基本手法之上。我们将分析乐曲中不同部分的重复是如何巩固主题，对比是如何制造新意，以及变奏是如何在保持核心旋律的同时，赋予其新的面貌。 常见的曲式：奏鸣曲式、回旋曲式等 我们将深入介绍几种音乐中最常见的曲式，如奏鸣曲式（sonata form）、回旋曲式（rondo form）、变奏曲式（variation form）和三部曲式（three-part form）。通过分析不同时期、不同体裁的音乐作品，你将能够识别出这些曲式，并理解它们如何为音乐的展开提供框架。例如，奏鸣曲式如何通过呈示、发展和再现的逻辑，来构建出强大的戏剧性。 音乐的“叙事”：结构如何服务于情感 曲式并非仅仅是抽象的理论，它更是一种服务于音乐情感表达的工具。我们将探讨音乐结构是如何帮助作曲家引导听众的情感，制造期待、释放张力，并最终达成情感的升华。 第五章：风格的画廊——跨越时代的音乐对话 音乐史是一部波澜壮阔的画卷，不同的时代、不同的文化孕育了风格迥异的音乐。《声海拾贝》的第五章，将带你穿越时空，领略不同音乐风格的独特魅力。 巴洛克时期的辉煌与严谨 我们将从巴洛克时期（Baroque period）说起，探索其宏伟的复调技法、华丽的装饰音以及严谨的结构。你将听到巴赫的赋格，维瓦尔第的协奏曲，感受那个时代音乐的庄重与力量。 古典主义时期的清晰与平衡 进入古典主义时期（Classical period），音乐变得更加注重清晰的旋律线条、均衡的结构和优雅的情感表达。莫扎特、海顿的作品将带你领略那种精致而流畅的美。 浪漫主义时期的热情与个性 浪漫主义时期（Romantic period）是音乐史上一个充满激情的时代。我们将沉浸在贝多芬、肖邦、柴可夫斯基的音乐中，感受作曲家们奔放的情感、个性的张扬以及对自由的歌颂。 20世纪及以后的多元探索 进入20世纪，音乐的面貌发生了翻天覆地的变化。我们将接触到印象派的朦胧色彩、表现主义的强烈情感、以及各种新音乐流派的实验与创新，让你看到音乐是如何不断突破边界，走向更加多元化的未来。 第六章：音乐的语言——文化与情感的桥梁 音乐不仅仅是声音的组合，它更是人类情感与文化的载体。《声海拾贝》的第六章，将从更广阔的视角探讨音乐的意义。 音乐的功能与情感表达 我们将探讨音乐在宗教仪式、庆典活动、日常生活等不同场景下的功能，以及它如何被用来表达喜悦、悲伤、爱恋、愤怒等各种复杂的情感。 民族音乐与世界音乐的魅力 除了西方古典音乐，我们还将涉足世界各地的民族音乐，感受不同文化背景下音乐的多样性。你将了解不同民族音乐在乐器、音阶、节奏、演唱方式等方面的独特性，以及它们所蕴含的独特文化精神。 如何成为一个更懂音乐的人 本书的最后一章，将为你提供一些实用的建议，帮助你在日常生活中更好地欣赏音乐。我们将鼓励你多听、多思考、多交流，找到属于自己的音乐品味，让音乐成为你生活中不可或缺的一部分。 《声海拾贝》不是一本教你如何“鉴赏”音乐的教科书，它更像是一位热情的朋友，愿意与你分享他对音乐的热爱，并引导你去发现音乐的内在之美。在这本书的陪伴下，你将不再是被动地聆听，而是主动地去探索、去理解、去感受。每一次的聆听，都将是一次新的启程，而你，也将在这个过程中，逐渐成为一个真正懂得音乐的人。愿这本书，能成为你通往音乐世界最美好的起点。

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这本书的文字风格非常具有个人魅力，我能从中感受到作者强烈的、近乎偏执的热爱和严谨的学术态度。它的叙事节奏张弛有度，不像有些工具书那样平铺直叙，而是时不时地会穿插一些作者个人的听后感或者对某个历史事件的独特见解，这让阅读过程充满了惊喜。举个例子，在分析贝多芬的某部作品时，作者没有拘泥于传统的学院派分析，而是结合当时的社会思潮，赋予了作品一种近乎“时代宣言”的解读，读起来酣畅淋漓，让人热血沸腾。这种充满激情又不失理性的文字表达，让冰冷的音符仿佛都焕发出了鲜活的生命力，彻底改变了我对严肃音乐的刻板印象，它不再是高高在上的殿堂艺术，而是一种可以深入灵魂的对话。

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作为一名自学音乐的爱好者，我最头疼的就是找不到一个既系统又不会过于枯燥的入门教材。这本书恰好填补了这个空白。它的章节编排极具匠心，采用了“由浅入深，螺旋上升”的结构。前几章像一位耐心的老师，温柔地引导你认识乐谱的基本构成，讲解基础的节奏和音高概念，读起来轻松愉快。但随着深入，它又会适当地抛出一些需要思考和消化的挑战性内容，比如对某个特定时期作曲家风格演变的比较分析。这种难度梯度的设计非常科学，让你在保持学习热情的同时，又能逐步建立起扎实的理论基础。我发现，很多我以前凭感觉理解的东西，在这本书里找到了清晰、准确的文字描述，这对于巩固学习成果至关重要。

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这本书的装帧设计很吸引人，封面选用的那种深邃的蓝色调，搭配上一些抽象的音符线条，一下子就抓住了我的眼球。拿到手里感觉分量很实在，纸张的质感也相当不错，翻阅起来非常舒适，不会有廉价感。我尤其欣赏作者在排版上的用心，无论是正文的字体选择，还是章节之间的留白处理，都显得非常专业和考究。特别是那些乐理符号的印刷，清晰锐利，对于需要仔细辨认的读者来说，简直是一大福音。装帧的细节处理，比如书脊的胶装，感觉很牢固，不用担心读几次就散架。而且，书的尺寸很适中，方便携带，无论是放在书包里还是放在床头阅读，都很合适。整体来看，这本书在视觉和触觉上都提供了一种高级的阅读体验，光是看着它摆在书架上，都觉得心情愉悦，是一种对知识的尊重和对艺术的敬畏。

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我特别欣赏这本书在内容组织上所展现出的跨学科视野。它不仅仅局限于音乐本体的研究，还巧妙地将美学、哲学甚至社会学的一些理论融入其中，构建了一个宏大而细致的音乐欣赏框架。例如，书中对于“时间性艺术”的讨论，就引用了现象学的观点来阐述音乐如何建构和消解我们对时间流逝的感知，这极大地拓宽了我的思考维度。此外，作者在引用其他领域专家的观点时，处理得非常得体，既保持了自身观点的独立性，又通过对话丰富了论证的层次。这本书读完后，我感觉自己收获的不仅仅是音乐知识，更是一种全新的、能够穿透事物表象、探求内在联系的思维模式，它是一把开启多维世界观的钥匙。

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这本书的内容深度和广度都超乎我的想象，它不仅仅是罗列一些音乐家的名字和作品年代，更像是带你进入了一个音乐的“思维导图”。作者非常擅长用生活化的语言来解释那些听起来高深莫测的音乐概念，比如“复调”和“奏鸣曲式”，完全没有那种拒人于千里之外的学院派腔调。我记得有一章专门讲了不同文化背景下对“和声”的理解差异，那段论述的逻辑推演之严密，让我忍不住拍案叫绝。它引导我去思考，音乐是如何成为人类情感表达最核心的载体之一的，而不是简单地告诉我“这个好听”或者“那个经典”。读完之后，我感觉自己对音乐的理解不再停留在“被动聆听”的层面，而是开始主动地去“解码”旋律背后的情感密码和结构逻辑，思维的层次一下子被打开了。

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倒是觉得很受启发

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