Music in China pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press

作者:Frederick Lau

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2007-11-14

价格:USD 34.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780195301243

丛书系列:Global Music Series

图书标签:

• 音乐
• ethnomusicology
• F.Lau
• 七弦
• 中国音乐
• 音乐史
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《音乐的史海钩沉》 引言 在浩瀚的文明长河中，音乐始终以其独特的魅力，成为人类情感、思想与精神的载体。它不仅是娱乐的手段，更是历史的镜子，映照着时代的变迁、社会的风貌以及个体的心灵轨迹。《音乐的史海钩沉》并非一部枯燥的音乐史学论著，而是试图穿越时空的迷雾，寻访那些被历史洪流冲刷得模糊，却又深刻影响着我们当下音乐审美的古老音符与珍贵遗迹。本书将引导读者踏上一段寻迹之旅，探索那些在中国音乐发展脉络中，虽然不直接属于“Music in China”这一特定领域，却能与其形成深刻对话、补充认知，甚至提供全新视角的音乐文化现象。我们将拨开历史的层层迷雾，在不同的文明、不同的时代，挖掘那些与我们自身音乐文化遥相呼应的智慧与灵感。 第一章：那些遥远的共鸣——非华夏文明中的古老乐音 在探寻中国音乐的源流之前，我们有必要将目光投向更广阔的世界。人类的音乐创造并非孤立存在，不同文明之间，即便隔着遥远的距离与漫长的岁月，也可能孕育出惊人的相似之处，或是截然不同的发展路径，两者皆能为理解“Music in China”提供宝贵的参照。 1.1 古希腊的和谐之律：毕达哥拉斯与数字的奥秘 古希腊的音乐理论，特别是毕达哥拉斯学派对音程、音阶的数学分析，为我们展现了一种理性看待音乐的早期尝试。他们将音乐视为宇宙秩序的体现，认为数字是构成和谐的基础。弦长比例、音高关系，在他们眼中都遵循着严谨的数学法则。这种对音乐结构、逻辑性的关注，与中国古代早期音乐理论中对“乐律”的重视，如先秦时期对十二律的考究，有着异曲同工之妙。尽管表现形式和哲学根基可能不同，但两者都体现了人类早期对音乐本质进行理性探索的努力。我们不禁要问，当中国古人以“宫、商、角、徵、羽”来划分音高，并赋予其伦理意义时，古希腊人是否也在通过数学语言，试图解锁隐藏在声音背后的宇宙真理？本书将对比研究两者在音律体系、音乐哲学上的异同，探讨这种跨文明的理性思维如何塑造了音乐的面貌。 1.2 古印度瑜伽与声之能量：曼陀罗的冥想力量 印度，作为另一古老文明的摇篮，其音乐文化与宗教、哲学、甚至生理学紧密相连。瑜伽中的“曼陀罗”（Mantra）是一种以声音为媒介的冥想工具，通过重复念诵特定的音节或词句，达到净化心灵、与神沟通的目的。这些曼陀罗并非单纯的歌曲，而是蕴含着特定的振动频率和精神能量。这种“声之能量”的概念，与中国传统音乐中“乐以感人”、“乐以移情”的观念，在某种程度上具有启发性。虽然印度曼陀罗的实践更侧重于个体身心的体验和精神层面的提升，而中国古代音乐则更强调音乐在社会秩序、伦理教化中的作用，但两者都认识到声音本身蕴含着超越纯粹感官享受的力量。本书将探讨印度曼陀罗的起源、功能与实践方式，并尝试将其作为一种“声音的修行”的视角，来反思中国传统音乐中对声音的认识和运用，例如宫廷雅乐的庄重与祥和，或者民间音乐的情感表达，是否也隐含着某种“声之功用”的理念。 1.3 中世纪欧洲格里高利圣咏：单一旋律中的精神之光 在中世纪欧洲，格里高利圣咏（Gregorian Chant）是教会音乐的主流。它以单一旋律（Monophony）为主，没有和声，旋律悠扬、庄重，旨在表达对上帝的敬畏与虔诚。这种纯净、朴素的音乐风格，与中国古代的“清乐”或一些文人雅士追求的“琴韵”在精神气质上有一定的相通之处。两者都试图通过音乐来达到一种超脱世俗、回归精神本源的境界。然而，格里高利圣咏的创作和传播更多地依赖于口传和教会的固定谱式，其结构相对自由，而中国古代的雅乐则有更为严格的礼制规定和复杂的乐器编配。本书将深入分析格里高利圣咏的音乐特点、教会音乐的起源与发展，以及它在中世纪欧洲社会生活中的地位。通过与中国古代礼乐制度的对比，我们可以更清晰地认识到，不同文化背景下的音乐，即使在追求精神升华的道路上，也会因其历史、社会和宗教环境的不同而展现出截然不同的面貌。 第二章：技术与艺术的边界——那些未被采纳的音乐形式 音乐的演进并非一条直线，历史的长河中充满了各种可能性的尝试与探索。有些音乐形式，或许因为时代、技术、审美偏好等原因，未能在中国音乐的主流发展中占据核心地位，但它们的存在本身，就为我们理解音乐的多元性提供了宝贵的视角。 2.1 原始部落的打击乐与节奏的呼唤：非洲鼓乐的原始力量 非洲大陆的原始部落，其音乐往往以强烈的节奏和打击乐器为核心。鼓乐不仅是音乐，更是语言、仪式、社会交流的重要媒介。复杂的节奏型、即兴的互动，展现了音乐与生活融为一体的原始生命力。与中国传统音乐中注重旋律和意境的特点相比，非洲鼓乐提供了一种截然不同的音乐美学。它挑战了我们对“音乐”的固有认知，让我们思考：音乐仅仅是优美动听的旋律吗？节奏本身是否也能承载如此丰富的情感和信息？本书将考察非洲鼓乐的节奏结构、演奏技法，以及其在部落社会中的功能，并从中引申出对中国早期音乐中节奏元素的审视。虽然中国古代也曾有过丰富的打击乐器，但其发展方向与非洲部落的鼓乐文化存在显著差异。通过对比，我们可以更深刻地理解不同文化背景下，人们对音乐不同构成要素的侧重。 2.2 莫扎特时代之前的欧洲键盘音乐：巴洛克时期的赋格与对位 在西方音乐发展史上，巴洛克时期（Baroque period）以其精巧的对位技法、繁复的赋格（Fugue）结构和辉煌的管风琴音乐而著称。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）是这一时期的代表人物，他的音乐结构严谨、逻辑性强，充满着智慧的计算与情感的张力。这种对音乐结构化、逻辑化的极致追求，与中国传统音乐注重即兴性、写意性和情感传达的特点形成鲜明对比。在中国的音乐实践中，虽然也存在对乐曲结构的考虑，但鲜少出现巴洛克赋格那样复杂的复调织体。本书将深入分析巴洛克赋格的音乐理论和创作特点，探讨其在西方音乐史上的地位。通过对这一时期欧洲键盘音乐的了解，我们可以看到一条与中国传统音乐发展路径迥异的音乐探索之路，从而反思中国音乐在结构设计上的可能性和局限性。 2.3 早期电子音乐的实验：科隆学派与声音的重塑 电子音乐的出现，是20世纪音乐发展史上的一次革命。德国科隆电台的科隆学派（Cologne studio），在早期就进行了大胆的电子声音实验，探索了合成器、录音技术在音乐创作中的无限可能。他们对声音的品质、结构进行彻底的解构与重塑，创造出前所未有的听觉体验。这种纯粹的“声音艺术”理念，与中国传统音乐强调“乐音”与“意境”的结合，有着根本性的区别。中国的传统音乐，即使是纯器乐，也往往寄寓着某种情感或哲学思想。本书将追溯早期电子音乐的起源，分析科隆学派的关键人物和代表作品，以及他们对声音的革命性认识。通过接触这种与中国传统音乐截然不同的音乐形态，我们能更清晰地认识到，当我们将“音乐”的概念拓展到纯粹的声音实验时，会发现怎样的未知领域。 第三章：理论的边缘与实践的张力——那些未被充分挖掘的音乐哲学 音乐的本质是什么？它与人类意识、社会结构、自然世界之间存在着怎样的联系？关于这些问题的探讨，在不同文明中有着丰富而多样的答案。有些音乐哲学，或许在中国音乐理论中并未得到充分的展开，但它们的存在，同样能为我们提供理解音乐的全新维度。 3.1 印度音乐中的“Rasa”理论：情感的十二种滋味 印度古典音乐体系中，“Rasa”理论（Rasa Theory）是其核心概念之一，意指音乐所能唤起的情感“味觉”或“意境”。它将音乐的情感体验细分为九种基本“Rasa”（如爱、悲、怒、勇等），并通过特定的旋律模式、节奏组合、乐器音色来营造相应的“Rasa”。这种将音乐情感细致划分并系统化呈现的理论，与中国传统音乐中“乐由情生”、“乐以移情”的笼统说法相比，显得尤为精细。中国古代音乐理论更侧重于“宫廷雅乐”的礼制功能和“文人音乐”的抒情写意，而对音乐如何具体地、系统地唤起和塑造观众情感的理论探索，则相对不足。本书将深入解析印度“Rasa”理论的内涵、实践方式，以及其在印度古典音乐中的应用，并尝试从中汲取灵感，反思中国音乐在情感表达的精细化和理论构建上的可能。 3.2 犹太音乐的哀伤与纪念：历史创伤的旋律回响 犹太民族的历史充满了流亡、迫害与苦难。他们的音乐，尤其是宗教音乐，常常承载着深沉的哀伤、纪念与对家园的思念。许多犹太音乐作品，例如逾越节的“哈加达”（Haggadah）吟唱，或是安息日的圣歌，都与民族历史上的重要事件和情感记忆紧密相连。这种以音乐作为历史创伤的记录与情感宣泄的载体，虽然在中国音乐中也有体现（例如抗战时期的歌曲），但犹太音乐中那种深刻的、贯穿民族命运的集体哀伤与纪念，提供了一个独特的视角。本书将探讨犹太音乐的历史背景、宗教功能，以及其音乐风格如何体现民族的集体记忆与情感。通过理解犹太音乐的“纪念性”与“哀伤性”，我们可以更深入地思考中国音乐在面对历史事件、民族记忆时，其情感表达的深度与广度。 3.3 非洲部落音乐中的“巫术”与“仪式”：声音的神秘力量 在许多非洲部落文化中，音乐与巫术、仪式、甚至超自然力量紧密相连。音乐不仅是娱乐，更是与神灵沟通、治疗疾病、驱动仪式、凝聚社群的重要工具。鼓声、吟唱、舞蹈往往交织在一起，形成一种强大的集体能量场。这种将音乐视为一种“神秘力量”的观念，与中国传统音乐中“乐者，天地之和也”的哲学观有所不同，后者更侧重于音乐的和谐、秩序与伦理功能。中国传统音乐虽然也有“祭祀音乐”，但其“神秘性”更多地体现在对天地人关系的理解上，而非直接赋予音乐以“魔力”。本书将考察非洲部落音乐在仪式、巫术中的具体应用，分析其声音元素与精神信仰之间的关系。通过这种视角，我们可以重新审视中国传统音乐中那些被赋予“神圣感”的乐章，以及音乐在古代中国社会中可能扮演的，我们尚未完全理解的“精神仪式”角色。 结语 《音乐的史海钩沉》并非要否定“Music in China”本身的价值，恰恰相反，通过对中国音乐之外的广阔音乐世界的探索，我们能够以更加多元、深刻的视角来理解中国音乐的独特之处。这些来自不同文明、不同时代的音乐形式、理论观点与实践方式，如同一面面棱镜，折射出音乐艺术的无限可能性。它们挑战我们的固有认知，启发我们的思考，让我们看到“Music in China”并非孤立存在，而是人类音乐文明的有机组成部分。在每一次跨文化的比较与对话中，我们都能更清晰地认识到中国音乐在历史长河中所展现出的智慧、情感与审美追求，从而更加珍视和传承这份宝贵的文化遗产。这场史海钩沉的旅程，最终将指向对音乐本身最本质的理解，以及对人类共同精神世界的探索。

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我是在寻找关于二十世纪实验音乐的资料时偶然发现《电子音乐的革命》这本书的，读完后感觉仿佛经历了一次声音的“登月计划”。这本书的视角非常独特，它没有过多纠缠于传统的乐理框架，而是将焦点完全放在了技术对音乐本体的颠覆上。作者对合成器、磁带实验以及早期数字采样技术的历史梳理，简直是一部微观的技术编年史。他详细描述了沃利斯（Musique concrète）如何将日常噪音转化为音乐材料，以及施托克豪森如何利用空间化处理来拓展听觉体验的边界。这些内容对于一个习惯了钢琴和弦乐的人来说，冲击力是巨大的。我特别欣赏作者对“声音对象化”这个概念的阐述，它揭示了作曲家如何从模仿自然或人类情感，转向直接操纵声波本身的属性——频率、振幅和包络。虽然书中涉及了一些较为硬核的电子工程术语，但作者总能用通俗的比喻将其解释清楚，保证了即便是音乐理论基础薄弱的读者也能跟上节奏。这本书拓宽了我对“何为音乐”的理解边界，它证明了音乐的未来，也许就藏在那些未被驯服的电波之中。

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《爵士乐的即兴精神》这本书，简直是为那些渴望理解“自由”的音乐表达方式的人量身定做的指南。它不是一本教你如何吹奏萨克斯的技巧手册，而是一部深刻剖析即兴思维哲学的著作。作者从路易斯·阿姆斯特朗的早期创新谈起，层层递进地分析了比波普（Bebop）时代查理·帕克那种近乎疯狂的智力游戏，以及后来冷爵士（Cool Jazz）中沉思式的空间运用。我最受触动的是书中对“对话性”的描述。爵士乐的即兴演奏，被作者描绘成一场乐手之间即时的、无脚本的对话，每个人都在倾听、回应、挑战和支持着其他人。这种对“在场性”和“转瞬即逝”的强调，让爵士乐摆脱了古典乐谱的束缚，成为一种纯粹的生命力展现。书中对和声色彩的分析也十分精妙，解释了为什么那些不协和音，在爵士乐的语境下会听起来如此“正确”和充满张力。如果你想知道为什么爵士乐手能在舞台上凭空创造出美妙的旋律，这本书会给你一个满意的答案，它让你理解，即兴不是即兴，而是一种高度训练后的直觉爆发。

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我最近读了《古代世界的音乐与仪式》，这本书的风格非常古朴且富有民族志色彩，完全不同于我之前接触的西方音乐史著作那种以欧洲为中心的叙事。作者深入挖掘了古埃及、美索不达米亚乃至早期希腊神话中音乐扮演的角色。内容详实到令人惊叹，光是关于苏美尔竖琴的形制复原和功能考证，就占据了相当大的篇幅。更吸引我的是，这本书试图重建那些已经失传的声景——想象一下，在金字塔的建造现场，伴随着特定的鼓点和吟唱声，是如何驱动成千上万的人力进行劳作的？书中通过对考古发现和楔形文字记录的交叉比对，试图还原这些仪式音乐的社会功能，它们不仅仅是娱乐，更是连接神祇、巩固王权、甚至影响农耕周期的一种工具。阅读过程中，我能强烈感受到作者对知识空白的敬畏与努力填补的决心。它让我意识到，音乐的起源远比我们想象的要深远和复杂，它是一种比语言更古老的组织人类社会的方式。这是一部需要静下心来细品的力作，信息密度极高，但也因此提供了无与伦比的历史厚度。

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这本《西方的交响乐史》真是让我大开眼界，我一直以为古典音乐就是那几个大家耳熟能详的名字，翻开这本书才发现，原来每一个音符背后都隐藏着一个时代的变迁和创作者的心路历程。作者的叙述极其细腻，从巴洛克时期的严谨对位到浪漫主义时期的情感喷薄，仿佛带着我亲身走进了那些辉煌的音乐厅。尤其让我印象深刻的是他对贝多芬晚期作品的解读，那种近乎哲学的剖析，让我对“命运交响曲”有了全新的认识，不再只是宏大的气势，更多的是挣扎与超越。书中对于管弦乐队编制的演变也做了详尽的梳理，从早期仅有少数乐器的小型合奏，到后期近乎庞大军队般的编制，这种物质层面的进步如何反哺了音乐的表达力，描绘得淋漓尽致。阅读过程中，我不断地在脑海中播放那些被提及的乐章，文字与旋律交织，体验非常立体。唯一的遗憾是，对于二十世纪中后期的先锋音乐，篇幅略显不足，或许是作者的侧重不同，但作为一部通史性著作，这部分的拓展会更加圆满。总而言之，这是一部既有学术深度又不失可读性的佳作，强烈推荐给所有对西方艺术史有兴趣的朋友。

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读完《二十世纪的流行音乐景观》，我有一种强烈的代入感，因为它讲述的正是我们这一代人成长过程中听到的旋律的“前世今生”。这本书的叙事手法非常现代和跳跃，它不再遵循时间线索，而是围绕着几个核心主题展开，比如“节奏的全球化”、“合成器的性别政治”和“MTV的视觉霸权”。作者对摇滚乐起源的探讨尤其犀利，他没有停留在猫王或披头士的表层，而是深入挖掘了布鲁斯、R&B 在美国社会结构中的边缘地位，以及摇滚乐是如何将其“借用”并转化为主流商业力量的过程。我尤其喜欢它对“单曲”文化的分析，探讨了从黑胶唱片到CD，再到数字下载，媒介的更迭是如何重塑了听众对音乐的消费习惯和审美倾向的。书中对嘻哈文化的分析也极其到位，揭示了它作为一种城市底层叙事，如何通过采样技术，将过去的声音碎片重新组合，构建出对当下社会的批判性评论。这本书让你意识到，流行音乐绝非肤浅的消遣，而是社会变迁最敏感的晴雨表，它的脉搏，和我们的生活息息相关。

评分☆☆☆☆☆

Chinese Music Appreciation Class's textbook..200+ HKD for a small book written by English..it's really ridiculous to learn it in HK as a mainland student..

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