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出版者:地质出版社

作者:

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1998-05

价格:14.00

装帧:平装

isbn号码:9787116017757

丛书系列:

图书标签:

• 国画
• 绘画
• 易学
• 入门
• 技法
• 艺术
• 文化
• 中国画
• 零基础
• 教程

《丹青漫步：中国传统绘画的意境与技法》 一本深入探究中国传统绘画精髓的权威指南 【书籍定位与核心价值】 《丹青漫步：中国传统绘画的意境与技法》并非一本速成的入门手册，而是一部旨在带领读者真正领悟中国画“写意”精神与深厚文化底蕴的深度探索之作。本书的视角超越了单纯的绘画技巧演示，聚焦于中国画——尤其是文人画体系——作为一种哲学思考、一种精神寄托和一种生活态度的核心价值。它致力于解构传统绘画中“气韵生动”、“妙在似与不似之间”的审美标准，引导读者构建起属于自己的艺术审美体系。 【内容结构与深度解析】 本书共分为五大部分，层层递进，构建了一个完整而系统的中国画学习和鉴赏框架： --- 第一部：溯源与心法——中国画的哲学基石 (约300字) 本部分是理解中国画的文化钥匙。它不从笔墨技法开始，而是从老庄思想、儒家伦理对艺术的影响入手，阐释中国画的本质：“非写形，乃写心”。 “天人合一”的宇宙观： 探讨山水画中“计白当黑”的留白处理如何体现道家虚空哲学，以及“可行、可望、可游、可居”的空间理念如何将观者纳入画境。 文人画的兴起与精神诉求： 详细分析唐宋以来的士大夫阶层如何将绘画从宫廷的匠气中解放出来，使其成为寄托个人情怀、批判时弊的载体。 笔墨的“文”学性： 阐述中国画的线条（皴、擦、点、染）如何等同于书法的“骨法用笔”，笔墨不仅仅是造型工具，更是书写个人修养的符号。 --- 第二部：画科精要——传统题材的深度剖析 (约450字) 本部分系统梳理中国画最核心的三大画科（山水、花鸟、人物），并对其中难度最高、内涵最丰富的流派进行细致的个案分析。 A. 山水画： “胸中有丘壑”： 剖析董源、巨然的披麻皴与范宽的雨点皴之间的地域风格差异，深入讲解斧劈皴（李唐、马远）如何体现南宋的“院体”精微与北方山水的雄伟。 “墨分五色”的运用： 强调淡墨、浓墨、焦墨、宿墨在营造层次感和氛围感中的作用，而非仅指墨色的深浅变化。 B. 花鸟画： “写意”与“工笔”的辩证统一： 分析写意花鸟（如徐渭、八大山人）如何通过夸张的笔触表达个性，以及工笔重彩（如宋徽宗的院体画）如何在精微中蕴含格物致知精神。 “四君子”的象征意义： 详述梅、兰、竹、菊各自所代表的隐逸、高洁、正直、傲霜的品格，以及如何在构图上达到“寓意”大于“写形”的要求。 C. 人物画： “传神写照”的境界： 研究顾恺之的“以形写神”与吴道子的“吴带当风”，重点讲解人物画中对手部、眼神和动态的刻画如何体现内在情绪的流动。 --- 第三部：工具与技法——笔墨的物理哲学 (约350字) 本部分详尽探讨中国画所需材料的特性，及其如何反作用于创作过程，强调“工具对心性的制约与解放”。 笔的“德行”： 区分兼毫、狼毫、羊毫的弹性与吸墨性，讲解如何通过提、按、顿、挫来控制线条的“力度感”和“生命感”。 墨的“变化”： 不仅讲解磨墨的功课，更深入剖析墨在宣纸上洇化的物理过程，如何通过控制水分，实现“墨分五色”的微妙变化，尤其关注宿墨的二次利用。 纸的选择与驾驭： 罗纹纸、皮纸、棉纸等不同材质对水墨渗透性的影响，以及如何利用宣纸的“晕染”特性来创造虚实迷离的境界。 --- 第四部：章法与意境——构图的东方智慧 (约300字) 传统绘画的构图遵循独特的空间逻辑，本书对此进行结构化梳理，帮助读者跳出西画的焦点透视思维。 散点透视与多重视角： 解析高远、平远、深远在同一画面中如何并存，使观者仿佛在画中游走。 计白当黑的张力： 深入探讨留白（空白）在画面中所起到的“呼吸空间”作用，以及它如何引导观者的视线流向。 题款与印章的融为一体： 分析书法和篆刻如何作为画面的最后一步，完成对作品主题的总结和意境的强化，实现“诗、书、画、印”的完整统一。 --- 第五部：鉴赏与传承——进入传统的高级殿堂 (约150字) 本书的收官部分，旨在培养读者的鉴赏能力，而非仅仅停留在创作层面。 如何“读”一幅画： 提供一套系统的鉴赏流程，从整体气势入手，过渡到笔墨细节的推敲，最终回归到对画家时代背景和个人心性的体悟。 代际传承与创新： 讨论在当代语境下，如何以传统为基石，探寻中国画的当代生命力，避免陷入僵化的模仿。 【结语】 《丹青漫步》是一场对中国艺术精神的朝圣之旅。它要求读者放下对快速掌握技法的期待，准备好用耐心和思考去触摸那些凝固在宣纸上的千年文脉。它教授的不是如何“画得像”，而是如何“画得出”——画出您心中对自然、对人生的独特感悟。

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这本书的排版和设计，简直是艺术品级别的享受。我是一个视觉敏感度比较高的人，如果书本设计得太拥挤、配色太刺眼，我根本看不下去。但这本《一看就会画国画》采用了大量的留白，字体选择典雅大气，配图的清晰度和色彩还原度极高。最妙的是，它不是那种把图印得花花绿绿的“廉价感”教程，而是严格遵循了国画的审美情趣。它在讲解技法时，往往会配上历代名家的手稿局部放大图，让你能清晰地看到笔触运行的轨迹和力度变化。这种“赏析”与“教学”的完美结合，极大地提升了阅读体验。我甚至会带着它去茶室里细细品读，而不是仅仅把它当作一本工具书。这本书本身，就是一种对传统审美的熏陶。

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我买这本书的初衷，是想找一本能快速上手、立刻看到成果的教程。坦白讲，这本书在“快速出成品”这方面做得只能说中规中矩，它更侧重于打地基。但让我惊喜的是，它在对基础工具的介绍上，细致到了令人发指的地步。市面上很多书只是简单提一句“宣纸”、“狼毫笔”，但这本却深入讲解了不同产地、不同批次宣纸的吸水性差异，以及不同笔毫的特性如何影响墨色的浓淡变化。它甚至讨论了研墨时水量的微小差别对最终画面渗透力的影响。这些看似繁琐的细节，恰恰是决定一幅画“活不活”的关键。通过这些讲解，我才真正理解了“工欲善其事，必先利其器”的真正含义。看完这部分，我对待我的画材都有了一种全新的敬畏感，下手时也会更加谨慎和用心。

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这本关于绘画的书籍，说实话，我一开始是抱着试试看的心态买的。毕竟市面上的国画入门书太多了，大多都是那种生硬的步骤分解，看得人云里雾里。但这本书的编排方式却非常接地气。它没有直接跳到复杂的笔墨技巧，而是花了大量的篇幅去讲解国画的“神韵”和“意境”。比如，它会详细分析几幅经典的山水画作品，拆解画家是如何通过留白来营造空间感的，那种对虚实的把握，真的是让人茅塞顿开。读起来一点都不枯燥，作者的语言很富有感染力，仿佛一位经验丰富的老师在耳边娓娓道来，而不是冷冰冰的教材。我尤其喜欢它对不同时期、不同流派的风格演变的梳理，这让我对国画的理解不再是零散的点，而是一个有脉络的体系。即便是完全没有基础的人，也能从中感受到传统艺术的博大精深，而不是仅仅停留在“如何画一朵花”的层面。这本书更像是一把钥匙，打开了通往东方美学世界的大门。

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作为一名已经有些年头、但进步缓慢的业余爱好者，我一直在寻找能够突破瓶颈的指导。这本书最宝贵的一点，在于它没有回避“画坏了怎么办”这个问题。它用一种非常坦诚的语气，分析了初学者最常犯的几种错误，比如墨色灰暗、构图失衡、线条僵硬等。更重要的是，它提供了很多“补救”或者说“转圜”的思路。比如，如果一处墨色晕染过度了，作者会提供几种思路去“顺势而为”，将其转化为意想不到的特殊肌理，而不是直接建议你撕掉重来。这种实用的、带着“江湖经验”的指导，比那些完美范例更有价值。它让我明白，国画创作中“失误”也是创作的一部分，学会与其共存，才能真正放开手脚。

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我主要关注的是花鸟画部分，这本书在这方面的处理方式，非常颠覆了我之前的一些固有认知。我原以为画鸟需要精准的解剖学知识，但作者却强调了“写意”的重要性。他用一整个章节专门讨论了如何抓住动物的“动态神韵”而非静态的形体。例如，画一只栖息的麻雀，不是要把每一根羽毛都描绘出来，而是要通过几笔简洁的线条和墨色的干湿对比，表现出它慵懒、警觉或者即将振翅欲飞的那一瞬间的“气”。这种从“描摹”到“抒发”的观念转变，对我来说是极大的启发。书里提供的写意示范步骤，也摒弃了那种复杂的套路，更注重让你理解创作时的心境和笔墨的流动感。

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