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出版者:百花洲文艺出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-05

价格:11.00

装帧:平装

isbn号码:9787805796888

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弦歌不辍：世界电影史的恢弘画卷 本书带领读者穿越时空，深入探索世界电影艺术自诞生至今的百年光影变迁。它并非聚焦于某一个国家或某一种流派，而是以宏大的视野，勾勒出全球电影工业从萌芽、发展、高峰到多元化探索的完整历程。 第一部分：光影的诞生与默片的黄金时代（1895-1927） 本卷详述电影技术从卢米埃尔兄弟的活动电影放映机到爱迪生的留声电影的早期探索。我们将细致分析梅里爱（Georges Méliès）如何以其魔术般的想象力，将电影从单纯的记录工具转变为充满叙事魅力的艺术媒介。 重点章节将聚焦于美国早期电影工业的崛起，特别是D.W.格里菲斯（D.W. Griffith）的贡献，探讨其在镜头语言、蒙太奇手法上的开创性实践，以及这些实践对后世叙事电影结构产生的深远影响。在欧洲，我们将深入研究德国表现主义电影（German Expressionism）的视觉语言，分析《卡里加里博士的小屋》、《诺斯费拉图》等作品如何通过扭曲的布景、强烈的光影对比，表达出战后一代的焦虑与潜意识的挣扎。同时，苏俄的蒙太奇学派，特别是爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的“杂合蒙太奇”理论，被置于历史语境中进行解析，揭示了其在美学理论与政治宣传中的双重作用。 这一部分强调的是，在没有同期声的时代，电影人如何依靠纯粹的视觉节奏、演员的肢体语言和精心设计的场景调度，创造出极具感染力的艺术作品。 第二部分：声音、色彩与好莱坞的黄金时代（1927-1950） 有声电影的出现被视为电影史上的一次彻底的“技术革命”。本书详细记录了这一转型的阵痛与机遇。我们考察了早期有声片（Talkies）的粗糙制作，以及它如何深刻地重塑了剧本结构和表演方式。 随后，视角转向好莱坞的“制片厂制度”（Studio System）。通过对米高梅、华纳兄弟、派拉蒙等“五大”制片厂的运作模式进行解剖，读者将了解艺术创作如何在高度工业化的流水线上进行生产。经典好莱坞叙事模式（Classical Hollywood Narrative）的确立——清晰的人物动机、线性的情节推进和圆满的结局——如何成为全球电影的主流范式。 本部分特别设立章节，深入研究两位大师的作品：约翰·福特（John Ford）如何通过西部片建构出美国神话中的道德景观，以及奥逊·威尔斯（Orson Welles）的《公民凯恩》如何以其创新的深焦镜头（Deep Focus）和非线性叙事，彻底颠覆了既有的视觉语法，预示了电影语言的未来可能性。同时，欧洲的“诗意现实主义”（Poetic Realism）如何在二战阴影下，以其忧郁、宿命的基调，展现了那个时代复杂的人性挣扎。 第三部分：战后反叛与全球新浪潮的涌动（1950-1970） 二战结束后，传统权威受到质疑，电影界也迎来了剧烈的“去中心化”运动。本书深入探讨了意大利新现实主义（Italian Neorealism）的非专业演员、外景拍摄以及对普通民众日常生活的关注，它是对战争创伤的直接回应，也为后来的世界电影提供了新的美学参照系。 随之而来的，是法国新浪潮（La Nouvelle Vague）。本书详尽梳理了以特吕弗（François Truffaut）、戈达尔（Jean-Luc Godard）为代表的“作者论”（Auteur Theory）的理论基础，探讨他们如何运用跳切、手持摄影和即兴对白，打破好莱坞的“第四堵墙”，强调导演的个人风格和主观视角。 同一时期，东欧和亚洲的电影力量也开始崭露头角。捷克斯洛伐克的“新浪潮”如何以其寓言式的批判手法，在有限的创作空间内发出强有力的声音；日本电影大师黑泽明（Akira Kurosawa）如何将莎士比亚的戏剧结构融入日本武士道精神，走向世界舞台。 第四部分：新好莱坞、类型片的颠覆与国际独立电影（1970-1990） 七十年代的美国电影，被称为“新好莱坞时代”。在越战和水门事件的冲击下，一批受过电影学院教育的年轻导演（如科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯）用更黑暗、更个人化、更反英雄的视角，重塑了类型片。本书分析了《教父》、《出租车司机》等作品如何解构美国梦，反映社会深层的异化。 同时，全球的独立电影运动持续发展。德国的“新德国电影”如何通过法斯宾德、赫尔佐格等人的作品，探索身份认同和边缘群体的问题。本书还特别关注了香港电影的快速发展，尤其是在动作片和武侠片领域所展现出的独特动态美学和剪辑技巧，它们对后来的好莱坞动作片产生了潜移默化的影响。 第五部分：数字革命与全球化视野下的电影（1990至今） 进入九十年代，数字技术开始渗透电影制作的各个环节，虚拟现实、电脑生成图像（CGI）的成熟，极大地拓展了电影的想象边界。本书探讨了数字摄影如何改变了影像的质感和生产成本，使得独立电影人更容易实现复杂的视觉效果。 最后，本卷聚焦于当代电影的“全球化”趋势。亚洲电影，特别是韩国电影（如朴赞郁、奉俊昊的作品），如何将本土文化叙事与精湛的制作水准相结合，在国际各大电影节上占据重要地位。同时，纪录片形式的复兴，以及流媒体平台对传统院线发行模式的冲击，也被作为重要的议题进行探讨。 本书旨在提供一个全面、立体、非线性叙事的全球电影地图，强调不同文化背景下的电影人如何共享美学语言，又如何用各自独特的方式，记录并反思人类文明的进程。它是一本关于视觉叙事、技术革新、以及艺术与市场博弈的深度研究读本。

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说实话，我本来对“古典”二字有点敬而远之，总觉得会是艰涩难懂的“大部头”，但《霓裳羽衣的遗音》这本书完全颠覆了我的印象。它的叙事方式非常灵动，更像是一位资深乐评人带着你信步游园，随性而谈，却又步步为营。最吸引我的是它对“意境”的捕捉。比如，书中描述一曲琵琶古曲高潮迭起时的“金戈铁马”，那种画面感，简直比看电影还震撼！作者似乎有着一种魔力，能把抽象的音符转化为可触摸的质感。我尤其喜欢其中关于民间戏曲音乐的章节，它没有把戏曲音乐“高冷化”，而是生动地展现了它如何与市井生活、市井情感紧密相连。通过作者的笔触，我甚至能“听”到昔日茶楼酒肆里的热闹喧嚣，感受到艺人们在舞台上挥洒汗水时的那份真诚与激情。这本书的行文节奏控制得极好，时而如涓涓细流，娓娓道来历史的悠远；时而又如高山飞瀑，将音乐的爆发力展现得淋漓尽致。对于想要入门传统音乐，却害怕被复杂的术语劝退的读者来说，这本书简直是“保姆级”的引路人，它让你在不知不觉中，爱上了这种源远流长的声响艺术。

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我是在一个朋友的强烈推荐下买了这本《五音七律的奥秘》，本意是想找点资料来充实一下自己的文化素养，没想到却深陷其中，无法自拔。这本书最让我感到“硬核”和专业的地方，在于它对音乐理论体系的梳理。不同于市面上许多流于表面的介绍，它深入探讨了中国传统音阶的构建逻辑，以及“宫商角徵羽”与五行哲学的关联。作者在论述如何从简谱或五线谱反推传统记谱法时，逻辑链条清晰得让人拍案叫绝。我过去一直对“减字谱”感到十分困惑，觉得那简直是天书，但读了书中对减字谱的逐一拆解和图示说明后，茅塞顿开。它不是简单地告诉你“这是什么”，而是告诉你“它是如何成为这个样子的”。这种追本溯源的态度，让整本书充满了学术的重量感，但奇怪的是，阅读过程却毫不枯燥。这可能归功于作者在严肃的理论分析间隙，穿插了许多乐器制作的趣闻轶事，比如不同产地的竹子如何影响箫的音色，或者古筝的面板材质对共鸣的影响。读完后，我再去听任何一首传统器乐，都会不自觉地去分辨其中蕴含的“数学美”和“哲学思辨”，境界完全不一样了。

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坦白说，我买《竹影清风中的旋律》更多是出于对封面设计和书名的偏爱，它透着一股子清冷、淡泊的气质，非常符合我个人对“古典”的想象。这本书的独特之处在于，它几乎完全聚焦于“独奏”艺术的精髓。它没有过多地去描绘大型合奏的恢弘，而是将笔墨集中在了那些只靠一把乐器就能撑起一片天地的演奏家和他们的代表作上。书中对“独奏的孤独感”的剖析尤其到位，作者认为，传统独奏乐器，无论是古琴、萧还是唢呐，都承载了演奏者最私密的情感表达，少了群体的和声，音符之间的“空白”和“留白”就成了表达的关键。我特别感动于其中对某位已故竹笛大师的生平回顾，作者引用了大量的日记片段和民间访谈，将这位艺术家的高傲、挣扎、与世俗的疏离，刻画得入木三分。这本书读起来，有一种“禅意”，它引导你放慢呼吸，去聆听那些被我们日常忽略的细微之处——比如一根弦上的颤音，或者一个长音尾部的气息游走。如果你是一个偏爱内省和细微情感捕捉的人，这本书会给你带来极大的共鸣和慰藉。

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这本书——《山水之间的和声交织》——的视角相当宏大，我感觉它像是一部全景式的纪录片，将中国古典音乐放置在了广阔的地理和历史背景下进行考察。它不像很多音乐书籍那样侧重于哪个朝代的“宫廷雅乐”，而是花了很大篇幅来讲述“地域性”对音乐的塑造。比如，书中对比了北方音乐的粗犷辽阔与南方音乐的细腻婉转，不仅仅停留在风格差异上，而是深入探讨了气候、民俗活动（如祭祀、劳动号子）是如何反哺和催生出独特的音乐形态的。我印象最深的是关于西北少数民族乐器的介绍，那些色彩斑斓的节奏和充满异域风情的旋律，让这本书的整体基调一下子变得鲜活起来，不再是单一的“汉族古典”叙事。作者很擅长捕捉音乐的“流动性”，他追溯了一些著名的民间曲牌是如何通过商队、移民、乃至边疆战争，被带到新的地方，并在那里“变异”和“新生”的。这让古典音乐不再是静止的博物馆藏品，而是一个充满生命力的、一直在进行中的文化实践。读完后，我立刻计划去聆听一些带有明显地域色彩的器乐作品，这本书成功地激发了我对音乐地理学的兴趣。

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这本《丝竹管弦的千年回响》简直是音乐爱好者的福音！我原本以为自己对传统器乐了解得七七八八，但翻开这本书，才发现自己之前的认知是多么的管中窥豹。作者对于不同地域、不同历史时期乐曲的风格流变，描述得细腻入微，简直像在听一场流动的音乐史诗。比如，书中对苏南丝竹中“花腔”的运用，那种婉转缠绵、如泣如诉的韵味，光是文字描述就让人仿佛能看到乐师们指尖在竹弦上飞舞的场景。更让我惊喜的是，它并没有陷入单纯的曲目介绍，而是深入挖掘了那些名曲背后的文化语境。比如，某首著名的古琴曲，作者并没有停留在分析指法和音色上，而是探讨了它在文人雅士圈层中，是如何作为一种精神寄托和品格象征而存在的，这极大地拓宽了我对传统音乐“功能性”的理解。读完关于“十大古琴名曲”的那几章，我感觉自己的心境都沉静了许多，仿佛也参与了一场跨越时空的哲学对话。这本书的排版和配图也相当考究，那些古乐器的线条图，精准得如同拓本，看得出编纂者在学术严谨性和阅读体验之间找到了绝佳的平衡点。强力推荐给所有对中国音乐美学有兴趣的朋友，它绝不是一本可以快速翻阅的书，而是一部需要细细品味的“听觉地图集”。

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