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出版者:人民美术出版社

作者:人民美术出版社

出品人:

页数:457

译者:

出版时间:2002-10

价格:480.00元

装帧:平装

isbn号码:9787102026312

丛书系列:

图书标签:

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《丝竹雅韵：中国传统乐器考证与演奏技艺》 第一章：序曲——声韵之源 本书旨在深入探究中国传统音乐的瑰丽图景，聚焦于那些承载着千年文化积淀的乐器。我们不求面面俱到，而是力求精微，通过对关键乐器体系的梳理与剖析，揭示中国音乐美学与哲学思想的内在联系。本书的视角将立足于历史考证，结合现代音乐学方法，为读者构建一个既具学术深度又不失可读性的音乐世界。 中国古代的音乐文明，是世界音乐史上独树一帜的存在。它不仅仅是声音的排列组合，更是“礼”与“乐”相统一的文化载体。从宫廷雅乐到民间小调，每一种音色、每一种演奏技巧，都与古人的宇宙观、社会伦理紧密相关。本书的第一部分，便从“声韵之源”出发，探讨乐器在中国古代哲学体系中的定位，特别是儒家“中和之美”与道家“自然之音”对乐器形制与音律选择的影响。 我们将从文献记载入手，梳理中国乐器分类体系的演变，尤其是宋代以来形成的“八音”分类法（金、石、土、革、丝、竹、匏、木）的内在逻辑。这种分类不仅是材质的区分，更蕴含着古代朴素的物理学和宇宙观。例如，“丝”类乐器（如古琴、古筝）代表的文人情怀与“竹”类乐器（如笛、箫）所象征的旷达自然，形成了中国音乐艺术中永恒的张力与和谐。 第二章：丝弦上的千年回响：弹拨与揉弦的艺术 本章聚焦于中国最富表现力的丝弦乐器群，重点剖析古琴与古筝的艺术差异及其演奏技法。 2.1 斫琴之道与文人精神：古琴，作为“士”的象征，其形制、音色乃至每一根琴弦的命名，都充满了深厚的文化寓意。本书将详述唐、宋以来制琴工艺的流派特点，特别是对不同年代桐木、梓木的选用及其对音质的影响。在演奏技法上，我们将重点解析“吟猱绰注”等复杂的揉弦技巧，这些技法并非单纯的声音修饰，而是古琴家通过指腹的微小动作，模拟人声的呼吸起伏与情感的细腻波动。我们将引入对明清琴谱，如《神奇秘谱》《太古遗音》的个案研究，力求还原古人在演奏特定曲目时所追求的“声中见意”的境界。 2.2 筝的演变与地域性色彩：相比于古琴的内敛，古筝则展现出更强的生命力和地域适应性。我们将对比川筝、潮州筝、客家筝等流派在定弦、音色处理和演奏装饰音上的显著差异。例如，潮州筝的“推指”与“滑音”如何模拟出海洋与山川的意境，而北方筝曲则更注重力度的对比与旋律的饱满。本章将配以详尽的指法图解，并分析现代21世纪以来，古筝在融合西方和声体系后所产生的新的艺术可能性。 第三章：竹管之音：气流与意境的对话 竹制管乐器，以其清亮、穿透力强的音色，在中国音乐中占据了举足轻重的地位。它们是最能体现“气”的乐器，演奏技巧的核心在于气息的控制与音孔的精准把握。 3.1 箫与笛的哲学分野：箫，形制古朴，音色幽远，常与隐逸、清修相关联。我们将分析其在“一音多韵”的吹奏中，如何通过唇形的细微调整，使同一个音高产生丰富的情感层次。而笛子，尤其是南方的曲笛与北方的梆笛，则以其明快、激昂的特点，广泛应用于戏曲和丝竹合奏中。本书将详细探讨横吹（笛）与竖吹（箫）在气息导入方式上的根本差异，以及这种差异如何塑造了它们各自的音乐性格。 3.2 唢呐的张力与表现力：唢呐常被误解为仅用于民间喜庆场合，然而其在戏曲伴奏和军乐中的作用不容忽视。我们将深入研究其双簧片结构对音色强度的决定性影响，以及演奏者如何运用“盘气”技巧，实现长音的持续与旋律的流畅。本章还将探讨唢呐在不同地域，如陕北高腔、广东八音中的变异形态，揭示其强大的适应性和表现张力。 第四章：革与木的律动：打击乐与曲式结构 打击乐器往往是民族器乐合奏的骨架与灵魂，它们提供了音乐的节奏框架与力度支撑。 4.1 鼓的体系与节拍哲学：从古代用于军事号令的战鼓，到戏曲中的堂鼓、板鼓，再到江南丝竹中的小堂鼓，鼓的形制与击法体现了中国对时间概念的理解。我们将分析不同尺寸鼓皮张力的调校对音色衰减率的影响，以及“桴法”——即鼓槌的运用——如何区分出“重音”、“轻音”乃至“虚击”等复杂的节奏变化。特别是对板鼓在昆曲、京剧中的“定场”作用，需要进行细致的剖析。 4.2 乐器的物质性与仪式感：木鱼、梆子等木制乐器，虽然结构简单，却在佛教仪式和民间说唱中扮演了关键角色。本书将考察这些乐器在材质选择上对音色清脆度的影响，并讨论在没有精确记谱体系的时代，这些乐器如何通过约定俗成的节奏型，成为群体协作的粘合剂。 第五章：调式、合奏与未来展望 本书的收尾部分将超越单一乐器，探讨中国传统乐器在合奏语境下的运作规律，以及它们在当代语境中的传承与创新。 5.1 律学与调式的奥秘：中国古代音乐建立在以五度相生为主的十二平均律尚未完全普及之前的“纯律”体系之上。我们将简要介绍“十二律”的构建原理，以及在特定乐器上（如古琴的徽位）所体现的音高体系与西方调性音乐的本质区别。重点分析五声调式、七声音阶在不同器乐曲目中的情感倾向。 5.2 雅俗共赏的合奏张力：中国乐器的合奏，强调的是“和”，而非西方管弦乐队中强调的“平衡”与“叠加”。我们将分析丝竹乐合奏中，不同声部如何通过旋律的交织、模进与应答，形成整体的流动感。这要求演奏者对其他声部的走向有极高的预判能力。 5.3 传统的回响与当代语境：最后，本书将探讨在全球化背景下，传统乐器在教育、创作领域所面临的挑战与机遇。我们不会沉溺于对“纯粹性”的怀旧，而是鼓励一种基于深刻理解之上的“创造性转化”，让这些古老的声响，在当代生活中继续保有其强大的艺术生命力。 本书并非乐器制造指南，也非演奏技巧的速成手册，而是一部梳理中国乐器文化脉络、探究其内在精神与技艺哲学的深度文本。通过对丝、竹、革、木等不同材质乐器的系统考察，我们希望能为读者搭建一座通往中国传统音乐深层结构的桥梁。

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从工艺技术的演变角度来看，这本书提供了一个绝佳的纵向对比视角。我之前一直试图梳理不同历史时期、不同流派在同一工艺门类上的技术侧重点，但总是缺乏一个集中的、权威的参照系。这本书恰好填补了这个空白。它没有按照朝代顺序简单罗列，而是将不同时期的作品放在一起进行“对话”。例如，它对比了明代家具榫卯结构的极致理性与清代家具装饰工艺的繁复奢华，这种并置分析，使得技术变革背后的社会思潮和审美倾向一目了然。更值得称道的是，书中对那些已经濒临失传的“失传工艺”的记录，简直是抢救性的文献工作。它详细描绘了那些需要特定环境、特定工具才能完成的复杂工序，例如某种特殊的金属镂空技术，从工具的锻造到最终的打磨收尾，步骤清晰，逻辑严密，这对于工艺研究者而言，是极其宝贵的资料库。

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我最近沉迷于研究不同地域传统手工艺在材料选择上的地域性差异，这本书在这方面的广度和深度令人赞叹。它没有停留在对成品的美学描述上，而是深入挖掘了材料本身的故事。比如，其中有一章节详细对比了苏绣与蜀绣在丝线选材上的不同处理，不仅仅是色泽的差异，还牵扯到了蚕种的选择和缫丝工艺的秘诀，这对于我们这些想深入了解“源头”的爱好者来说，价值无可估量。我特别喜欢它对那些“非主流”材料的关注，比如某些偏远山区特有的竹篾、矿物颜料，甚至还有一种我从未听说过的植物纤维，作者似乎花了大量心血去寻访那些坚守古老采集方法的工匠。文字叙述的逻辑性极强，从矿石的开采、植物的提炼到最后的染色固色，每一个步骤都交代得井井有条，构建了一个完整而立体的材料生态系统。这种扎实的田野调查和技术剖析，让这本书远超一般图录的范畴，更像是一部跨越材料学的工艺史论著，极大地拓宽了我对“工艺”二字的理解边界。

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这本书的叙事风格非常独特，它似乎摈弃了那种高高在上的学院派评价，转而采用了一种更具人情味的“口述历史”笔法。阅读过程中，我仿佛真的坐在老匠人的工作台前，听他讲述那些充满烟火气的往事。比如，描述一位雕刻大师如何因为一次意外的失误，反而开启了一门新的雕刻技法，那段文字写得跌宕起伏，充满了对“人”在工艺传承中扮演角色的深刻理解。作者在描述创作心境时，用词精准而富有画面感，让人能够切身感受到匠人在面对一块顽固的材料时，那种长期的耐心磨砺和最终的灵感迸发。它没有用太多复杂的术语去构建壁垒，而是用生动的语言，将那些看似遥不可及的“大师”拉回到了我们身边。这种亲近感，极大地降低了普通读者接触高深工艺的心理门槛，让人在敬佩之余，更多的是一种温暖的共鸣，觉得传统手艺的传承，原来是这样一种充满生命力的过程。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴！封面那种温润如玉的质感，配合着烫金的纹路，初见时就让人心头一紧，仿佛能透过纸张感受到那份沉淀了时光的匠心。内页的纸张选择也极为考究，厚实且略带哑光，使得那些精美的图片——无论是复杂的木雕细节，还是那细腻入微的漆器光泽，都得到了完美的呈现。我特地留意了其中一幅关于宋代定窑瓷器的特写，那开片自然形成的冰裂纹，在书中的印刷下依然能清晰地捕捉到其微妙的层次感，光影的处理非常到位，让人忍不住想伸手去触摸那冰凉的釉面。排版布局也极为大气，留白的处理恰到好处，没有丝毫的拥挤感，让每一件作品都有了足够的呼吸空间来展现其独特的韵味。即便是那些看似简单的编织工艺品，经过这本书的镜头捕捉和精妙排版，也焕发出一种超越日常的艺术光辉。这种对细节的极致追求，让我相信，这本书不仅仅是内容的载体，它本身就是一件值得收藏的艺术品。它成功地将传统工艺的精髓，用现代印刷的最高标准进行了转译和升华。

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这本书带给我最大的冲击，在于它成功地解构了“大师”这个概念背后的“重复性”与“突破性”之间的辩证关系。我们往往歌颂那些石破天惊的创新，但这本书花了大量篇幅去展示那些近乎禅定的日常重复劳动。它记录了一位金工大师，在长达二十年的时间里，仅仅在同一个题材上进行微小的结构调整和打磨优化，这种对“极致的重复”的耐心和执着，是现代快节奏社会中难以想象的品质。然而，正是这种看似枯燥的重复，才最终催生了那份“举重若轻”的自然之感。同时，书中也毫不避讳地展现了那些“突破之作”的诞生过程，分析了它们是如何在遵循传统规矩的前提下，巧妙地找到了新的表达路径。这种既强调对传统的深度敬畏，又鼓励在继承中寻找个性的态度，为当下任何领域的创造者提供了一种全新的、平衡的思维框架。它教会我们，真正的艺术成就，往往是耐心、技艺和远见三者水乳交融的产物。

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