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出版者:中国美术学院出版社

作者:陈振濂 编

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:1997-10

价格:25.00元

装帧:平装

isbn号码:9787810196314

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 技法
• 中国传统艺术
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翰墨丹青：中国传统书画艺术赏析与鉴藏指南 导语： 中国书画，作为中华文明的瑰宝，承载着数千年的历史积淀与民族精神。它不仅仅是视觉艺术的呈现，更是哲学思想、人文情怀与审美理想的高度统一。《翰墨丹青：中国传统书画艺术赏析与鉴藏指南》旨在为广大书画爱好者、艺术研究者以及收藏家，提供一部全面、深入且极具实践指导意义的参考巨著。本书将带领读者穿越时空，领略从先秦到近现代，中国书画艺术波澜壮阔的发展历程，探究其背后深邃的文化意蕴与高超的技法精髓。 第一章：溯源明流——中国书画的起源与早期发展 本章将追溯中国绘画和书法的萌芽阶段。我们将探讨岩画、陶器刻符在艺术史上的地位，以及它们如何为后来的笔墨艺术奠定基础。重点解析商周时期的青铜器铭文，剖析其文字形态与装饰艺术的结合，揭示早期书法“书画同源”的理论基础。进入春秋战国，帛画、漆画的出现，标志着中国绘画开始独立发展，本书将详细介绍这一时期绘画题材、色彩运用以及造型观念的初步形成。秦汉时期的简牍、碑刻，不仅是重要的文献载体，更是书法艺术第一次系统化、规范化的里程碑。我们将通过对泰山刻石、汉隶碑帖的细致分析，阐述隶书的成熟与“古拙之美”。 第二章：魏晋风骨与唐宋气象——笔墨精神的飞跃 魏晋南北朝时期，玄学思想的兴盛极大地影响了书画的审美取向。王羲之等大家将个人情感与笔法完美融合，使书法从实用性规范中解放出来，进入了纯粹的艺术领域。本书将深入剖析“二王”的书法理念，及其对后世的深远影响。在绘画领域，顾恺之“传神写照”的理论成为重要的指导原则，山水画的雏形也开始显露。 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，书画艺术也随之进入一个气象万千的阶段。楷书、行书在此达到高峰，颜真卿、柳公权的雄浑与法度成为后人学习的典范。绘画方面，吴道子“吴带当风”的线条，李思训的青绿山水，陈閎的界画，共同构建了唐代绘画的辉煌图景。本书将用大量图例，解析唐代绘画中对理想化、程式化表现的追求。 宋代，文人画思潮的兴起是艺术史上的一次重大变革。苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫；学士不为，子弟不惑”的观点，将绘画的重心从技巧转向了“意”和“趣”。本书将详述宋徽宗的院体画艺术，以及苏、黄、米、蔡“宋四家”如何将书法用笔融入绘画之中，形成高度成熟的写意精神。 第三章：元明清的流派纷呈与技法深化 元代，赵孟頫高举复古大旗，倡导“书画同源”的理论，对元明清的书风产生了决定性的影响。本书将重点分析元代文人画的“士气”与“韵味”，探讨黄公望、倪瓒等大家如何在山水创作中寄托政治抱负与个人情怀。 明清时期，书画艺术呈现出多元化与世俗化并存的特点。明代董其昌提倡“南北宗论”，对后世的审美评判产生了持久的影响。晚明的陈淳、徐渭等人的写意花鸟画，以其奔放不羁的个性和强烈的表现力，标志着中国文人画的又一次高峰。清代，宫廷艺术的繁复工整与民间艺术的生动活泼形成鲜明对比。石涛“一画论”中的主观创造性，以及“四王”对前代经典的系统整理与继承，构成了清代绘画复杂而丰富的面貌。 第四章：鉴藏宝典——传统书画的辨伪与保护 鉴赏与收藏是理解书画艺术不可或缺的一环。本章将侧重于实践操作指导。首先，系统介绍历代书画的鉴藏要素，包括：纸绢的年代特征、印章的辨识（官印、鉴藏印、私印）、题跋的风格比对、以及颜料的矿物学分析。 针对伪作的泛滥，本书将详细解析常见的仿古、代笔、以及利用新技术制造的“做旧”手段。通过对经典摹本与真迹的对比分析，教授读者如何从笔墨的“提按顿挫”中捕捉真迹的“生命力”。 最后，本书提供了详尽的书画保存与修复指南，涵盖了防潮、防虫、装裱的科学方法，确保这一无价的文化遗产能够得以长久流传。 结语： 《翰墨丹青》不仅是一部艺术史的梳理，更是一场深入中国文人心灵世界的旅程。通过对笔墨语言的精微解读，读者将能更好地理解中国传统文化的深厚底蕴，提升自身的审美修养，并掌握科学的鉴藏技能。本书力求以严谨的学术态度和清晰的阐释方式，成为每一位热爱中华艺术的同仁案头必备的参考书。

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这本书的装帧和纸张质量也值得称赞，这对于书法练习来说至关重要。要知道，如果纸张太滑或者吸墨性太差，练习毛笔字的效果会大打折扣，不仅浪费了墨水，更打击了学习积极性。这本教程选用的纸张，既保证了临摹时的触感稳定，又在“米字格”和“九宫格”的印制上体现了极高的精度，格线清晰而不突兀，完全不干扰我们对原帖结构的判断。此外，它在配套资源上的考量也十分周到。我了解到，配套的线上资源包含了一些慢动作的运笔视频，这对于无法时刻请教老师的我来说，简直是雪中送炭。视频中那些细微的肘部、腕部的动作变化，是单纯的图文描述难以完全传达的。通过反复观看这些视频，我修正了许多自己意识不到的“小毛病”，比如对提笔时手腕抬起高度的控制，这极大地提升了临摹的准确度和效率。

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说实话，我对市面上很多书法教材都持保留态度，它们要么过于注重古人评述的引述，显得空泛无力，要么就是排版杂乱无章，让人看了头晕。然而，这本《大学书法行书临摹教程》在版式设计上展现了极高的专业素养。它采用了大量的留白，使得每一个字帖的放大细节都清晰可见，而且墨色的浓淡处理得恰到好处，不像有些印刷品，把墨迹印得死黑一片，完全失去了笔锋的层次感。更让我赞叹的是，它并非仅仅停留在“照着写”的阶段。教程中穿插了一些关于“意境营造”和“章法布局”的探讨，虽然是针对行书的，但那种对整体美感的追求，让我联想到了其他艺术门类。比如，它如何引导我们去感受王羲之行书中的流动感，如何通过对结体欹侧的控制来达到动态的平衡，这些内容远远超出了基础技法的范畴，开始触及艺术哲学的层面。这种由表及里的教学方式，使得学习过程充满了探索的乐趣，而不是机械的重复劳动。

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这本《大学书法行书临摹教程》简直是为我这种半路出家的学习者量身定做的，我原本以为学行书得先啃一大堆枯燥的古帖理论，结果这本书一上手就给我提供了非常清晰的路径图。首先，它对基础笔画的讲解细致入微，没有那种高高在上的学院派腔调，而是用非常口语化、易于理解的方式，拆解了“提、按、顿、挫”这些关键动作的力度和角度变化。我记得我以前练字时总是抓不准运笔的节奏感，总觉得哪里不对劲，但这本书里关于“气韵连贯”的讲解，配上那些特写镜头般的图示，让我瞬间找到了感觉。尤其欣赏它对古人书写习惯的考据，不是简单地罗列，而是结合现代书写习惯进行对比分析，让我明白为什么有些看似简单的笔画，在古帖中却蕴含着那么多的变化和内涵。而且，它在选择示范字帖时，也很有眼光，没有一味追求名家名作的冷僻，而是选取了学习者接触频率最高、辨识度最广的范本，这极大地增强了我的临摹动力。读完第一部分，我感觉自己对行书的理解已经从“描摹”上升到了“理解结构”的层面，为后续的深入学习打下了坚实的基础。

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从一个有着多年业余书法学习经验的角度来看，《大学书法行书临摹教程》在理论与实践的平衡上做得比我见过的任何教材都要出色。它避免了将书法“工具化”的倾向，也没有过度神化古人的创作过程。它提供的是一种“可操作性极强”的学习框架。书中对“行书的草化趋势”这一高阶概念的解析，处理得非常得体，它没有直接抛出复杂的草书笔法，而是通过分析行书中“连带”和“省略”的合理区间，让初学者在不知不觉中，提升了书写的连贯性和洒脱度。我发现，在学习这本书的过程中，我对“一笔不苟”的楷书思维开始慢慢松动，开始接受书法中的“合理性留白”和“不完美之美”。这种思维的转变，比单纯学会几个技巧要重要得多。它真正做到了将我们从“工匠精神”引导向“文人情怀”的过渡，培养的不仅是写字的手法，更是对中国传统文化审美的理解。

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我通常是一个比较缺乏耐心的学习者，尤其是在面对需要长期积累的技能时，很容易半途而废。这本教材的成功之处在于，它精准地把握了大学生群体的学习节奏和心理需求。它并没有一上来就要求我们去攻克那些笔画繁复、结构紧凑的难帖，而是设计了一个非常科学的“渐进式”训练体系。从最初的楷书笔意在行书中的体现，到侧锋与中锋的转换练习，每一步都有明确的练习目标和可量化的进步标准。我尤其喜欢它在每一课后设置的“自我检测”环节，它提供的不是标准答案，而是几个不同风格的错误示范，让我们自己去辨析问题所在。这种主动思考的模式，比被动接受知识有效得多。而且，书中对“速度与韵味”关系的探讨，也非常具有启发性，它告诉我们行书的“快”不是盲目求速，而是一种在熟练基础上的自然流淌。这让我不再畏惧练习时速度的提升，反而将其视为进步的标志。

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最基本也最为重要的审美是需要充分的知识经验和刻苦的训练。完整体系性的训练进阶过程：模仿分析综合创造。

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