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出版者:吉林人民出版社

作者:爱德华·罗特斯坦

出品人:

页数:251

译者:

出版时间:2001年1月1日

价格:16.80

装帧:平装

isbn号码:9787206038211

丛书系列:大美译丛

图书标签:

• 音乐
• 数学
• 科学与艺术
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心灵的标符：音乐与数学的内在生命 图书简介 《心灵的标符：音乐与数学的内在生命》并非一本探讨音乐理论或高等数学的教科书，它更像是一次深入心智深处的漫游，去探寻潜藏在艺术与科学之下的同一股生命力。本书旨在揭示音乐的结构美感如何与数学的逻辑秩序遥相呼应，以及这种交织如何塑造了人类感知、情感乃至宇宙观。 第一部分：韵律的起源与数字的低语 在本书的开篇，我们将追溯人类对“和谐”的原始渴望。这并非空泛的哲学思辨，而是根植于我们对自然界规律的本能捕捉。从最简单的节奏——心跳、呼吸、四季更迭——到复杂的复调结构，音乐的诞生离不开对时间与数量的精确控制。 我们首先探讨的是比率与比例在古代音乐哲学中的核心地位。毕达哥拉斯学派对弦长与音高的发现，揭示了宇宙和谐（Musica Universalis）的第一个物理证据。书中将细致剖析纯律（Just Intonation）与十二平均律（Equal Temperament）之间的历史与听觉差异。纯律基于简单的整数比，其音程的纯净感无可比拟，但却带来了转调的困境；而平均律则以一种数学上的妥协，牺牲了部分的音高纯度，却为后世（尤其是巴赫之后）的复调音乐和无调性探索铺平了道路。这种“不完美”的数学结构，如何反而促成了更广阔的艺术表达？ 我们不会停留在公式的展示，而是会深入研究这些数学关系如何转化为听觉体验。例如，八度（2:1）、五度（3:2）、四度（4:3）这些基础音程，它们在人类听觉皮层中激起的稳定感和张力感，其背后的机制是什么？本书将引入心理声学（Psychoacoustics）的视角，解释为何某些比率天生令人愉悦，而另一些则产生不和谐的“节拍”（Beats）。 第二部分：结构主义的建筑师——和声与序列 音乐的宏大叙事往往依赖于清晰的结构骨架。本部分将目光投向更为复杂的组织形式，特别是巴洛克时期对对位法（Counterpoint）的精妙运用，以及二十世纪序列主义（Serialism）的数学化尝试。 对位法，尤其是巴赫的赋格曲，是听觉上的几何学典范。书中将分析赋格曲中旋律线的模仿、转位、倒影和逆行等技巧。这些操作本质上是群论在音乐材料上的具体应用，是一种在既定规则下进行的自由创造。我们通过具体的乐谱实例，展示如何用线性代数或拓扑学的概念来理解赋格曲的严密逻辑，而不失其情感的流动性。 进入二十世纪，音乐似乎彻底抛弃了传统的调性框架，转而寻求新的组织原则。勋伯格的十二音体系，正是试图将“相等性”这一数学公理引入音乐创作。本书将详细拆解十二音矩阵的构建过程，讨论其如何保证了所有音高材料的均等使用，从而避免了传统调性中的等级制度。然而，我们也必须审视，当结构变得过于严密时，情感的宣泄是否受到了抑制？本书将探讨韦伯恩（Webern）如何在极度抽象的结构中，依然捕捉到瞬间的、近乎冥想般的美感。 此外，我们还会触及拉赫玛尼诺夫、德彪西等作曲家对斐波那契数列（Fibonacci Sequence）和黄金比例（Golden Ratio, $Phi$）的潜意识或有意识的运用。这些比例如何影响了乐章的划分、高潮点的设置，以及乐段的长度？本书将试图用严谨的分析方法，来验证这些“神圣比例”在听觉艺术中的实际效力。 第三部分：时间、频率与信息的熵 音乐本质上是时间的艺术，而数学提供了量化和分析时间的工具。本书的后半部分将转向更现代的视角，探讨信息论和傅里叶分析在理解音乐复杂性中的作用。 傅里叶分析揭示了任何复杂的波形——包括乐器的音色——都可以被分解为一系列简单正弦波的叠加。这便是“和声”的真正数学本质：音色（Timbre）是频率的集合。我们将解释，不同的乐器如何通过基频与泛音（Harmonics）的强度分布，在频谱图上留下独特的“指纹”，从而赋予它们各自的个性。 信息论则为我们提供了一个衡量音乐“复杂性”或“新颖性”的框架。一个完全重复的序列具有零信息熵，而一个完全随机的序列则信息熵极高，难以被人类理解。好的音乐往往存在于信息熵的微妙平衡点：既有可预测的结构（遵循规律），又有足够的新鲜感（打破规律）。本书将讨论如何用信息熵的概念来量化不同风格音乐的认知负荷，从巴赫的严谨到斯特拉文斯基的节奏冲击。 最后，本书将探讨电子音乐和算法音乐的兴起。当计算机成为作曲工具时，数学不再是描述工具，而成为了创造工具本身。随机性、分形几何（Fractal Geometry）和混沌理论（Chaos Theory）被引入音乐生成中。我们探讨了音乐的“内在生命”是否可以被完全算法化，以及一个由纯粹数学驱动的音乐系统，是否还能触动人类的“心灵”。 结语：心智的共振 《心灵的标符》最终引导读者认识到，音乐与数学并非两个独立的领域，而是人类心智试图理解和组织现实世界的两种基本语言。数学提供了一种普适的、抽象的语言来描述结构和关系；而音乐则以感性的、时间性的方式，将这些结构和关系转化为可体验的情感共鸣。本书旨在邀请读者，用更深层次的洞察力去聆听，去发现，在每一个音符的背后，都隐藏着一个精确而又充满灵性的数字世界。

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初读几章，我不得不承认，作者的文笔是极其优美且富有层次感的。他没有采用那种冷冰冰的学术陈述方式，反而更像是一位经验丰富的哲学家在与我们进行一场关于宇宙秩序的深度对话。那些对巴赫赋格曲中对位法的描述，简直可以用“建筑学般的美感”来形容。我以前只是单纯地欣赏音乐的和谐，但这本书让我开始思考，这种和谐感是如何被精确地编码进时间的流动中的。它没有直接抛出晦涩的数学定理，而是先用音乐的感性体验作为引子，然后再层层递进地揭示其背后的结构逻辑，这种由表及里的探索过程，极大地满足了我这种“感性”读者的求知欲。特别是关于黄金分割在旋律发展中的应用那一部分，作者的论证非常严谨，但又不失流畅，读起来毫无阻碍，仿佛被牵引着进入了一个由理性法则构建的、却又充满激情的艺术殿堂。

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老实说，这本书的阅读体验是需要投入精力和时间的，它绝不是那种可以在通勤路上随意翻阅的消遣读物。其中有几处关于傅里叶变换在音色分析中的应用，我不得不停下来，甚至去查阅了一些基础的信号处理知识，才能勉强跟上作者的思路。但这种挑战感恰恰是它迷人的地方。它迫使你跳出舒适区，去用一种更结构化、更本质的视角去看待你习以为常的音乐现象。我发现自己开始不自觉地在脑海中构建各种音符之间的数学关系，原本模糊的听觉感受被赋予了清晰的几何骨架。这种从模糊到清晰的认知过程，带来的满足感是巨大的。它不是简单地告诉你“A等于B”，而是细致地展示了A如何从根本上演化成了B，中间的每一个逻辑跳跃都被精心铺垫和论证，体现了作者极高的学术素养和耐心。

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这本书的封面设计真是独具匠心，那种深沉的蓝色调与中央那仿佛跳动着的金色符号相互映衬，立刻就抓住了我的眼球。我一直对艺术与科学的交叉领域抱有浓厚的兴趣，所以当我在书店里瞥见这个标题时，几乎是毫不犹豫地拿了起来。虽然我对音乐理论和高等数学的理解只能说是皮毛，但这本书的引人之处就在于它似乎能用一种非常直观、充满诗意的方式，架起这两门看似遥远学科之间的桥梁。我特别期待作者能如何阐释那些隐藏在乐谱结构和和声进行背后的精确比例与模式，那种“内在生命”的表达，听起来就充满了哲学的深度。我希望它不仅仅是罗列公式和音阶，而是能带领读者进入一种全新的感知世界的方式，去聆听那些由数字编织而成的旋律。这本书的装帧质量也无可挑剔，纸张的触感很棒，让人愿意沉浸其中，慢慢品读那些复杂的思想。光是翻阅目录，我就感受到了作者深厚的学识和试图构建宏大理论体系的野心，这比市面上那些浅尝辄止的科普读物要厚重得多。

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这本书最让我震撼的，是它对“创造力”本身的解读。通常我们认为音乐是灵感的产物，是无法被量化的。然而，作者通过深入探讨作曲家在选择调性、节奏和结构时所遵循的那些看似是直觉的“选择”，揭示了背后可能存在的、潜意识层面的数学偏好。这让我对许多伟大音乐家的创作过程有了一个全新的、去浪漫化但更具深度的理解。它似乎在暗示，伟大的艺术并非完全是混沌的爆发，而是对某种深层宇宙规律的精准捕捉和重新排列。这种将“心”与“符”紧密联系起来的叙事手法，成功地打破了文科和理科之间僵硬的壁垒，让读者感受到，无论是面对一首交响乐还是一串复杂的方程，我们都在探寻同一个关于秩序和美的终极真理。这是一种非常高级的思辨，令人拍案叫绝。

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我已经向好几位从事不同领域的朋友推荐了这本书，尽管他们背景各异，但几乎所有人都对其中对“美”的界定提出了新的思考。这本书的价值远超一本单纯的音乐或数学专著，它更像是一部跨学科的认识论探讨。我尤其欣赏作者在论述中保持的谦逊态度，他似乎从不声称自己找到了“绝对的答案”，而是更倾向于提供一种强有力的、可供深入探究的框架。这种开放性的结尾，反而更激发了读者的主动思考，让我读完后久久不能平静，总想找人讨论其中的某个观点。这本书无疑会成为我书架上被反复翻阅的那一类经典，因为它不仅提供了知识，更重要的是，它改变了我感知世界的方式，让我对“和谐”这个概念有了更深刻的敬畏。

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好书，可惜翻得太差。。。

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生拉硬拽

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看看

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翻译得极差，译者的中英文都不过关，纯属粗制滥造。再说作者。音乐和数学都是可以精确表达的，比诗歌或者绘画都更具确定性，但是，作者连篇累牍地引用哲学、诗歌，把自己的优势变为了劣势。如果满分是10分，我给4分。