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出版者:上海科学技术出版社

作者:王连起 编

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:2001-12

价格:320.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532363810

丛书系列:故宫博物院藏文物珍品大系

图书标签:

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• 元代
• 书法&书法研究
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翰墨流光：宋代绘画艺术的千年回响 本书旨在深入探究中国历史上一个光辉灿烂的艺术高峰——宋代绘画。我们聚焦于那个由文人士大夫主导、审美趣味趋向内敛与哲思的时代，拂去历史尘埃，重现北宋与南宋时期山水、花鸟、人物画领域群星璀璨的盛况。 宋代被誉为中国古典绘画的黄金时代，其成就之高，影响之深远，在后世数百年间鲜有匹敌。本书将从多个维度剖析宋代绘画的独特魅力、技术革新及其背后的文化思潮。 第一章：时代背景与美学基石——“格物致知”下的艺术觉醒 宋代，尤其北宋，是中国封建社会发展的一个重要阶段。经济的繁荣、印刷术的普及、城市化的进程，为艺术的繁荣提供了物质基础。更重要的是，理学的兴起，“格物致知”的哲学思想渗透到艺术创作中，使得画家不再满足于表象的描摹，而是追求物象背后的“理”与“意”。 1.1 院体绘画的规范与学院精神： 宋徽宗赵佶无疑是这一时期艺术赞助人中的核心人物。他设立翰林图画院，制定了严格的考核标准，如“雨脚如蚂蚁”或“嫩枝一 তুলতে（zhǔi）”，这些看似琐碎的规定，实则体现了对观察入微和技术精湛的极致要求。我们将详细分析图画院的组织结构、教师制度，以及院体画家如何平衡写实主义与文人意趣。 1.2 文人画的兴起与“逸品”的追求： 与官方的院体画相对，以苏轼、米芾等为代表的文人阶层，提出了“论画以形似，见与儿童邻；论画以神似，贵者时稀见”的理论。他们倡导“不求形似，但求神似”，将绘画视为抒发个人性情、寄托高洁情操的工具，而非谋生手段。本书将探讨文人画如何通过笔墨的浓淡干湿，表达“士气”，并确立了中国艺术史上“文以载道”之外的又一重要旨归：“艺以抒情”。 第二章：山水画的宇宙观——意境与气韵的表达 宋代山水画是世界艺术史上的一座丰碑，它将对自然的描绘提升到了哲学思辨的高度。 2.1 北宋巨碑式的全景山水： 以范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》为代表，北宋山水气势磅礴，结构严谨。本书将重点解析“雄伟壮阔”的美学取向，探讨范宽如何运用“雨点皴”和“钉头皴”来表现山体的厚重与坚实感，以及郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”的四种观赏维度，揭示了画家如何将无限的自然纳入有限的画幅之中，构建了一个可供人精神栖居的理想宇宙。 2.2 南宋的“小景”与诗意表达： 靖康之变后，国势南迁，山水画的风格也随之转变。南宋画家不再追求北宋的宏大叙事，转而偏向于描绘江南的秀润与含蓄。以马远、夏圭为代表的“边角式”构图，将主体置于画面的一隅或底部，留出大面积的“空白”（虚）。这种处理手法不仅是构图的创新，更是心境的投射——象征着对逝去故土的怀念与精神的退隐。我们将深入解读“计白当黑”的哲学内涵，以及如何通过墨法的浓淡变化来营造烟霭迷蒙的诗意氛围。 第三章：花鸟画的精微与写生传统 宋代花鸟画在写实主义的巅峰上实现了技术与意境的完美结合。 3.1 写生典范与写实精神： 徽宗时期的院体花鸟画，强调对自然界物象的细致观察和精准描绘。《芙蓉锦 পাখি图》中每一根翎羽的质感，每一片花瓣的脉络都栩栩如生。本书将对比北宋初期的“双勾填彩”技法与宋徽宗推崇的“骨法用笔”的演变，论证宋代画家是如何通过“写生”而非“写意”来达到“生意盎然”的境界。 3.2 文人花鸟的墨戏： 与院体画的工谨形成鲜明对比，文人画家如赵孟坚、扬无咎等人，则开始运用水墨来表现花卉的清高气节。他们笔下的兰竹，注重墨色的晕染和笔触的自由，使得花鸟画也逐渐成为寄托个人道德情操的载体。 第四章：人物画的世俗化与史诗叙事 宋代人物画在继承唐代健硕风格的基础上，开始关注世俗生活和细腻的情感表达。 4.1 宫廷生活与风俗画的兴起： 张择端的《清明上河图》是宋代风俗画的集大成者，它不仅是绘画史上的奇迹，更是研究宋代社会史、城市史的珍贵文献。本书将详细剖析此画中人物造型的动态性、建筑群体的复杂结构以及对社会百态的细致捕捉，展示了宋代画家对现实生活前所未有的热情。 4.2 历史题材的新的解读： 与唐代对神佛与帝王歌颂不同，宋代人物画家更倾向于描绘历史典故中人物的内心挣扎与道德抉择。李唐、刘松年等人在人物描绘中融入了山水画的笔法，使得人物形象不再是孤立的符号，而是融入特定环境中的有血有肉的个体。 结语：穿越千年的影响 宋代绘画不仅确立了中国画的基本审美范式（如山水画的“三远法”、水墨的运用），更重要的是，它将“意境”、“气韵”提升到了理论的制高点。宋人的艺术，是对短暂繁华的深刻反思，是对内在精神世界的极致探索。它留下的，是一条清晰的、以哲学思辨指导笔墨实践的艺术之路，深刻影响了后来的元、明、清三代，直至今日。本书力求还原这一艺术盛世的复杂肌理，为当代读者提供一扇深入理解中国古典美学的窗口。

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说实话，我最初是对元代绘画更感兴趣，对书法涉猎不深，是抱着试一试的心态买的这本《元代书法》。没想到，读完之后，我发现自己对那个时代的美学趣味产生了浓厚的兴趣。这本书的排版设计非常大胆和现代，虽然主题是古典艺术，但它的章节结构和图文排版却极具现代设计感，阅读起来完全没有传统学术著作那种枯燥感。它不像教科书那样死板，更像是一本精美的艺术杂志，每隔几页就会穿插一些关于特定书家工具（比如他们惯用的笔墨纸砚）的介绍，这让整个阅读体验更加具象化、可触摸。我特别喜欢其中关于“赵孟頫与鲜于枢的对比分析”，两位大家在用笔上的差异，一个细腻圆润，一个刚劲遒劲，作者用对比的方式，清晰地勾勒出了两种主流风格的界限。对于初学者来说，这种清晰的对比是非常友好的，能迅速建立起对元代书法风格谱系的初步认知框架。

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这本《元代书法》简直是为我这种对历史和艺术痴迷的古董爱好者量身定做的，装帧古朴典雅，初拿到手便被那厚重的纸张和精美的印刷所吸引。我尤其欣赏它在介绍元代书法家群体时的那种抽丝剥茧般的细致，不仅仅罗列了几个大家的作品，更深入挖掘了他们所处的时代背景——蒙古族统治下的中原大地，那种文化上的碰撞与融合是如何深刻地影响了他们的笔法和精神面貌。书中对赵孟頫的书法理论解析得入木三分，那些关于“复古”与“创新”之间的微妙平衡，以及他如何将帖学推向一个新的高峰，分析得极为透彻。我花了整整一个下午，对照图版，尝试理解“吴兴之法”的精髓，那些细微的提按顿挫，透过图片似乎都能感受到笔尖与纸面摩擦的沙沙声。更让我惊喜的是，书中还收录了不少当时不太为人知的地方名家的墨迹拓片，这让整个元代书法的版图显得更加完整和立体，不再是几个巨星独占天空，而是群星闪耀的璀璨夜空。对于想系统了解元代书风演变脉络的人来说，这本书绝对是一份不可多得的珍贵指南。

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我通常看艺术史类的书籍都抱着一种“挑刺”的心态，因为很多作品集往往只是图录的堆砌，缺乏深入的学术洞察力。然而，这本关于元代书法的论述，却给我带来了耳目一新的感觉。作者在处理“台阁体”的兴起和衰落时，展现了极高的敏感度。他们没有简单地将“台阁体”标签化为僵硬的官样书法，而是追溯了它在政治高压下如何成为一种审美标准，以及在民间和士大夫阶层中，如何存在着一股与之抗衡的“魏晋遗风”。书中对于文徵明等明代早期书家如何从元人遗风中汲取营养，并最终发展出自己的面貌，也有着精辟的论述。我特别喜欢其中关于“书写姿态”和“文人情性”关联性的探讨，作者认为元代书法是士大夫在政治失意后，将个人情感投射到笔墨中的一种隐秘方式，这使得那些看似平淡无奇的信札，都蕴含着深沉的个体悲欢。阅读的过程就像是与一位睿智的导师进行深入的对话，总能被引导去思考那些更深层次的文化意涵。

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最近我迷上了临帖，但总感觉自己的笔法“没有根”，光看字帖上的黑白关系，无法领悟到书写时的气韵流动。我朋友推荐了这本书，说它对“笔法”的解读非常到位。阅读后深有同感，这本书对“用笔”的探讨达到了近乎玄妙的境界。它没有陷入冗长晦涩的术语堆砌，而是通过对不同时期、不同书家墨迹的微观分析，解释了“提”“按”“顿”“挫”在具体点画中是如何体现出书写者的心绪的。例如，书中详细分析了虞集在行书中“藏锋”与“出锋”的转换，指出其目的在于营造一种含蓄蕴藉的文人气质。这种将技术分析与文化气质相结合的写作手法，让我这个动手实践者获益匪浅。我开始尝试模仿元人那种内敛而不失筋骨的线条，感觉自己的练习不再是机械地复制形状，而是开始理解线条背后的“生命力”了。这本书的价值在于，它成功地架起了理论与实践之间的桥梁。

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我是一位在校的美术史研究生，正在准备关于元代文人艺术的研究课题。坦白讲，市面上关于元代书法的著作汗牛充栋，很多内容都停留在对历代大家作品的简单罗列和描述上，缺乏创新的理论视角。但这本《元代书法》的价值在于它对“文人圈层”内部的细微差异进行了深入挖掘。它不仅仅关注了“赵、吴、虞、丰”这样的核心人物，还花了大量篇幅去讨论了像杨载、周伯琦这样的二线文人书家在书法传承中的作用，指出正是这些人的普及和推广，才使得元代的帖学体系得以巩固。书中引用的文献资料非常扎实，很多都是我之前在数据库中也难以检索到的珍贵史料，这为我的论文提供了坚实的参考基础。特别是关于元代书法如何回应宋代苏、黄、米、蔡“尚意”传统的论述，提供了一个非常精彩的视角——元代书法家们是如何在复古的旗帜下，完成一次精神上的自我救赎和文化重建的。

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完颜景贤旧物较多

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故宫的宝贝真多，展出太少了，大部分都没展出过，好浪费。