基础图形设计.色彩构成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:浙江人民美术出版社

作者:成朝晖

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2001-7-1

价格:20.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787534012556

丛书系列:

图书标签:

• 图形设计
• 色彩构成
• 设计基础
• 视觉传达
• 艺术设计
• 平面设计
• 色彩理论
• 设计入门
• 基础知识
• 设计原理

空间叙事与物性探索：现代建筑的物质性与感知 本书聚焦于当代建筑实践中，对“物质性”（Materiality）与“空间叙事”（Spatial Narrative）的深刻反思与创新实践。它并非关注色彩的二维构成，而是深入探讨建筑实体如何通过其材料、纹理、光影互动，构建出富有层次感和情感深度的三维空间体验。 本书旨在为建筑师、设计师以及对建筑本体论感兴趣的研究者提供一个跨越技术规范和纯粹美学的全新视角。我们不再将建筑材料视为被动的承载体，而是将其视为主动的叙事媒介，是时间、气候、地域文化相互作用的物质见证者。 第一部分：物质的本体论——从材料到意义 本部分首先对“物质性”进行了哲学层面的界定，区分了传统意义上的“材料”（Material）和具有深度内涵的“物质”（Substance）。我们认为，当代建筑的挑战在于如何超越工业化标准件的均质性，重新发掘材料的“在场感”与“地方性”。 1. 纹理与触觉的回归： 现代主义对光滑、洁净表面的偏爱，在很大程度上消弭了人类的触觉体验。本书通过分析一系列精选案例，展示了粗粝混凝土、风化的木材、未加处理的石材如何通过其表面的不完美性，激活观者的感官记忆。我们探讨了“皮肤化的建筑”概念，即建筑外皮如何像生物的皮肤一样，记录环境的侵蚀与岁月的痕迹，从而形成一种与时间对话的叙事。 2. 渗透性与边界的消解： 传统建筑强调明确的边界——墙体分隔了内与外。本书则着重研究那些利用半透明材料（如磨砂玻璃、半透明聚碳酸酯板）或结构性渗透（如穿孔金属板、精心布局的格栅）来模糊内外空间界限的建筑。这种边界的模糊性，如何影响光线的散射、空气的流动，以及使用者对“庇护所”的感知，是本章的核心议题。我们分析了光与影如何在不同的物质界面上发生折射与吸收，创造出动态的室内环境。 3. 结构即装饰：诚实的材料表达： 本部分批判了过度装饰的倾向，转而推崇结构逻辑与材料表达的统一性。我们深入剖析了将结构系统（如暴露的钢梁、现浇的清水混凝土柱）直接作为建筑美学表达的案例。这里的“诚实”并非指简单地展示结构，而是要求结构本身的形态、连接节点、收边处理，都必须服务于整体的空间秩序和物质的内在逻辑。例如，探讨了如何通过控制混凝土的配比与模板的选择，让每一面墙体都讲述其浇筑过程的故事。 第二部分：空间叙事——时间、记忆与感知流 建筑的价值不仅在于其静态的形态，更在于其引导和塑造人的动态体验——即空间叙事。本部分关注建筑如何通过空间序列、光线的导引和材料的渐变，引导使用者完成一次有方向感的“旅程”。 1. 序列与节奏的编排： 空间叙事如同音乐的乐章，具有起始、发展和高潮。我们通过分析入口轴线的设计，探讨了从外部的公共领域，到半私密的过渡空间，再到核心私密空间的层层递进。这种序列感并非简单的线性过渡，而是通过材料的“重量感”（如从轻盈的木材到厚重的石材）和尺度的变化，来调节使用者的心理预期和行为节奏。 2. 光线的叙事语言： 光线是建筑中最无形却最有力的“物质”。本书超越了对自然光量化的讨论，转而关注光线的“质量”和“情感指向”。例如，一束狭窄的、经过过滤的定向光，可能暗示着冥想或崇高感；而大面积的散射漫射光，则创造了一种包容和平等的氛围。我们特别研究了“人工光如何模仿或颠覆自然光”的策略，以及材料的反射率如何决定了空间的情绪基调。 3. 地域性的物质记忆： 成功的当代建筑应能与场地产生深刻的对话。本部分考察了建筑师如何从当地的传统材料、气候适应策略中汲取灵感，并以现代的手法重新诠释。这并非简单的符号挪用，而是对在地文化中物质处理方式的深度理解。例如，研究了日本“土壁”技术在当代建筑中的精神延续，以及地中海地区如何利用厚墙和庭院来应对强烈的日照，并将其转化为对“阴影庇护所”的当代表达。 第三部分：数字化与手工艺的张力——未来的物质性 随着参数化设计和数字制造技术的普及，建筑的“物质性”正面临新的挑战与机遇。本部分探讨了技术如何帮助我们实现更复杂的物质形态，以及如何避免技术带来的“去物质化”倾向。 1. 数控制造与材料的触觉复兴： 探讨了CNC切割、3D打印等技术如何允许建筑师精确控制材料的微观结构和表面纹理，从而实现传统工艺难以企及的复杂性，同时又保持了材料的自然属性。例如，如何使用数控技术精确雕刻木材，使其在重复的几何单元中，依然能展现出木材本身的年轮和纤维走向。 2. 异质材料的共存与连接： 现代建筑常常需要结合多种不同特性的材料（如混凝土、玻璃、金属、复合材料）。本章的重点在于“连接点”的设计。连接节点是暴露材料张力的关键区域，它不仅是结构上的弱点，更是叙事上的转折点。我们分析了精妙的“无痕连接”与故意突显的“结构性节点”在空间叙事中的不同作用。 3. 时间性作为设计参数： 最终，本书强调建筑的物质性是一个动态过程。我们研究了如何将材料的耐久性、风化速度、锈蚀模式等时间维度，纳入初始设计考量。一本优秀的建筑设计，其最终的“完成”状态，应该是在时间流逝之后，由环境共同雕刻而成的形态。 通过对空间叙事与物质探索的深入剖析，本书旨在引导读者超越平面图纸和渲染效果图的限制，重新以“触摸”、“感知”和“驻留”的身体经验，去理解和构建富有生命力的建筑空间。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了一种非常沉稳的深蓝色调，配合着烫金的字体，显得既专业又不失格调。拿到手里掂了掂，厚度适中，纸张的质感也相当不错，那种微微泛着哑光的触感，拿在手中阅读时，指尖仿佛都能感受到设计对细节的考究。我尤其欣赏它在排版上所下的功夫，无论是留白的处理还是章节的划分，都体现出一种清晰流畅的逻辑感。很多设计理论书籍往往因为内容太过密集而让人望而生畏，但这本却巧妙地通过模块化的布局，将复杂的知识点分块呈现，即便是初学者也能很快抓住重点。尤其是那些配图，简直是教科书级别的范例，色彩搭配的和谐与冲突被展示得淋漓尽致，光是翻看图例部分，就已经学到了不少东西。这种注重用户体验的物理呈现，无疑为接下来的深度学习打下了坚实的基础，让人对书中的内容充满了期待。

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这本书的语言风格非常具有引导性，不像某些学术著作那样冷硬晦涩，更像是邀请你进入一个色彩的深度对话。作者的文字中透露着一种对美的执着和对读者的耐心。阅读过程中，我发现作者非常擅长使用类比和比喻来解释抽象的概念。比如，当解释“色相环”时，作者并没有直接用几何图形来定义，而是将其比作一个永不停歇的音乐旋律，不同的音符（色相）组合在一起，才能构成和谐的乐章。这种富有文学性和画面感的描述，让原本枯燥的理论知识变得生动有趣，极大地降低了学习的心理门槛。它不是高高在上的理论灌输，而是一次充满启发性的探索之旅，让人在享受阅读的同时，不知不觉就掌握了核心的思维框架。

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从职业发展的角度来看，这本书的价值远超其定价。我所在的行业对视觉传达的要求越来越高，尤其是在品牌识别和用户界面设计中，色彩策略是决定用户体验的关键因素。这本书的后半部分内容，重点讨论了色彩在不同媒介和文化背景下的适应性与差异化处理，这对于我这种需要进行跨国项目对接的设计师来说，提供了宝贵的参考框架。它不仅教会了我们如何“好看”，更重要的是教会了我们如何“有效”。比如，它详细分析了不同文化中对“红色”的解读差异，并提供了在国际化产品设计中规避潜在误区的具体建议。这是一种非常成熟且具有前瞻性的设计思维训练，它让你的设计决策不再是拍脑袋的结果，而是建立在深厚理论和全球化视角之上的专业判断。

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我是一个自学设计多年的业余爱好者，最大的困扰一直是理论与实践脱节，看再多“如何做”的教程，也抵不过对“为什么是这样”的深刻理解。这本书在讲解基本原理时，那种抽丝剥茧的深度令人印象深刻。它没有停留在简单的“冷色调适合表达忧郁”这类肤浅论断上，而是深入探讨了色彩的物理学基础、心理学效应，甚至还追溯到了艺术史中不同流派对色彩的哲学思考。举个例子，它对“补色对比”的阐述，不仅给出了理论公式，还结合了达利和蒙德里安的作品进行案例剖析，让你真切感受到不同文化背景下，同一色彩原理如何被赋予截然不同的生命力。这种跨学科的融合视角，极大地拓宽了我的认知边界，让我意识到色彩设计绝不是简单的调色盘游戏，而是一门融合了科学、艺术与人文的复杂学科。

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说实话，我原本对这类基础理论书籍抱持着一种“凑合看吧”的心态，毕竟市面上这类书鱼龙混杂，很多内容都是陈词滥调的重复。然而，这本书在介绍“色彩调和”的技巧时，提供了一套非常实用的、可操作性的方法论，这对我这个长期靠感觉摸索的人来说，简直是醍醐灌顶。书中提到了一种“基于视觉平衡点”的配色练习，它不像传统的“三分法”那样死板，而是鼓励读者通过实际的屏幕测量和纸面试验，去建立自己对色彩重量和视觉张力的直觉判断。我按照书中的指导，花了一个周末完成了书中的几组练习题，结果发现自己对过去那些怎么调都觉得“差点意思”的配色方案，突然间找到了提升的方向。这本书真正做到了“授人以渔”，而不是简单地罗列一堆漂亮的成品图来炫技。

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