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出版者:中国轻工业

作者:古德

出品人:

页数:631

译者:

出版时间:2002-1

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787501934300

丛书系列:

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• 教育
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翰墨丹青：古代中国绘画艺术的千年流变 一本深入探索中国古代绘画从起源到鼎盛，再到风格演变的恢弘巨著。 本书并非聚焦于当代教育理论或课堂教学的实践，而是将读者的目光引向一个更加悠远、更具人文厚度的领域：中国古代绘画艺术的演进历程。我们试图通过细致入微的文本梳理和对经典画作的深度解读，构建起一座连接古代匠心与现代审美的桥梁。 第一编：远古的曙光与早期形态（史前至魏晋） 第一章：岩壁上的呢喃——史前岩画与陶器纹饰的启示 本章追溯中国艺术的源头，探讨在新石器时代，先民们如何在洞穴岩壁上留下最早的生命痕迹。我们不讨论教学方法，而是分析这些粗犷而富有生命力的图像，如何蕴含了早期的图腾崇拜、狩猎记录和对自然的敬畏。重点分析仰韶文化、马家窑文化等遗址出土陶器上抽象与具象交织的几何纹饰与动物纹样，理解其符号意义在后世艺术中的潜在影响。 第二章：青铜时代的序曲——礼器铭文与帛画的雏形 随着商周文明的兴起，绘画开始依附于实用器物。本章细致考察青铜器上繁复的饕餮纹、雷纹等装饰母题，探讨它们在审美上的“狞厉”之美，以及这种装饰性艺术与宗教、政治权力的紧密结合。随后，我们将目光投向汉墓中发现的早期帛画和壁画，如《长沙马王堆一号墓 T 形帛画》，分析其表现的生死观、宇宙观，以及线条运用上的朴拙与神韵，为后世“线条为骨”的理论奠定基础。 第三章：玄学的映照与士人阶层的萌芽——魏晋风骨 魏晋时期，玄学思想的兴盛对艺术产生了深刻影响。本章着重分析顾恺之的“传神论”，探讨其“以形写神”的哲学内核，而非其对后世教育理念的借鉴。重点解析《洛神赋图》（传）中人物动态、衣袂飘举的“曹衣带水”笔法，以及竹林七贤画像所流露出的孤傲与清逸，理解艺术如何成为士大夫表达政治抱负与个人情怀的载体。 第二编：盛世的辉煌与画科的专业化（隋唐五代） 第四章：大唐气象——融合与多元化的黄金时代 唐代是绘画艺术全面成熟的阶段。本章将唐代绘画划分为三个主要方向进行深入探讨： 1. 佛教绘画的巅峰： 以敦煌莫高窟壁画为核心，分析其继承的犍陀罗艺术风格与本土化的融合过程，研究飞天、经变故事的叙事结构和色彩运用，理解其宏大叙事的张力。 2. 人物画的规范建立： 重点分析吴道子“吴带当风”的线条艺术，其对后世山水人物的造型影响，并讨论阎立本在历史人物画上的“气韵生动”实践。 3. 山水画的草创： 探讨李思训、李昭道父子的“金碧山水”，分析其用色之富丽堂皇，标志着山水画开始独立成为一个重要的画科。 第五章：五代十国的多元探索——院体与文人画的早期张力 五代是地域风格和画派分化的关键时期。本章聚焦于南北两地的艺术重心： 南唐（金陵画派）： 分析顾闳中、周文矩等宫廷画家在摹写和风俗画上的精湛技艺，以及他们对细腻情感和生活场景的捕捉。 北宋初期的过渡： 探讨荆浩、关仝、董源等巨匠对北方山水的雄奇和江南丘陵的温润的开创性描绘，确立了中国山水画的两种基本范式。 第三编：理性与意境的交织（宋元时期） 第六章：北宋的规范与理学的影响——院体的极致 宋徽宗时期，翰林图画院达到了制度化的顶峰。本章着重分析院画家如何遵循“宣和画学”的考评标准，强调写实性、精确性和“格物致知”的理性精神。重点剖析范宽的《溪山行旅图》中对北方山势的磅礴处理，以及郭熙在《早春图》中对“可行、可望、可游、可居”的审美理想的构建，探讨宋代绘画如何将自然观察提升到哲学高度。 第七章：文人画的崛起与“逸品”的抗争（元代） 元代，由于外族统治，士大夫阶层将对政治的理想寄托于艺术表达，文人画（士人画）正式确立了其主导地位。本章不谈教学改革，而是深入解析“元四家”的艺术思想： “以书入画”： 探讨倪瓒的极简主义、疏朗空寂的画风，及其对笔墨趣味的推崇。 笔墨的自我观照： 分析黄公望在《富春山居图》中展现的对笔墨语言本身的探索，以及赵孟頫“学古人笔意”的理论对后世的影响。 第四编：风格的定型与技法的成熟（明清时期） 第八章：明代的“正统”与“异端”的对话 明代绘画呈现出学院派的保守与民间艺术的蓬勃之间的拉锯战。本章分析： 1. 浙派与院体的延续： 以戴进、吴伟为代表的浙派，其对马远、夏圭“边角余景”的继承与发展。 2. 吴门画派的文人复兴： 深入解读沈周、文徵明在继承元代文人画衣钵方面所做的努力，特别是对水墨晕染技法的精进。 3. 晚明的个性解放： 探讨以董其昌为代表的“松江派”的“南北宗论”对中国艺术史的重新建构，以及晚明时期“浪漫主义”画派如徐渭对笔墨的颠覆性运用。 第九章：清代的集古与创新——画学的规范与海派的开端 清代初期，宫廷艺术在“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）手中达到了古典主义的集大成，他们以“集古”为宗旨，将前代大师的笔法熔铸一炉，形成了高度成熟的“正统”风格。然而，民间艺术和地方画派也异军突起： 金陵画派的写意探索： 探讨石涛、八大山人等“遗民画家”如何以“笔墨当感情”的理念，对传统程式进行解构与重组，表达强烈的个人情感和时代悲凉。 海派的开放姿态： 简要介绍晚清任伯年等人如何吸收民间年画、西洋写实技法，为中国画的现代化转型积蓄能量。 本书通过对这些历史脉络的梳理，旨在呈现一幅跨越数千年的中国古代绘画艺术的宏大画卷，着重于风格的嬗变、哲思的融入以及笔墨语言的自我发展规律，而非任何当代的教学实践或教育管理体系。它是一部关于“看”与“理解”艺术史的专著。

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这本《透视课堂》真是让人眼前一亮，它打破了我对传统教育类书籍的刻板印象。首先，作者的叙事手法非常独特，仿佛带着读者亲身走进了那些看似寻常却暗藏玄机的课堂场景中。他没有使用生硬的理论说教，而是通过一系列生动的案例和细腻的人物刻画，将教育的本质层层剥开，让人在不知不觉中领悟到教学相长的真谛。我尤其欣赏书中对于“互动”的重新定义，它不再是简单的师生问答，而是一种深层次的思维碰撞和情感共鸣。那些被忽略的细节，比如一个眼神的交流，一次课间十分钟的随意交谈，在作者的笔下都焕发出了惊人的能量。读完这本书，我感觉自己像是完成了一次精神上的“透视”，看到了教育背后那些复杂而美好的肌理。它不仅仅是给教师看的指南，更是给所有关心教育的人的一份深刻反思。这本书的价值在于，它鼓励我们去质疑既有的模式，去探索那些尚未被充分发掘的可能性，让人对未来的教育充满信心和期待。

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这本书的结构设计堪称一绝，它不像传统的教科书那样线性展开，而更像是一系列相互关联的哲学思辨，引导读者自己去构建知识体系。我特别喜欢它在探讨“教师角色转变”时的那种细腻描摹。作者没有把教师塑造成无所不能的圣人，而是着墨于教师在面对自我局限和学生复杂性时的挣扎与超越。这种真实感，让作为读者的我感到被理解和被赋能。书中对“提问的艺术”的阐释，简直是教科书级别的示范，它教会我如何设计那些能激活学生深层思考的疑问句，而不是仅仅停留在信息检索层面。读完后，我感觉自己的提问质量有了质的飞跃，课堂的讨论氛围也随之变得更加活跃和深入。这本书不仅仅是知识的传授，更是一种思维方式的重塑，它教会我如何带着更具穿透力的眼光去看待每一个学习瞬间。

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初捧此书时，我本以为会读到一些枯燥的教育心理学条文，但《透视课堂》完全出乎我的意料。它的节奏感极佳，仿佛一部精心剪辑的纪录片，将不同时间、不同地点的课堂片段无缝衔接起来。作者对“知识传递”与“能力培养”之间的张力把握得炉火纯青。书中有一章专门讨论了如何引导学生面对“错误”，这里的处理方式非常高明，它将错误视为一种“建设性的反馈机制”，而不是需要被惩罚的失败。这种积极的视角转换，极大地缓解了我在日常教学中的焦虑感。此外，书籍对于技术在课堂中的角色定位也十分辩证，既不盲目推崇，也不因噎废食，而是强调技术应服务于更深层次的教学目标。我个人认为，对于那些渴望在日复一日的重复中找到新鲜感的教育工作者来说，这本书提供了一种强大的精神燃料，让原本机械的工作重新焕发出创造的活力。

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说实话，我对很多号称“颠覆性”的教育书籍都抱持着一种审慎的态度，但《透视课堂》的确有其独到之处。它的语言风格老辣而富有洞察力，不像某些著作那样故作高深，而是用一种近乎坦诚的姿态与读者对话。书中对“评估体系”的解构尤其深刻，作者并没有简单地批判分数至上的弊端，而是深入剖析了评估工具本身的设计缺陷如何扭曲了学习的初衷。我印象最深的是关于“非线性学习路径”的论述，这部分内容提供了非常实用的操作框架，指导我们如何在既定的框架内，为学生创造出真正属于自己的成长轨迹。书中的案例选取得非常精妙，既有来自顶尖学府的典范，也有乡村学校的朴实经验，这种跨越不同教育生态的对比，让理论更具落地性。总而言之，这本书像一把精密的解剖刀，精准地切开了教育体制的表皮，直达核心的运作机制，读起来酣畅淋漓，引人深思。

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《透视课堂》的文字有一种独特的韵律感，读起来非常流畅，但其内涵的重量却需要反复咀嚼。它最成功的一点，是成功地将宏大的教育理念与微观的教室实践紧密地结合在一起。我被书中关于“学习环境构建”的那几节内容深深吸引，作者强调环境不仅是物理空间，更是情感和心理的场域。他描绘的那些充满安全感和探索欲的教室氛围，让我对自己现有的教学空间进行了深刻的反思和调整。这本书避免了空泛的口号，而是提供了一套基于人本主义的、可操作的变革路径。对我而言，它像一面镜子，照出了我教学中的盲点和惯性思维。它催促我走出舒适区，去拥抱教育中的不确定性，并将其视为成长的契机。这是一部真正有重量、能留下痕迹的深度作品，绝非昙花一现的畅销书可以比拟。

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