中国画·山水 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术出版社

作者:李锦胜 编

出品人:

页数:106

译者:

出版时间:2002-1

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787539810164

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 山水画
• 绘画
• 艺术
• 传统文化
• 技法
• 风景
• 写意
• 没骨
• 水墨

好的，以下是一份以《中国画·山水》为题，但内容完全不涉及山水画的图书简介。 --- 书名：中国画·山水 内容简介 导论：重塑“中国画”的边界与视域 本书《中国画·山水》旨在挑战并拓宽人们对“中国画”这一概念的传统认知，并着重探讨在中国艺术史的宏大叙事中，那些长期被山水画光环所掩盖、却同样具备深厚文化价值和独特美学体系的绘画门类。我们并非要否定山水画的崇高地位，而是希望将聚光灯投向那些同样承载着民族精神、技法精湛的领域：人物画、花鸟画，以及在历史转折期兴起的界画和文人画（特指非山水领域）。 本书将从全新的结构出发，构建一个多维度的中国画图景，其核心目标是揭示中国绘画艺术的广博性与复杂性，而非仅仅聚焦于“可居、可游”的自然景观描绘。 第一部分：丹青妙手：中国人物画的世俗与精神肖像 人物画，作为中国绘画最早成熟的画科之一，其发展轨迹深刻地反映了中国社会的伦理观念、宗教信仰和文人士大夫的自我期许。本部分将深入剖析人物画如何从早期的壁画和画像石中汲取营养，逐步发展出严谨的“骨法用笔”和生动的“传神写照”的艺术标准。 我们首先会回顾汉魏六朝时期，佛教艺术对人物画的影响，重点考察曹衣带水、吴带当风的飘逸之美，探讨宗教题材（如供养人、佛本生故事）如何成为早期人物画技法成熟的熔炉。 随后，我们将聚焦于唐宋时期的鼎盛，以阎立本、吴道子为起点，分析“画史画人”如何通过对历史事件和经典人物的描绘，实现社会教化功能。重点分析《步辇图》、《送子图》等作品中人物造型的动态感与精神刻画的深度。 明清时期，人物画进入世俗化和个性化的阶段。我们将重点考察以“浙派”和“苏派”为代表的文人画传统在人物领域的变奏，特别是陈洪绶、崔子范等大家如何通过夸张、变形的手法，表达对时代和自身命运的批判与反思，构建出“怪诞而典雅”的人物审美体系。此外，本书还将专辟章节讨论“仕女画”的审美变迁，从唐代丰腴健康到宋代清瘦内敛，再到清代闺阁习俗的精细描摹。 第二部分：花鸟风物：物我两忘的生命哲学 花鸟画，常被视为中国画中最具“文人趣味”的画科之一，但其成就远超闲情逸致的范畴，它与哲学、医学、诗歌紧密交织，构建了一套关于生命循环、气韵生动的视觉语言。 本书将详细梳理花鸟画的“写生”与“写意”两大脉络。在写生方面，我们会解析徐熙的“先写后填”与黄荃的“黄家富贵”所代表的工笔重彩传统，讨论其在宫廷艺术中的地位，及其如何通过对色彩、纹理的极致把握，达到“不着一笔而尽得其神”的境地。 在写意层面，我们将着重分析“文人花鸟”的兴起。以赵孟頫、钱选为先导，过渡到明清的“意笔”大师。特别是对写意梅、兰、竹、菊“四君子”的深度解读，分析它们如何超越植物本身的意义，成为士大夫“标格”的象征。我们还将探讨“墨戏”在花鸟画中的运用，如恽寿平的没骨画法，如何以纯粹的墨色变化和水分控制，来表现物象的内在生命力。 第三部分：界线之外：界画与装饰性绘画的工艺美学 界画，即使用界尺等工具绘制的建筑、器物、亭台楼阁的绘画。它代表了中国绘画中对精确性、空间透视和工程学知识的最高要求。本书将打破界画仅是“匠人活计”的偏见，将其提升到与山水画并驾齐驱的艺术高度。 我们将研究宋代李诫的《营造法式》对界画技法的影响，重点分析郭忠恕、王祯等人在界画领域取得的成就，如何将严谨的几何结构与中国传统的散点透视、高远法巧妙融合，创造出既符合西方视点又不失东方意境的独特空间感。唐代李思训的青绿山水（实则大量运用了界画技法构建宫殿楼阁）将作为经典案例进行分析。 同时，本书还将探讨应用于器物、织物和建筑上的装饰性绘画，例如瓷器上的青花人物纹饰、屏风上的鐍金人物故事，这些“应用艺术”中的绘画语言，如何反哺主流文人画，并以其独特的工艺美学，构筑了中国视觉文化不可或缺的一部分。 结语：超越山水，通往完整的中国画 《中国画·山水》一书，力图通过对人物、花鸟、界画等领域的深入挖掘与重新梳理，为读者呈现一个更加立体、更具张力的中国绘画全貌。我们相信，理解这些非山水领域的成就，是真正理解中国艺术精神的关键所在。只有当我们全面拥抱丹青中的世俗关怀、生命哲学与工艺严谨，才能构建起一个完整而有深度的“中国画”认知体系。 ---

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我一直对明清时期的“民间”绘画领域抱有强烈的好奇心，而这本《清末民初民间风俗画的抢救性记录》恰好满足了我的胃口。不同于学院派的宏大叙事，这本书的视角极其微观和接地气，它聚焦于那些被主流艺术史常常忽略的市井生活、乡土记忆和节庆习俗。作者采取了类似田野调查的扎实方法，将大量的口述史料与散佚的民间版画、年画、以及地方戏曲中的彩绘图案进行比对分析，构建了一个鲜活的、充满烟火气的视觉文化图谱。我尤其喜欢其中关于“灶王爷”形象变迁的章节，那不仅仅是形象的改变，更折射出社会结构和信仰的微妙转型。文字语言充满了生活气息，读起来毫不费力，但信息密度却惊人地高，仿佛老一辈的匠人就在你耳边絮絮叨叨地讲述着过去的故事。这本书对于研究社会史和民俗学的人来说，其价值甚至超过了纯粹的艺术史研究，它让我们看到艺术如何在最普通人的日常生活中呼吸和存在。

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这本《宋代文人画的兴起与流变》简直是国画爱好者的福音！作者对宋代文人画的起源、发展脉络梳理得极其清晰，简直就像是为我量身定做的一份详尽的历史地图。我特别欣赏他对于“士气”与“画格”之间辩证关系的探讨，那种深入骨髓的文化洞察力，让人不禁反思，究竟什么是艺术的内在精神。书中对米芾、苏轼等大家的作品分析，绝不是简单的技法罗列，而是将其置于当时的政治、哲学思潮中去解读，使得那些墨痕背后的情感张力得以完全释放。尤其是关于“平淡天真”这一审美范式的演变，作者引经据典，旁征博引，从禅宗思想的影响到社会风气的变迁，层层递进，逻辑严密得让人拍案叫绝。读完后，我再去看那些传世名作，仿佛能听到画家的心跳，理解了他们笔下那份超然物外的清冷与孤傲。这本书的装帧设计也十分考究，印刷的墨色层次丰富，充分体现了宋人淡雅含蓄的审美趣味，绝对是值得反复品读的案头必备之作。

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这本书的视角极其独特——《跨越丝绸之路的唐代壁画艺术比较研究》。它完全跳出了传统上以长安、洛阳为中心的地域叙事框架，而是将目光投向了敦煌、高昌，乃至更西域的健驮罗、撒马尔罕等地的佛教艺术遗存。作者清晰地论证了唐代佛教艺术如何吸收了印度犍陀罗艺术的写实主义手法，并成功地将其“本土化”为我们熟悉的、雍容华贵的“大唐气象”。最让我震撼的是它对“色彩”的分析，书中详尽对比了不同地域矿物颜料的使用差异及其在光线下呈现的不同质感，并结合考古发现推测了壁画的绘制流程。阅读过程中，我的脑海里仿佛展开了一幅流动的历史画卷，从西域的异域风情到中原的盛世气派，艺术是如何在不同文明的碰撞中，孕育出兼收并蓄的辉煌。这不仅是一本艺术书，更是一部关于文化交流史的视觉档案，其广阔的格局令人心胸开阔。

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我对园林艺术，特别是江南私家园林情有独钟，而这本《苏州园林的意境营造与叠山理水哲学》提供了一个前所未有的深度解读。它没有过多纠缠于具体的平面图纸或植物配置，而是将重点放在了中国传统哲学，尤其是道家和儒家思想如何渗透进园林设计者的思维深处。作者深入探讨了“借景”和“框景”的心理学基础，阐释了为什么苏州园林总能做到“虽由人作，宛自天开”的奇妙境界。书中对叠山艺术的描述尤为精彩，从石材的选择、石头的“面”与“眼”的审视，到水池的“聚气”作用，每一段都充满了对自然形态的精准捕捉和哲学提炼。读起来，仿佛能感受到设计者如何在有限的空间内，通过空间的压缩与释放，引导观者的情绪起伏，实现“咫尺之内再造乾坤”的终极目标。这本书让人明白了，好的园林，首先是思想的结晶，其次才是建筑的艺术。

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对于痴迷于笔墨语言的技法派来说，这本《中国书法篆刻的结构美学》无疑是一剂强效的“强心针”。它采取了一种近乎工程学的视角来解构中国传统书画的骨架结构，深入探讨了点画之间的空间关系、起笔落笔的力道传导以及整体章法布局的黄金分割原理。作者运用了大量的几何分析图和墨线示意图，将原本飘渺难言的“气韵生动”具象化、可量化，这对我这种偏爱理性分析的学习者来说，简直是醍醐灌顶。书中对不同书体（隶书的扁平化、楷书的方正感、行书的连带性）在结构上的内在逻辑进行了细致入微的对比，让你彻底明白为什么某些字的结构是“对”的，而另一些则是“俗”的。它没有陷入空泛的玄学讨论，而是直指核心的技术层面，让人有“原来如此”的顿悟感。这本书读完后，再提笔临帖，立刻能感觉到落笔更加自信和精准，是那种能立竿见影提升功力的工具书。

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