学画葫芦

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出版者:
作者:华敬俊
出品人:
页数:32
译者:
出版时间:2004-1
价格:10.00元
装帧:
isbn号码:9787110058954
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 葫芦
  • 绘画教程
  • 素描
  • 速写
  • 艺术
  • 绘画技巧
  • 植物
  • 绘画基础
  • 手绘
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具体描述

《学画葫芦》介绍了葫芦的画法,包括用笔、用墨、用色等基本方法。书中给出了详细的作画步骤,讲解了构图方法和规律等内容。书后配有作品欣赏。

《翰墨丹青:中国传统绘画的审美与技法》 一、 概述:穿越时空的艺术对话 《翰墨丹青:中国传统绘画的审美与技法》并非一本专注于单一题材的画册,而是一部系统梳理中国传统绘画核心精神、哲学基础与实践技巧的综合性论著。全书以宏大的历史视野为经,以精微的笔墨技法为纬,旨在为读者搭建一座理解中国艺术的桥梁,深入探究“笔墨当随时代”背后更深层次的文化基因与审美取向。 本书打破了传统画论中对流派和名家的简单罗列,而是着重探讨了中国绘画如何从魏晋的玄思中汲取精神力量,如何在唐宋的鼎盛时期确立“士人画”与“院体画”的格局分野,直至元明清三代,文人画对人格精神的极致追求。我们着眼于“气韵生动”这一核心命题,将其置于中国哲学(儒、释、道)的语境下进行解读,阐释为何一幅画的“神似”远胜于“形似”,以及这种超越性的审美标准是如何影响了历代画家的创作实践。 二、 理论基石:笔墨的哲学意涵 本书的理论部分,深入剖析了“笔墨”在中国艺术体系中的特殊地位。笔墨不只是工具,更是画家心性的载体。 1. “书画同源”的再认识: 我们详细考察了篆隶楷行草的书写形态如何迁移到绘画的线条运用中。从顾恺之“以线造型”的古拙,到吴道子“吴带当风”的飘逸,再到董源“披麻皴”的浑厚,线条被赋予了不同的情绪和生命力。我们不仅讨论了线条的粗细、刚柔、曲直,更探讨了运笔过程中蕴含的“中锋”“侧锋”与画家心境的关联。 2. “计白当黑”的留白之道: 中国画的“留白”是其区别于西方绘画的显著特征。本部分将留白视为一种积极的、主动的“存在”,而非简单的“空白”。通过分析山水画中云雾、水面和天空的处理,阐释了道家“虚实相生”的宇宙观在视觉艺术中的体现——虚处留予观者无限的想象空间,使画面在有限的载体上展现出无限的意境。 3. “意在笔先”的创作心法: 传统的绘画训练强调“胸中有丘壑”。本书用大量篇幅阐述了“默写”“外师造化”“中得心源”的具体实践方法。这包括画家如何通过长期的生活体验与对自然规律的体悟,将外部世界的万象转化为内在的、符号化的笔墨语汇。这一过程强调的是主体意识对客体的精神重构。 三、 技法精讲:从点染到皴擦 技法章节力求详实而不失系统性,分为“物象的符号化”和“色彩的象征性”两大板块。 1. 山水画中的“皴法”体系: 皴法是构建山石体貌的关键。我们系统整理了中国山水画中主要的皴法,包括披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等十余种,并追溯了它们各自的源头及其所适宜表现的山体结构和时代风格。例如,重点分析了李唐、马远、夏圭的“边角”构图与“斧劈皴”对南宋院体画雄强气势的贡献。 2. 花鸟画的写意与写实: 花鸟画领域,本书区分了“黄家富贵”(院体)与“文人写意”两大路径。在写意部分,着重讲解了“墨分五色”在表现梅兰竹菊等“四君子”时的微妙变化,强调如何用浓淡干湿的墨色变化来体现植物的生命力和精神气质,而非仅仅是植物的形态。对工笔花鸟的细腻描绘,则探讨了“丝毛”与“分染”技术在表现羽毛光泽与质感上的精妙之处。 3. 人物画中的“十八描”: 人物画是检验画家“写实”与“写意”功力的试金石。本书详述了历代人物画中主要的衣纹线条技法,如铁线描、高古游丝描、兰叶描等,并结合唐代吴道子、宋代李公麟、明代仇英等人的实例,分析了不同描法如何塑造人物的身份、性格与时代精神。 四、 艺术的融合:跨界与借鉴 本书特别辟出章节,探讨中国绘画的兼容性与延展性。 1. 文人画的“逸品”精神: 深入剖析了米芾、苏轼等文人如何将诗词的韵味、书法的笔意融入绘画,追求“不着一笔,尽得神似”的境界。这种精神对后世的写意水墨产生了决定性的影响。 2. 界画与文人画的张力: 对界画(如李思训、李诫)这一强调几何精确性的画种,与强调自由挥洒的文人画进行对比分析,揭示了中国艺术内部对于“法度”与“自由”的持续探讨。 3. 借鉴与对话: 简要回顾了清代“四王”对董、巨、元、倪传统的继承与僵化,以及“四僧”的叛逆与创新。同时也探讨了明清时期,如金农(浙派)吸收民间年画的装饰性,以及西方透视法对清初宫廷绘画带来的局部影响,但这始终是在中国传统笔墨语言框架内的调适与吸收。 五、 总结与展望 《翰墨丹青》最终落脚于当下。它不仅是回顾历史的画论,更是引导现代读者理解传统艺术如何保持其生命力的指南。通过对传统技法和审美哲学的系统梳理,本书旨在培养读者“看画”的能力,使之能够超越表面的题材,直抵作品背后的文化内涵与精神世界,从而真正领悟中国传统绘画的深远魅力。全书配有大量高清的经典画作局部放大图,以供读者细致入微地分析笔墨细节。

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目录信息

读后感

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用户评价

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我已经收藏了不下十本关于传统艺术技法的书籍,但这一本的“可操作性”是最高的,也是最能让人持之以恒练习下去的。它最成功的地方在于将复杂的“章法布局”进行了可视化处理。过去我总是在构图上感到头疼,画面的重心在哪里?疏密关系如何安排?这本书用清晰的网格和气流走向图,将古典山水画中的“S”形结构、“三远法”的运用,以及“留白”的黄金分割点,都用现代设计的语言重新包装和解释了。它不仅仅是告诉你“要留白”,而是精确地告诉你“留白区域应该在画面的哪个位置,能达到什么样的视觉效果”。而且,书中还收录了一系列不同主题的“创作示范”,从一幅简单的花鸟到复杂的长卷山水,作者都进行了全程记录,甚至连他自己思考修改的过程都毫无保留地展现出来。这种极致的透明度,极大地增强了读者的跟随感和代入感,让人感觉自己仿佛参与了一次真实的创作过程,受益匪浅。

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这本关于中国传统绘画的入门书,简直是为我这种完全没有基础的“小白”量身定做的!装帧精美,纸张厚实有质感,光是捧在手里都觉得心情舒畅。内容上,它并没有一上来就抛出晦涩难懂的笔墨技巧,而是从最基础的“气韵生动”谈起,用非常接地气的语言解释了中国画的核心精神。我特别欣赏作者在介绍工具的部分,细致到每一支狼毫笔、每一块墨锭的最佳使用时机,甚至连磨墨的力度和速度都有详细的图解和说明,这对于初学者来说简直是雪中送炭。更让我惊喜的是,书中穿插了许多古代名家的画论摘录,但都配有现代的阐释,使得那些看似高深的理论变得通俗易懂,让人豁然开朗。通过前几章的学习,我开始明白,画画不仅仅是描摹形体,更是一种心境的表达。这本书的节奏把握得非常好,循序渐进,让人在不知不觉中爱上了这种东方的艺术形式。它真正做到了“授人以渔”,让我建立起对国画的初步信心和浓厚的学习兴趣。

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作为一个长期在西方油画体系中摸爬滚打的爱好者,我抱着一种批判性的眼光来审视这本东方艺术作品。说实话,这本书一开始让我有些不适应,因为它完全颠覆了我对“打形”的认知。它没有草稿,没有精确的几何定位,一切都依赖于“胸有成竹”的意念。然而,正是这种看似“随性”的表达,反而展现了作者对物象的深刻洞察力。书中对于如何捕捉物体的“生命力”而非“外形”的探讨非常深刻。比如在画石头时,它强调的不是岩石的纹理细节,而是岩石所承载的“重量感”和“沧桑感”。作者通过大量的“速写”案例,展示了如何在一两笔之间,捕捉到事物的精气神。这对于我们习惯于精雕细琢的现代人来说,是一种极大的思维解放。这本书更像是一本“心法口诀”,它教你的不是如何画得像,而是如何让画作“有味道”。对于那些厌倦了程式化练习,渴望在绘画中注入个人情感和哲思的读者来说,这本书无疑提供了另一条充满挑战和乐趣的路径。

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我必须承认,我购买这本书的初衷只是为了打发闲暇时间,没想到它竟然带我进入了一个全新的视觉世界。这本书的独特之处在于其“解构式”的教学方法。它没有局限于传统的“临摹”,而是将一幅完整的画作拆解成无数个可以独立练习的“笔触单元”。例如,画竹子的“竹叶”部分,书中会用极大的篇幅,配上高清的局部放大图,告诉你如何通过“提、按、顿、挫”这四种基本动作,组合出十几种不同姿态的竹叶,从嫩芽的娇羞到老叶的遒劲,层次分明。这种训练方法极大地减轻了我的挫败感,因为我不再是面对一个庞大的目标感到无从下手,而是专注于打磨每一个微小的技法点。作者的文字风格非常幽默风趣,时不时会冒出一些“老法师”的经验之谈,让人感觉像是在跟一位经验丰富的老先生面对面交流,而不是在啃枯燥的教材。这本书的后半部分还提供了“看图说话”的环节,教你如何欣赏名家作品,从中提取属于自己的绘画语言,非常富有启发性。

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这本书的装帧设计,坦白说,是我见过所有艺术书籍中最具匠心的一本。它的内页印刷采用了特殊的哑光纸,这使得墨色的层次感得到了完美的保留,即使用普通打印的参考图也显得油润而富有空气感。更值得称赞的是它的结构布局——它巧妙地平衡了理论深度与实践操作。它没有大谈特谈什么“笔墨当随时代”,而是直接深入到“如何用墨”的实操层面。书中用专门的章节详细对比了焦、浓、重、淡、清五种墨色的表现力,甚至连水与墨的比例控制,都细致到以毫升为单位进行标注,对于追求精准效果的学习者来说,这简直是无价的秘籍。我过去尝试过很多国画教材,总觉得它们在“水分控制”这个最关键的环节一带而过,而这本书却将其提升到了核心地位进行讲解。通过书中提供的练习,我第一次真正理解了什么是“墨分五色”,也开始体会到中国画中那种“计白当黑”的意境之美。这不仅是一本绘画技法书,更像是一部关于“水与墨的哲学”的指南。

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